Un día como hoy, 08 de diciembre, en el año...
- 1980 Asesinato de John Lennon “Imagina que no hay países, no es difícil de hacer, nadie por quien matar o morir, ni tampoco religión, imagina a toda la gente, viviendo la vida en paz”. Esta canción de Lennon que se ha convertido en algo así como el himno universal de la paz encierra en la dulzura de sus notas un mensaje tan obvio como enérgico. Deja ver, de alguna manera, al Lennon que comprendió que la popularidad le había convertido en un instrumento ideal para llevar a los oídos de todo el mundo la verdad que no siempre se pone delante de sus ojos. Todo comenzó con la aparición de Yoko Ono, la hija de un hombre de negocios japonés que removió la conciencia de Lennon hasta el punto de convertirle, de convertirse como pareja, en una pancarta viviente en la que escribir consignas contra conflictos como la guerra del Vietnam. Los Beatles acababan de separarse y John y Yoko hicieron de la habitación de su hotel el cuartel general de su campaña. Nacióla Plastic Ono Band y con ella este “Den una oportunidad a la paz”. Desde fletar un barco por la paz a organizar conciertos por cualquier causas justa y, sobre todo, convertirse en portavoces de los sin voz, la actividad de la pareja se convirtió casi en frenética. Lennon había comprendido que podía abrir los ojos de la gente y no sólo a favor de la paz, también en cuestiones que, por cotidianas, suelen escapar a la reflexión. Así nació, por ejemplo este grito a favor de la igualdad de la mujer. No era difícil despertar en Lennon el chico de un barrio obrero de Liverpool, más allá de los años de mística y psicodelia. Siempre genial nunca olvido sus orígenes. Pero todo acabó el ocho de diciembre de 1980 a las puertas del gótico edificio de nueva York que Lennon y Yoko habían elegido para vivir.
- 2000 Sting recibe una estrella en el Hollywood Walk of Fame Gordon Matthew Sumner, Sting, recibió un homenaje en forma de estrella en el paseo más popular de Hollywood, el Walk of Fame. Para entonces su carerra, primero como integrante de The Police y después en solitario, había sido lo suficientemente exitosa y prolífica como para que éste fuese un merecido homenaje a su trayectoria. En 1977 entró a formar parte de The Police como cantante y bajista, cosechando éxitos inolvidables como Roxanne y Message in a bottle. En 1985 inició una fructífera y exitosa carrera en solitario que ha dado títulos como Fragile, Fields of gold o If I ever loose my faith in you, entre muchos otros.
- 1966 Nace Sinead O´Connor Nació en Dublín (Irlanda). Es una de las artistas más controvertidas de los 90. El éxito masivo le llegó con la edición del single Nothing compares 2 U, un tema compuesto por Prince que ella se encargó de rescatar y llevar a los primeros puestos de todo el mundo de la mano del productor Nelle Hooper (Soul II Soul). Estaba incluido en su segundo álbum I do not want what I haven't got (1990). Una de las cosas que más impactó fue su imagen. Apareció con la cabeza rapada y llorando en el videoclip de dicha canción.
- 1943 Nace Jim Morrison Uno de los artistas con más sex appeal de todos los tiempos. Imitado por muchos pero Único como ningún otro y líder de la banda mas descarnada y descarada de la historia de la música. Complejo e idolatrado saboreó la veneración, el éxito, la fama, los escándalos, las drogas y el erotismo (se consideraba a si mismo un Shaman sexual cuya única misión era dar satisfacción a todos las mujeres). Fue el icono de lo prohibido tanto de las quinceañeras del momento, como de los hippies. Con sus letras, actitud, se convirtió en una autentica provocación a los valores norteamericanos seguido por auténticos fanáticos que abogaban por el descontrol y la falta de respeto.
- Hoy cumple 64 años el cantante, organista y guitarrista de rock y blues Gregg Allman, nacido en Nashville (Tennessee). Fue uno de los miembros fundadores junto a su hermano Duane de la mítica banda de rock sureño Allman Brothers Band. Allman Brothers Band Gregg fue responsable de temas clásicos de la banda como 'Whipping Post', 'Black Hearted Woman', 'Midnight Rider', 'Melissa' y 'Ain't Wastin time no more'. Tras la muerte de su hermano Duane en 1971, Gregg comenzó una carrera en solitario que se ha desarrollado alternándola con su trabajo en los Allman Brothers y aprovechando las épocas de inactividad de la banda, que sigue en activo. Laid Back (1973) Son de destacar su álbum debut, 'Laid Back' (1973) y 'Playin' up a storm' (1977). Entre 1975 y 1979 Gregg tuvo una de sus muchas relaciones (se ha casado seis veces) con la cantante Cher. Intentaron prolongar su relación colaborando musicalmente en el álbum 'Two the hard way' (1977), un fracaso de crítica y ventas, que afortunadamente no se reeditó jamás. Su único éxito comercial lo obtuvo en 1986 con el tema 'I'm no Angel'. Con The Allman Brothers publicó en 2003 su primer álbum de estudio en casi diez años, 'Hittin the note' y como artista en solitario acaba de publicar 'Low country blues', un disco con versiones de temas de Junior Wells, Skip James, Muddy Waters y Bobby Bland, entre otros. A pesar de problemas recientes de salud (recibió un trasplante de hígado en 2010), Gregg sigue realizando giras tanto con Allman Brothers Band, como con su propia banda Gregg Allman & Friends.
- El 8 de diciembre de 1943 nació en Melbourne (Florida) el poeta y cantante Jim Morrison, uno de los mayores iconos del rock. Como el líder carismático de The Doors, Jim Morrison era el ejemplo viviente de lo que significaba el rock y tanto en vida como muerto su impacto en la cultura popular es innegable. Jim y su padre Hijo de un almirante de la U.S. Navy, veterano de Pearl Harbour, su infancia fue la típica existencia nómada de las familias de militares (a los catorce años ya había tenido siete hogares). Este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Educado con una férrea disciplina militar, Jim comprendió pronto el poder de las palabras y se sintió muy interesado por la poesía y la literatura. Con 19 años se marchó de casa a estudiar en la universidad Estatal de Florida y más tarde se matriculó en la escuela de cine (UCLA) de Los Ángeles. En sus primeras entrevistas, Morrison siempre declaró que sus padres habían muerto, algo que en cierto modo era cierto, ya que el desencuentro fue mutuo. Jim en la UCLA en 1962 Decidió centrarse en lo que consideró siempre su verdadera vocación: la poesía. Para tal efecto se trasladó a Venice Beach en Los Ángeles, California, viviendo en la azotea de un edificio o en las casas de las chicas que conseguía conquistar con su estrafalario aspecto y recitando complejos sonetos del siglo XVIII. Esta fue una época de descubrimientos para Jim. Por un lado, el acercamiento a las drogas psicodélicas que tanto le fascinaban, como el peyote, la marihuana y el LSD (su favorita), siguiendo los pasos de autores como Baudelaire y Aldous Huxley, y por otro, el nacimiento de la cultura hippie que florecía por doquier y de la que vivió rodeado. Sin embargo, nunca se llegó a identificar con ella e incluso la desdeñaba en buena medida debido a su nihilismo. Su visión del mundo estaba muy alejada de cuestiones hippies fundamentales, como el acercamiento al espíritu a través de la meditación, el vegetarianismo o la astrología. Devoraba obras de Friedrich Nietzsche, Jack Kerouac, Arthur Rimbaud, el conde de Lautréamont, Emanuel Swedenborg, Gérard de Nerval y William Blake, entre muchos otros. Sus profesores de la universidad charlaban largamente con Jim sobre libros de este tipo. Según declaraciones de algunos, "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros; la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él". En 1965, tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de 'Moonlight Drive'. Al escucharlo, Manzarek quedó sorprendido por su talento y le pidió que formaran una banda de rock, lo que Jim aceptó "para ganar un millón de dólares", como ya siendo famosos comentaran. Después de varios cambios en la alineación de la banda, terminaron conformando The Doors, con Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Jim. Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como Whisky a Go Go. Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada 'The End'. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, Jim tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de 'The End', tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no sólo de la leyenda de The Doors sino de la cultura rockera en general. Morrison compuso en directo una breve y original versión de la tragedia Edipo rey, el personaje de Sófocles que, por azar cruel del destino, termina matando a su padre y desposando a su madre. Claro que en la versión grabada para su primer álbum, esta última frase será sustituida por un grito de Morrison. En cualquier caso, para el dueño del local, aquello fue demasiado y les echó mientras, según se cuenta, todo el público gritaba de emoción. Paul A. Rothchild, productor y por aquel entonces dueño de la empresa discográfica Elektra Records, se encontraba allí aquella noche y siguió al grupo hasta la puerta trasera, donde les mostró su admiración y les propuso grabar un disco cuanto antes. En 1967, los Doors firman con Elektra Records y publican su primer single, 'Light my Fire', escrito por Robbie Krieger y que escala los puestos de Billboard duarnte el famoso verano del amor de 1967. Pronto fueron invitados por Ed Sullivan para actuar en su show televisivo. Como Morrison se negó a cambiar la letra de 'Light my fire', sustituyendo la palabra 'higher' (que hacía referencia a las drogas) por 'better' -de hecho la cantó con su letra original-, Sullivan montó en cólera, les negó el saludo tras la actuación y dijo que nunca más volverían a actuar en su show, a lo que Morrison replicó: "¿A quién le importa?. De hecho, ya lo hicimos". The Doors continuaron realizando actuaciones memorables y grabando álbumes ya clásicos en la historia el rock como 'Strange Days' (1967), 'Waiting for the sun' (1968) y 'The Soft Parade', con temas como 'Love me two times', 'People are strange', 'When the music's over', 'Hello I love you' y 'Touch me'. Pero en 1969 el aspecto físico de Jim cambió dramáticamente. El dios del rock que otrora portaba negros pantalones de cuero, ahora se asemejaba más a un leñador luciendo unos cuantos kilos de más y una descuidada barba, aparentemente para escapar de su imagen de 'rey lagarto'. Asímismo su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, fue llevado a juicio a raíz de una actuación en la que algunos asistentes afirmaron que enseñó su pene y simuló una masturbación, entre otras cosas (aunque no hubo pruebas fehacientes). Condenado por varios cargos, Morrison quedó en libertad pagando una fianza de 50.000$, pero quedando estigmatizado de por vida. "Creo verdaderamente, que se ha querido acusar un determinado modo de vida, que un hecho concreto" (Jim Morrison) Cuatro décadas después, en una revisión del caso efectuada el 9 de diciembre de 2010, se revocó la sentencia a modo póstumo, para, según palabras del gobernador de Virginia, "corregir una injusticia". Mientras tanto, tras 'The Soft Parade', la banda había publicado 'Morrison Hotel' (1970), para muchos la mejor obra del grupo, con temas como 'Roadhouse blues', 'Waiting for the sun', 'Ship of fools' e 'Indian summer'. Unos meses después, su productor habitual, Paul Rothchild, tras escuchar 'Riders on the Storm', una de las nuevas grabaciones para el siguiente disco, 'LA Woman', y tacharla de 'música de cóctel', deja de colaborar con The Doors. Con la ayuda del ingeniero Bruce Botnick, el grupo acaba el álbum con temas como 'Love her madly', 'LA Woman' y 'Riders on the storm', que fue la última pieza grabada por Jim Morrison y los Doors. En este momento The Doors, estaba considerada una de las más importantes bandas de rock del planeta, junto con Beatles, Rolling Stones, Cream, Led Zeppelin y The Who. Jim y Pamela en 1971 En 1971, Jim Morrison, en pleno cénit de su carrera, decidió abandonar la música y radicarse en París con su compañera Pamela Courson, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía. El 3 de julio, Courson descubrió a Morrison muerto en la bañera. Según la ley francesa, no se realizó autopsia alguna y el forense no encontró evidencias de nada turbio y certificó el fallecimiento como fallo cardíaco. Numerosos artículos y ensayos se han publicado acerca de su misteriosa muerte. Unos apuntan al suicidio, otros señalan a Pamela como la responsable ya fuera intencionada- o accidentalmente. Otros, sin embargo, afirman que fue un montaje del propio Jim Morrison, y según ellos, está vivito y coleando en alguna isla del Pacífico. Ray Manzarek, teclista de The Doors, declaró: “Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte –creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés– , poner un saco de cien kilos dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta –África, quién sabe– ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”.
- El 8 de diciembre de 1925 nació en Norristown (Pennsylvania) el organista de jazz Jimmy Smith. Hijo de dos pianistas profesionales, Jimmy Smith ya ganó a los nueve años un concurso para pianistas aficionados. En 1942, formó con su padre un pequeño grupo que sirvió para aumentar su vocación de músico, no interrumpida ni siquiera por el servicio militar, obligación que cumplió en 1945. En la segunda mitad de los años cuarenta, profundizó sus conocimientos musicales matriculándose en la Hamilton School of Music donde recibio clases de contrabajo. Debutó profesionalmente en 1952, con el grupo Don Gardner and his Sonotone en el que ya tocaba simultáneamente el piano y el órgano. El paso definitivo al órgano lo dio tres años mas tarde, cuando en 1955 Jimmy Smith formó su primer trío para tocar en el Café Bohemians de New York, logrando un gran éxito. Esas actuaciones no pasaron desapercibidas para la critica especializada y en 1956, el prestigioso sello Blue Note lo añade a su nómina de músicos. Jimmy Smith y Blue Note mantuvieron desde entonces una relación profesional y musical absolutamente extraordinaria y sus discos fueron apareciendo con una regularidad constante. Su debut en los estudios fue con el álbum 'New Sound, A New Star: Jimmy Smith at the Organ, Vol. 1', un disco que sería el espaldarazo definitivo a su carrera como organista y lo convertiría en el mas prestigioso instrumentista de órgano del jazz. Su labor elevando el órgano a instrumento solista en el jazz fue comparable incluso, con lo que llegó a hacer Charlie Christian con la guitarra eléctrica. Su formación preferida siempre fue en trío o cuarteto y entre 1956 y 1963, Jimmy Smith grabó para Blue Note nada menos que 32 álbumes, entre ellos el fundamental 'Back at the Chicken Shack' (1960. Tras su etapa en Blue Note, Jimmy Smith, que tocaba casi siempre rodeado de extraordinarios músicos, como Kenny Burrell, Stanley Turrentine y Philly Joe Jones, entre otros, da otro paso importantísimo en su carrera cuando decide fichar por el popular sello Verve, bajo el que también grabó entre 1962 y 1973, cerca de una treintena de discos, colocando varios de ellos en las listas de los mas votados del jazz. Aquí destaca el álbum 'Bashin': The Unpredictable Jimmy Smith' (1962). Al mismo tiempo, y de manera sistemática desde 1964, Jimmy Smith gana por aplastante mayoría las votaciones de la prestigiosa publicación Down Beat en la sección de lectores y también la de críticos, como organista de jazz, categoría incluida en las votaciones a partir de ese año. La magnifica distribución internacional de Verve consiguió que el trabajo del organista se expandiera a los mercados europeos y japonés, en los que Smith se hizo rápidamente muy popular (sobre todo en Inglaterra) ayudado de sus actuaciones en directo y televisivas en las que quedaba bien patente su virtuoso y exhibicionista dominio del instrumento. En 1966 publicó a dúo con Wes Montgomery otro álbum imprescindible de su amplísima discografía: 'Jimmy & Wes: The Dynamic Dúo' (1966). En los años setenta, abrió su propio local en Los Angeles, donde solía actuar regularmente. En las décadas de los años ochenta y noventa su carrera recibió nuevo impulso, realizando Smith grabaciones con Quincy Jones, Michael Jackson y Dee Dee Bridgewater. Jimmy volvió a grabar álbumes para Blue Note y Verve así como Milestone y Elektra. Su última publicación fue el ´álbum 'Dot Com Blues' (2000). Jimmy Smith murió en febrero de 2005 a los 79 años.
- El 8 de diciembre de 1925 nació en Harlem, Nueva York el cantante, bailarín, actor y comediante Sammy Davis Jr. Sammy Davis, Jr. fue un artista del espectáculo que cautivaba a sus audiencias con su voz, su baile, su sentido de la comedia y sus extraordinarias habilidades con la batería, el vibráfono y la trompeta. Por si eso fuera poco, fue flamante ganador de un Oscar y un Emmy. Estrechamente relacionado con Frank Sinatra, Dean Martin, Joey Bishop y Peter Lawford (el Rat Pack), eran un ejemplo de lo que se consideraba 'cool' (en la onda) en los años sesenta y a pesar del pobre tratamiento que recibían los afroamericanos en los casinos y night-clubs, alcanzó la cima del estrellato con su amigo Frank Sinatra acudiendo en su defensa, siempre que fuera necesario. El 'Rat Pack', con Sammy en el centro En 1954 perdió un ojo a causa de un accidente de automóvil y tuvo que implantarse uno de cristal. Fue en este tiempo cuando comenzó su relación con la actriz sueca Kim Novak, que suscitó no poca controversia en la puritana y racista Norteamérica de los cincuenta, en la que las relaciones interraciales aún eran un gran tabú. El presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, temeroso de que la relación afectara a la carrera de uno de sus artistas más importantes, encargó a un amigo gángster el secuestro de Sammy para 'recomendarle' que abandonara a Novak. Sammy y May Britt Aún así, y a pesar de un rápido matrimonio -para acallar la opinión pública- con la bailarina negra Loray White (que duró poco), Davis no perdió su pasión por las 'valkirias' nórdicas y, en 1960, se casó con la actriz de origen sueco May Britt. En aquella época los matrimonios interraciales estaban prohibidos por ley en 31 estados de la Unión y recibió por ello numerosas cartas amenazantes y cargadas de odio. En 1967 esas leyes fueron declaradas inconstitucionales por la Corte Suprema de EEUU. No obstante, un año después, Sammy y May se divorciaron. Sam,my, en 1989 A pesar de los numerosos obstáculos que se encontró Davis en su carrera, continuó siendo uno de los artistas más trabajadores a lo largo de la tres décadas siguientes con éxitos como 'Me and my shadow' (1962), 'I've gotta be me' (1968), 'The candy man' (1972). Sin embargo, su batalla más decisiva fue la que libró con el cáncer de garganta. Descubierto a tiempo, los médicos le recomendaron la operación, pero Sammy la rechazó porque prefería morir a perder su voz. Falleció en mayo de 1990 a los 64 años. Dos días después, todos los luminosos y luces de Las Vegas se apagaron durante diez minutos en su honor.
- El 8 de diciembre de 1906 nació en Valencia la cantante y actriz española Concha Piquer, una de las figuras más relevantes de la copla. Nacida y criada en el barrio de Sagunto de familia muy humilde (su padre era albañil y su madre modista), cuando contaba 11 años hizo su debut en el teatro Sogueros de Valencia. Estudió canto con el maestro Laguna. Actuó en el Grao, Gandía, en los teatros valencianos Apolo y Kursaal. Fue descubierta por el maestro Penella, que preparaba el estreno de su ópera 'El gato montés' en el Park Theatre de Nueva York. Se la llevó a EE.UU -con el permiso y la compañía de su madre- con la idea de presentarla en México posteriormente al estreno de su obra. Al oirla cantar el empresario John Cort, éste se empeñó en que Conchita apareciera en el espectáculo del Park Theater. Como la versión de 'El gato montés' que habia preparado el maestro Penella estaba en inglés, hubo que improvisar y Penella le compuso en 24 horas el tema 'El florero', que Conchita interpretó en el entreacto. Fue tal el entusiasmo del público neoyorquino, que tuvo que interpretar 'El florero' seis veces. Conchita Piquer en USA Olvidada ya la gira por México, pasó cinco años en Estados Unidos, aprendiendo inglés a marchas forzadas y cantando en Broadway y en muchos teatros. Tuvo la oportunidad de trabajar con dos consagrados artistas de variedades: Al Jolson, el primer protagonista de una película sonora, y Eddie Cantor. Con ambos intervino en el film y espectáculo 'The dancing girl'. Actuó con Jeanette McDonald en Broadway. Como cabecera de cartel, Conchita llegó a cobrar 2.500$ a la semana, cantidad astronómica a mitad de los años veinte, inimaginable en España para una artista de su especialidad. Con el maestro Penella Mantuvo su amistad con el maestro Penella, un apasionado pigmalión. Fue para él una musa joven para la que compondría varias canciones, como 'La maredeueta', 'En tierra extraña', 'Agüita clara', 'Dulcinea del Toboso' y 'Mari Pepa, la revoltosa'. En 1926 regresó a España, debido a la grave enfermedad de una de sus hermanas. Al año siguiente, instalada en Madrid, presentó un espectáculo ' a la americana', interpretando en perfecto inglés, canciones de sus compañeros en los escenarios neoyorquinos, Eddie Cantor y Al Jolson. Habiendo recibido su educación en Norteamérica, Conchita se vio obligada a aprender castellano, ya que cuando marchó sólo hablaba valenciano. En 1933 contrajo matrimonio con el torero Antonio Márquez, padre de su hija Concha Márquez Piquer. La guerra civil sorprendió a la pareja en Madrid. Marcharon a Francia y luego volvieron a Sevilla, donde siguieron el resto de la contienda. Allí conoció al poeta y letrista Rafael de León con quien mantuvo unaprofunda amistas mientras vivieron. Conchita le contaría a Rafael muchas anécdotas de su vida, pensamientos, anhelos, que le servirían al poeta para componerle hermosas letras de canciones, con la música de Antonio Quintero y el maestro Manuel López-Quiroga. Juntos crearon una serie de espectáculos en los que aparecían canciones que se hicieron muy populares, como 'Ojos verdes' y 'La Parrala'. Otras de sus canciones más populares son 'Tatuaje', 'Cinco Farolas', 'No te mires en el río', 'Los piconeros', 'La Lirio', 'Romance de la reina Mercedes', 'A la lima y al limón', 'Antonio Vargas Heredia', 'Cárcel de oro', 'La niña de la estación', 'No me quieras tanto', 'Yo soy esa', 'Y sin embargo te quiero'. "Tenía voz y, sobre todo, 'sabía decir'. Su dicción era magnífica. Cada fraseo suyo poseía, cantando, una intención, un sentimiento, apoyado también en el gesto-, la profunda mirada o el movimiento de sus manos. Caminaba airosamente por el escenario. Su repertoprio de Quintero, León y Quiroga era una sucesión de historias de amores y desamores, como si fueran comedias teatrales de tres minutos." (Manuel Quiroga, en 'Memoria de la Copla') En 1949 rodó a la órdenes de Luis Marquina, 'Filigrana', quizá su película más lograda o la que más éxito de taquilla obtuvo. En ella interpretó 'Ojos verdes', su gran éxito en los años treinta, con la letra algo cambiada, ya que tuvo problemas con la censura. La estrofa "apoyá en el quisio de la mancebía" no la autorizaron, aunque ella la cantaba en sus espectáculos, pagando después religiosamente las multas por cantar 'letras prohibidas'. En un viaje en 1946 a México, ante su estupor, le negaron la entrada al país por 'franquista'. Miguel de Molina, exiliado tras la guerra civil, había propagado el rumor de que Concha Piquer hacía buenas migas con el régimen del dictador y que ella había tenido mucho que ver en su exilio. Consiguió finalmente, gracias a amigos influyentes, entrar en México, pero el estigma la persiguió durante años, hasta que, en 1990, Miguel de Molina declaró que Piquer no había tenido nada que ver con su salida del país. Cuando la ya anciana Concha Piquer escuchó su declaración, exclamó: "¡A buenas horas, mangas verdes! Ahora viene con ésas... cuando ya tenemos los dos cita con el sepulturero!" A pesar de estos rumores, Concha mantuvo siempre su carácter insobornable. Cantó para Franco una sola vez, en una recepción del palacio de La Granja de San Ildefonso con motivo del 18 de julio. Después de actuar, le dijeron que tenía que ir a saludar al jefe de Estado, como el resto de los artistas, vestida tal y como había salido a cantar. Y se negó a ello, tras cambiarse por la ropa de calle, diciendo: "La artista se ha quedado en el escenario y ahora soy una persona normal". En otra ocasión se negó a acudir de nuevo diciendo que ese día tenía función en el teatro Calderón de Madrid, y que no tenía inconveniente en ceder la recaudación de la fecha para obras benéficas. Su actitud, muchas veces considerada intolerable por las autoridades franquistas, provocó que le retiraran en dos ocasiones el pasaporte. Viajaba siempre con un montón de baúles, los suyos y los de la casa con ropa de cama, de mesa y similares pues tenía la costumbre de alquilar una casa en el lugar donde estuviera de gira. Su marido acarreaba dos baúles llenos de aceite de oliva. A raíz de todo esto se acuñó la expresión 'el baúl de la Piquer' En el teatro Victoria de Isla Cristina tuvo lugar en 1958 su última actuación interpretando 'Mañana sale'. Decidió retirarse tras perder la voz por unos momentos. Sólo cantó en ocasiones esporádicas, como cuando la ciudad de Valencia le dedicó una calle en 1964 o en 1968, durante la presentación en el teatro de la Zarzuela de Madrid de su hija Conchita Márquez. Desde entonces vivió tranquilamente con sus recuerdos. Falleció de un paro cardíaco en Madrid a los 84 años, el 12 de diciembre de 1990.
- El 8 de diciembre de 1865 nació en Hämeenlinna (“Tavastehus” en sueco), perteneciente entonces al Gran Ducado de Finlandia de Rusia, el compositor finlandés Jean Sibelius, iniciador de la escuela moderna de composición musical de su país. Sibelius con 15 años Huérfano de padre desde los tres años de edad, pertenecía a una familia de ascendencia sueca, por lo que en su hogar se hablaba en este idioma. Más tarde aprendió finlandés en la escuela y se interesó más profundamente por diversos aspectos de la cultura de su país, que hasta 1917 pertenecía a Rusia. Adquirió sus primeras nociones de piano de la mano de su tía Julia, y posteriormente, en 1885 comenzó sus estudios de derecho en la Universidad de Helsinki, para abandonarlos un año más tarde y así poder centrarse en la música. Estudió composición con Wegelius y violín con Csillag en la capital finesa hasta 1889. Wegelius descubrió rápidamente las grandes dotes musicales del joven Sibelius, que por aquellos años ya había compuesto obras entre las que se encuentran un “Trío para piano en Do mayor” y una “Sonata para violín en Fa mayor”. Durante su época como estudiante en el Conservatorio de Helsinki, Sibelius entró en contacto con algunas de las personas que más tarde influirían tanto en su vida como en su obra: el pianista y compositor Ferruccio Busoni y el también compositor Armas Järnefelt, con cuya hermana se casaría Sibelius años más tarde. Fue su profesor Wegelius quien le animó a pedir una beca de estudios para Berlín y, al serle concedida ésta, se trasladó a la ciudad alemana en septiembre de 1889. Allí estudió composición de forma privada con Albert Becker y, si bien no quedó muy contento con las enseñanzas que recibió de él, sí que disfrutó intensamente de la vida cultural berlinesa. De nuevo obtuvo una ayuda del gobierno de su país para estudiar en el extranjero, y esta vez fue Viena la ciudad elegida. Allí se formó con Robert Fuchs y con el húngaro Karl Goldmark y fue en la capital austriaca donde comenzó a centrarse en la escritura para orquesta gracias a la influencia de las obras de Bruckner y Wagner. Su primer proyecto de resonancias nacionalistas fue “Kullervo”: 1/7, 2/7, 3/7, 4/7, 5/7, 6/7, 7/7 (YL Male Voice Choir, dir. Osmo Vänskä), una composición de ideas melódicas finlandesas y de tono oscuro y grave. La obra fue concebida en Viena y finalizada tras regresar a su país natal en 1891. Su exitoso estreno se produjo al año siguiente en Helsinki. En esa época, Sibelius se unió al movimiento “carelianista”, un grupo de artistas interesados en profundizar en las raíces de Finlandia por medio del estudio de la epopeya nacional o Kalevala. En 1892 compuso otra obra de inspiración finesa: el poema sinfónico “En saga”, (Royal Philharmonic Orchestra, dir. Anthony Collins). Aino Sibelius en 1891 Ese mismo año se casó con Aino Järnefelt y realizó un viaje a la región de Carelia, donde tuvo oportunidad de transcribir melodías populares de la zona. En la década de los años noventa nacieron sus primeras tres hijas y, en 1892, debido a las necesidades económicas de su familia, Sibelius comenzó a dar clases de música en el Instituto Musical de Helsinki. Afortunadamente, el gobierno de su país acordó concederle en 1897 una pensión vitalicia de 3.000 marcos anuales que le proporcionó cierta holgura económica, al menos durante los primeros años. En su casa Ainola, en 1907 Tras el estreno en 1898 de la obra teatral “Kung Kristian II” de Adolf Paul, cuya música incidental compuso Sibelius, le surgieron ofertas para publicar su obra tanto en su país como en Alemania, donde firmó un contrato con la prestigiosa editorial Breitkopf. En julio de 1900 realizó una exitosa gira por Europa (Escandinavia, Alemania, Holanda y Francia) que le sirvió para adquirir fama y prestigio en estos países. A pesar de los logros musicales obtenidos, Sibelius continuaba bebiendo hasta extremos preocupantes; su esposa Aino decidió adquirir una casa de campo en el bosque de Järvenpää y así alejar al compositor de la vida urbana de Helsinki. En septiembre de 1904 se trasladó junto a su mujer y sus cuatro hijas a la nueva vivienda, llamada Ainola, en la que residió durante el resto de su vida. Al año siguiente logró publicar su obra en la editorial Schlesinger de Berlín, propiedad de Robert Lienau. Firmó con él un contrato en el que se comprometía a entregar varios trabajos por año. El primero que vio la luz en la editorial fue “Pélleas y Mélisande”, una partitura de música incidental de nueve movimientos donde en el movimiento inicial (“En la puerta del castillo”) las cuerdas introducen un corto tema atmosférico que luego es retomado por los vientos madera. Esta introducción termina con unos acordes austeros. Luego se introduce al personaje de “Mélisande” con un tema fuerte asignado al corno inglés. Sigue un Intermezzo “A la orilla del mar” que Sibelius sugería omitir en las ejecuciones en concierto. Las cuerdas continúan con las densas sonoridades del material melódico de una primavera en el parque, seguido de “Las tres hermanas ciegas” en el que nuevamente el corno inglés interpreta una melodía respondida con armonías monolíticas asignadas al resto de la orquesta. El “Pastorale" está orquestado para instrumentos de viento madera y cuerdas y ostentan la sutileza de la música de cámara. El séptimo movimiento presenta la imagen más larga y dramática de las anteriores, “El Intermezzo” que podría servir como final sinfónico de la obra, pero le sucede el conmovedor “La muerte de Mélisande” (Czech Philharmonic Orchestra , dir. Serge Baudo) También en 1905 se produjo su primer viaje a Inglaterra, donde dirigió varias de sus obras y adquirió gran popularidad. Siguió componiendo y en 1907 terminó su “Tercera Sinfonía en Do mayor” (Berliner Philharmoniker, dir. Simon Rattle), una obra más recatada que sus dos sinfonías anteriores. Ese mismo año coincidió en Helsinki con Gustav Mahler, y pudo conversar con él sobre temas musicales. Tras el nacimiento de sus dos últimas hijas, en 1908 y 1911 respectivamente, Sibelius se sumió en una crisis personal y económica en la que el alcohol se convirtió en su compañero inseparable. Sibelius en 1910 En este período se produjo su acercamiento a la música de cámara, que queda reflejado en su “Cuarteto en Re Menor” (Melos Quartet) de 1909 y en obras vocales como las “Ocho canciones op. 57” basadas en textos del escritor sueco Ernst Josephson o las “Diez piezas para piano op. 58”, Nº 1-, Nº 5-, (Håvard Gimse -piano). En 1909 y de nuevo en 1912 volvió a Inglaterra. Allí seguía siendo un compositor admirado, mientras que en Europa central comenzaba a haber opiniones que lo relegaban a un segundo plano, ya que habían surgido grandes figuras de la música como Debussy o Schoenberg que planteaban propuestas estilísticas más avanzadas. Su “Cuarta sinfonía” fue un fracaso de público en Alemania y Francia, pero él continuó explorando el lenguaje compositivo que venía realizando hasta el momento, resistiéndose a adoptar las tendencias musicales del resto de Europa.En 1914 tuvo lugar un acontecimiento importante para su carrera musical: realizó un viaje a los Estados Unidos de América invitado por el también compositor Horatio Parker. Allí estrenó su poema sinfónico “Las Oceánidas” (London Philharmonic Orchestra, dir. Sir Adrian Boult), compuesto por encargo del Festival de Música de Norfolk, y recibió un doctorado honorífico que le concedió la prestigiosa Universidad de Yale. Una vez de vuelta en Finlandia acabó de escribir la “Quinta Sinfonía en Mi bemol” (Berliner Philharmoniker, dir. Simon Rattle) , que revisó meticulosamente hasta darla por terminada en 1919, la más alegre y por la que más fluye la energía de las siete que compuso. Esa sinfonía, al igual que muchas de las grandes obras del compositor, habría de ser revisada tras su estreno en 1915 y no recibiría su forma definitiva hasta 1919. En 1921 rechazó el puesto de director de la Eastman School of Music de Estados Unidos que le fue ofrecido y, lamentablemente, continuó bebiendo en exceso hasta el punto de llegar a dirigir ebrio su “Sexta Sinfonía” 1/6 (Philharmonia Orchestra, dir. Herbert von Karajan) en un concierto celebrado en Göteborg (Suecia) durante la primavera de 1923. Al año siguiente concluyó su “Séptima sinfonía” (Wiener Philharmoniker, dir. Bernstein), una obra maestra del género escrita en un solo movimiento; y en 1926, por encargo de la Sociedad Filarmónica de Nueva York, acabó el poema sinfónico “Tapiola”, 1/2 y 2/2 (Berliner Philharmoniker, Herbert von Karajan), basado en un personaje mitológico finés llamado Tapio. Sibelius en 1925 Se dice que el bosque alrededor de Ainola, el hogar familiar, influyó mucho en su poema musical Tapiola. El biógrafo de Sibelius, Erik Tawastjerna, dijo: “Incluso para los estándares nórdicos, Sibelius respondió con intensidad excepcional a los modos de la naturaleza y al cambio de las estaciones: recorría el cielo con sus binoculares observando los gansos volando sobre el lago helado, escuchaba el canto de la grulla, y el eco de los gritos del chorlito sobre el suelo pantanoso bajo Ainola. Saboreaba cada detalle del florecer primaveral, tanto como los perfumes y colores del otoño”. El maestro Sibelius en 1939 Después de su Séptima sinfonía y del poema musical Tapiola, Sibelius no completó la composición de ninguna otra obra importante en los últimos treinta años de su vida. Tras la citada obra, Sibelius se sumió en una depresión que le impidió componer grandes obras. Su octava sinfonía, en la que aparentemente trabajaba hacia 1933, nunca llegó a ver la luz. El 20 de septiembre de 1957 falleció debido a una hemorragia cerebral. El Museo Sibelius de Turku conserva diversos materiales sobre la vida y obra del compositor finlandés, así como la biblioteca de la Universidad de Helsinki, que guarda un gran número de manuscritos y esbozos de sus obras.
Acontecimientos del mundo de la música
1967 En Inglaterra, la agrupación británica de rock The Beatles publica el doble EP Magical Mystery Tour.
1967 La banda británica The Rolling Stones publica su sexto álbum de estudio titulado Their Satanic Majesties Request.
1976 En EE. UU., The Eagles publican uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, Hotel California.
1979 En Estados Unidos se publica The Wall, exitoso disco de la banda británica de rock Pink Floyd.
1980 En Nueva York, Mark Chapman asesina por 5 tiros a John Lennon, ex-integrante del grupo británico de rock The Beatles.
2004 En el local Alrosa Villa, en Columbus (Ohio), Dimebag Darrell es asesinado al comienzo de un recital de Damageplan por un fanático llamado Nathan Gale.
Nacimientos
1865: Jean Sibelius, compositor finlandés (f. 1957).
1882: Manuel M. Ponce, músico y compositor mexicano (f. 1948).
1890: Bohuslav Martinů, compositor checo (f. 1959).
1906: Concha Piquer, cantante española (f. 1990).
1925: Sammy Davis, Jr., actor y cantante estadounidense (f. 1990).
1928: Jimmy Smith, organista estadounidense de jazz (f. 2005).
1939: Sir James Galway, flautista británico.
1943: Jim Morrison, cantante estadounidense de la banda The Doors (f. 1971).
1943: José Carbajal, músico uruguayo (f. 2010).
1944: George Baker, cantautor y productor holandés.
1945: Ramón Ayala, cantautor mexicano.
1950: Dan Hartman, músico estadounidense (f. 1994).
1956: Warren Cuccurullo, guitarrista ítalo-estadounidense de la banda Duran Duran.
1957: Phil Collen, guitarrista británico de la banda Def Leppard.
1958: Fernando Olvera, vocalista mexicano de la banda Maná.
1962: Marty Friedman, músico estadounidense de las bandas Megadeth y Cacophony.
1966: Sinéad O’Connor, cantautora irlandesa.
1967: Ralph Santolla, guitarrista de death metal.
1973: Corey Taylor, vocalista estadounidense de las bandas Slipknot y Stone Sour.
1974: Cristian Castro, cantante mexicano.
1974: Nick Zinner, guitarrista estadounidense de la banda Yeah Yeah Yeahs.
1984: Nicki Minaj, cantautora trinitense.
1988: Pee Wee, cantante mexicano de origen estadounidense.
1989: Jen Ledger, baterista de la banda de Rock Skillet.
1997: Ricardo De Sousa, cantante venezolano de Electro-pop.
Fallecimientos
1945: Aleksandr Ziloti, pianista, director de orquesta y compositor ruso (n. 1863).
1980: John Lennon, cantante y compositor británico de la banda The Beatles (n. 1940).
1994: Antonio Carlos Jobim, compositor y pianista brasileño (n. 1927).
2003: Rubén González, pianista cubano (n. 1919).
2004: Dimebag Darrell, guitarrista estadounidense de las bandas Pantera y Damageplan (n. 1966).
2004: José Libertella, músico tanguero y bandoneonista argentino (n. 1933).
Celebraciones y conmemoraciones en general
México: Oaxaca, Día de la Virgen de Juquila.
México: Veracruz, Día de "Nuestra Señora de Cosamaloapan", festejos en otros pueblos o ciudades, como: Córdoba, Xalapa, Tlalixcoyan y Estanzuela.
México: Chihuahua, Fundación de Ciudad Juárez en 1659.
España: Festividad de la Inmaculada Concepción, Patrona de España.
España: Ontinyent (Comunidad Valenciana), Fiesta mayor patronal de la Purísima.
España: Torrevieja (Comunidad Valenciana), Fiestas de la Patrona la Inmaculada Concepción.
España: Yecla (Región de Murcia), Fiestas de la Virgen del Castillo.
Argentina Día de la Virgen.
Panamá: Día de la madre, en honor a la Inmaculada Concepción.
Chile: Día de la Inmaculada Concepción de María.
Nicaragua: Día de la Inmaculada Concepción de María.
Perú: Día de la Inmaculada Concepción de María.
Colombia: Día de las Velitas de María, festividad nacional.
Francia: Lyon, Fête des lumières (Festival de luces) para venerar a la Virgen María.
Uruguay: Día de la Virgen.
TODO TANGO
1894 Nació en el barrio de San Cristobal (Buenos Aires) ALFREDO NAVARRINE quien además de guitarrista y cantor, fue autor de importantes tangos: "Torcacita", "Fea", "Galleguita" (1922); "Barrio reo" (1926); "Sos de Chiclana", "Estampa rea", "Gajito de cedrón". Falleció en Buenos Aires el 15 de abril de 1979.
1907 Nació en Buenos Aires la cancionista NELLY AGUIRRE. Debutó en el año 1933 tras haber salido segunda en un concurso realizado por Radio Splendid. Actuó en varias radios. Se retiró a los pocos años.
1908 Nació en La Plata (Pcia. de Buenos Aires) el pianista y director de orquesta MARIO LOVISUTO. Estudió en el Conservatorio "Wagner" con el maestro Lagmann, el pianista francés Guiard Grenier y la profesora Gioconda Yorio de Vázquez. Debutó a los doce años tocando el piano en el cine Sarmiento de su ciudad natal y a los catorce años integraba el conjunto típico de Juan Piñero. Luego pasa por un conjunto de jazz y otro de cámara. En 1930 se incorpora como solista en varias emisoras de Buenos Aires, y durante los años 1935 / 36 organiza una orquesta formada íntegramente por músicos platenses. Posteriormente, a partir de 1940 se retira de la actividad artística.
1908 Nació en el barrio de Belgrano (Buenos Aires) el violinista ALFREDO RAUL FREIRE. Actuó en varias orquestas. Falleció el 11 de abril de 1982.
1916 Nació en Guaminí (Pcia. de Buenos Aires) el bandoneonista, compositor y director de orquesta ERNESTO O. ROSSI "Tití Rossi. Estudió con su padre quien era director de orquesta. Debutó en Buenos Aires en la orquesta estable de radio Belgrano que dirigía el maestro Mario Maurano. En 1939 pasó a la agrupación de Nicolás Vaccaro, luego integró como arreglador y bandoneonista la orquesta del violinista Antonio Rodio. Por ese entonces amplió sus conocimientos musicales estudiando armonía, contrapunto, fuga e instrumentación con el maestro Gilardo Gilardi. De 1941 a 1944 integró como primer bandoneón, la orquesta de Edgardo Donato y luego, durante 11 años perteneció como arreglador y primer bandoneón al conjunto de Francisco Rotundo. En 1956 pasó como orquestador de Héctor Varela. En 1958 formó su propia orquesta, luego, a partir de 1960 y hasta 1968 se radicó en Mexico y Estados Unidos y a su regreso en 1968 se dedicó a la enseñanza y a orquestar en exclusividad para Héctor Varela. Autor de: "Muchachos, mi último tango", "Estudiantes de La Plata", "Bien bohemio", "Malvado", "Muñeca del Once", "Por qué me la nombran", "Siempre tu voz", "Pa’que te oigan, bandoneón", "No me hablen de ella", "Una lágrima", "Azucar, pimienta y sal", "Así bailaban mis abuelos" entre otros. Falleció el 6 de mayo de 1985.
1938 Nació en Catania (SiciliaItalia) el cantor HECTOR DARIO. Su verdadero nombre es José Petraglia. Debutó cantando con Joaquín Do Reyes. Luego actuó con la orquesta de Armando Pontier y más tarde siguió cantando como solista.
1940 Nació en el barrio de Flores (Buenos Aires) el cantor ALBERTO MARCO. Su verdadero nombre es José Alberto Tavenna. Hijo del bandoneonista Carmelo Taverna. Integró los conjuntos de Jorge Caldara, Carlos Figari, Mariano Mores, Lito Escarso y Juan José Paz.
1942 Nació en el barrio de Flores la cancionista AZUCENA FLORES. Su verdadero nombre es Susana Concepción Vilon. En su repertorio de neto corte folklórico, gusta de interpretar tangos camperos.
1951 Nació en Rosario HUGO MARIO SOLER, cantor, escritor y docente. Estudió canto e inteegró diversas agrupaciones corales, se inició como cantor de música melódica, para luego dedicarse al tango. Organizó y cantó en recitales que ofreció en Bar Latino, Café Finesterre, Café Homero, Café Monserrat y por Radio Nacional al exterior. Continúa cantando como solista y está grabando su primer CD, "Mi tango amigo".
1955 Falleció en Buenos Aires, el payador ANTONIO CAGGIANO.
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1916 - Nació en Guaminí (Pcia. de Buenos Aires) el bandoneonista, compositor y director de orquesta Ernesto O. Rossi, "Tití" Rossi, autor de "Estudiantes de La Plata", "No me hablen de ella", "Azucar, pimienta y sal" y "Así bailaban mis abuelos".
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1955 Falleció en Buenos Aires, ANTONIO CAGGIANO, payador.
1951 Nació en Rosario, Pcia. Santa Fe, HUGO MARIO SOLER, cantor, escritor, docente.
1942 Nació en Buenos Aires, barrio de Flores, AZUCENA FLORES, (Susana Concepción Vilón), cancionista.
1940 Nació en Buenos Aires, barrio de Flores,ALBERTO MARCÓ, (José Alberto Tavenna), cantor.
1938 Nació en Catania, Sicilia, Italia, HÉCTOR DARÍO, (José Petraglia), cantor.
1916 Nació en Guaminí, Pcia.Bs.As., TITÍ ROSSI (Ernesto O. Rossi), bandoneonista, compositor, director.
1908 Nació en Buenos Aires, barrio de Belgrano, ALFREDO RAÚL FREIRE, violinista.
1907 Nació en Buenos Aires NELLY AGUIRRE, cancionista.
1894 Nació en Buenos Aires, barrio de San Cristóbal, ALFREDO NAVARRINE, guitarrista, cantor, compositor,
TODO FOLCLORE
1956 - Muere en Buenos Aires, Hilario Cuadros, músico, cantor, compositor, autor, nacido en Guaymallén (Mendoza). Formó Los Trovadores de Cuyo junto a Domingo Morales, Alberto Quini y Roberto Puccio. Autor de “Cochero e plaza”, “Los 60 granaderos” con Pérez Cardozo, “La monjita” con Canstatt, “El niño y el canario” con Frattantoni y “Virgen de la Carrodilla ” (un himno para los mendocinos) con Pedro Herrera, entre sus 114 temas registrados. Nacido un 23 de diciembre, se instituyó ese día como “Día de la Tonada”. Tenía 53 años.
ESFEMERIDES CULTURALES ARGENTINAS
1854 Día de la Inmaculada Concepción de la Virgen María
