GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.

ADELANTO MES DE ENERO 2013

PLATAFORMA LAVARDEN

Viernes 4 enero, 21:00 hs I Rosario Tango Festival El 4 – 5 – 6 de Enero, por primera vez, la ciudad contará con el I Rosario Tango Festival y Plataforma Lavardén será una de sus sedes, proponiendo clases para todos los niveles y un espectáculo en el Teatro; La Noche de los Maestros.

Un día como hoy, 23 de diciembre, en el año...

• 1929  Nace Chet Baker    El año 1988 el 13 de mayo cayó en viernes, día de mala suerte y de desgracias en la cultura sajona. No debía estar pensando en eso el trompetista Chet Baker cuando decidió escalar la fachada del hotel de Amsterdam del que acababa de ser expulsado, para recuperar su trompeta. Lo único en que pensaba era en eso, en recuperar su trompeta que había quedado con el resto de su equipaje como prenda por el impago de su alojamiento. Fue la culminación de la mala suerte que siempre acompañó a este “príncipe” blanco del jazz nacido en Oklahoma y que cambió por una trompeta el trombón que le había comprado su padre, también músico. De niño, Chet cantaba en los coros del colegio y de la iglesia y aprendió a tocar su trompeta en la banda de la escuela. Con sólo 16 años se alistó en el Ejército, después de ser expulsado del colegio, y fue destinado como músico a las tropas de ocupación en Berlín. Fue allí, escuchando la Radio de las fuerzas armadas norteamericanas, donde Chet Baker descubrió el jazz moderno. A su regreso a los Estados Unidos comenzo a estudiar música al tiempo que tocaba en clubes de jazz. Su encuentro con Stan Getz fue fundamental en su vida. Con él entro en los estudios de grabación y gracias a su trabajo fue contratado para acompañar a Charlie Parker sobre los escenarios. Finalmente entró a formar parte del cuarteto de Gerry Mulligan. Estamos en 1952 y Baker comienza a grabar sus famosas sesiones para la Pacific Jazz Records. Son sus mejores años, cuando la heroína no se había apoderado aún de su vida. Después vendrían las caídas a lo más profúndo de la sociedad y sus esporádicas recuperacioones. Son los tiempos de las detenciones por posesión de drogas, las deportaciones y las palizas. En una de ellas, le rompen la mandíbula y pierde varios dientes, lo que le obliga a trabajar 16 horas al día en una gasolinera. Regresa en 1973 y se traslada a Europa, donde va dejando grabaciones para pequeños sellos mientras toca en Holanda, Italia, Francia y también en España. Finalmente, la vida que vivió siempre al filo de la navaja, le dio la espalda en Amsterdam tal día como hoy, en 1988. Nos queda el consuelo de descubrir el tesoro que dejó escondido en sus grabaciones y su leyenda de príncipe desgraciado que inspiró, por ejemplo, a Antonio Muñoz Molina su “Invierno en Lisboa”.

• 1989  'Another day in paradise', Nº 1 de Billboard    Era una canción de Phil Collins. Además de llegar a lo más alto de la lista de ventas, fue proclamado tema del año por la popular publicación musical. El single se incluía en el álbum "...But seriously", y en el que también se recogían otros de los títulos más conocidos del cantante como "I wish it would rain down" y "Do you remember".

• 1987  Roger Waters y David Gilmour entierran el hacha de guerra    Tras las amenazas de Roger Waters de llevar a juicio a David Gilmour por seguir usando el nombre de Pink Floyd, los dos firmaron un día como hoy, un acuerdo por el que Gilmour podía seguir su carrera bajo el nombre de Pink Floyd. A cambio Waters recibiría los royalties y los derechos de imagen correspondientes. El primer disco del grupo sin su primer líder fue A momentary lapse of reason (1987). Por su parte, Roger Waters inició una carrera en solitario nada más abandonar Pink Floyd. Su debut fue el disco The pros and cons of hitchhiking (1984). Después llegaría Radio K.A.O.S. (1987) y Amused to death (1992).

• 1969  Elton John y Bernie Taupin empiezan su relación profesional    Reginald Dwight y Taupin comenzaron a escribir canciones juntos, en principio a través de carta. El primero de ellos, Elton John, optó por la composición tras una fallida audición para Liberty Records. Aunque la discográfica le rechazó, le pasaron algunas letras de Taupin para que trabajase en ellas y de esa manera nació esta prolífica pareja profesional, que ha dado éxitos como Your song, Rocket man, Nikita, Daniel, Sacrifice, Candle in the wind, Don't let the sun go down on me y Don't go breaking my heart, el popular dueto de Elton John con Kiki Dee, entre muchos otros.

• El 23 de diciembre de 1929 nació en Yale (Oklahoma) el cantante y trompetista norteamericano Chet Baker, uno de los músicos de jazz más populares de la historia: imagen, biografía, leyenda y cualidades artísticas conformaron un artista sumamente atractivo para el gran público, desbordando los habituales círculos restringidos del jazz. Su música es sumamente accesible y delicada, casi siempre vinculada a la balada intimista, lírica y delicada, tanto en su vertiente instrumental como vocal. Su padre, que tocaba el banjo como aficionado era un devoto deJack Teagarden y viendo las cualidades del joven Baker le regaló un trombón. Pero Chet prefería a Harry James y lo cambió por la trompeta. Durante su etapa en el ejército, estuvo destinado en 1946 en Berlin, donde tomó contacto con el jazz moderno. En 1948 estudió en El Camino College de Los Angeles y dos años después volvió alistarse en el ejército y tocó con laPresidio Army Band de San Francisco. Problemas disciplinarios llevaron a su salida prematura del ejército en 1952, por suerte para él pues, de nuevo en Los Angeles, tiene la oportunidad de tocar en la banda de Charlie Parker, que consideraba por aquel entonces instalarse en la costa Oeste. De como surgió esta colaboración está llena de leyendas la historia del jazz, la mayoría propagadas por el mismo Baker. Así, según una de ellas, Parker le dijo a Miles Davis:"There's a young cat on the West Coast who's gonna eat you up" (Hay un chavalín en la costa oeste que te va a devorar). Más probable es sin embargo, que Parker reconociera y apoyara la musicalidad de Baker, así como lo hizo años atrás con el talento de Miles. De esta magnífica sociedad surgió la grabación 'Inglewood Jam: Bird and Chet Live at the Trade Winds' Mulligan, Whitlock, Hamilton y Baker En 1953, la sensación de la temporada fue su cuarteto con el saxo baritono Gerry Mulligan, el bajista Bob Whitlock y el bateríaChico Hamilton, sin piano, que atrajo la atención durante sus actuaciones en el nightclub Haig. El tema 'My Funny Valentine', publicado un año antes en Fantasy Records, se convierte en un hit y a partir de entonces será uno de sus temas más emblemáticos que tocaría en innumerables versiones hasta sus últimos días. Por otro lado, Chet con su ensoñadora voz y su delicado estilo a la trompeta enternecía los corazones de centenares de chicas. Aunque Baker -a causa de su asociación con Mulligan, quien junto a Lennie Tristano está considerado uno de los padres del cool- muchas veces aparece calificado como representante del estilo, sus grabaciones demuestran sin embargo su gran capacidad de adaptación a diversos estilos jazzísticos. Chet en 1954 Tensiones en el seno interno de la banda llevan a la salida deMulligan y a la creación de un nuevo cuarteto con Russ Freeman(1953/54). Posteriormente Baker hizo giras por Europa y permaneció algunos meses en los países escandinavos e Italia. A pesar de sus repetidos problemas con las drogas, fueron los años cincuenta sus años más creativos, que dieron lugar a grabaciones en Pacific y Riverside con Phil Urso, Art Pepper ('For minors only', 1956) y Bud Shank('Chet', 1959). Muy adicto a la heroína, sus huesos acababan cada vez más a menudo entre rejas, primero en Harlem, más tarde, entre 1959 y 1961 en Lucca (Italia). Celebró su regreso grabando en 1962 'Chet Is Back!' para RCARecords. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el año siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania, fue deportado en 1964 a Estados Unidos. Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fliscorno. En el verano de 1966, sufrió una gran paliza en San Francisco durante una compra de droga.. Como consecuencia de ella, perdió varios dientes lo que le llevó a llevar dentadura postiza y modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional y a comienzos de los setenta, se retiró casi por completo. Retomó cierto control sobre su vida gracias a la metadona con la que lograba controlar su adicción a la heroína, y con la inestimable ayuda de su colega Dizzy Gillespie, Baker regresó fundamentalmente con dos actuaciones: una en un importante club neoyorkino en 1973 y otra en un concierto con Gerry Mulligan en el Carnegie Hallen 1974. Hacia mediados de los setenta, Baker regresó a Europa donde seguiría actuando de forma regular, con viajes ocasionales a Japón y regresos a Estados Unidos.Desde 1978 hasta 1988 tuvo otra etapa discográfica prolífica. Sin embargo, su extenso catálogo de estos años está desperdigado en numerosos sellos pequeños, en su mayoría europeos, por lo que estos discos no alcanzaron una gran audiencia a pesar de estar muy bien respaldados por los críticos, que mantienen que ésta fue la etapa más madura y rica. Particular importancia tienen elcuarteto que Baker formó en 1978 con el pianista Phil Markowitz y su trío con el guitarrista Philip Catherine y el bajista Jean-Louis Rassinfosse (1983-85). Asímismo realizó giras con Stan Getz durante este periodo. Atrajo también la atención de los músicos de rock, con quienes llegó a actuar, por ejemplo conElvis Costello en 1983, que incluyó un solo de Baker en su tema 'Shipbuilding' de su álbum 'Punch the clock'. En 1987, el fotógrafo y director de cine Bruce Weber emprendió la grabación de un documental sobre Baker. Al año siguiente, en mayo de 1988, Baker moriría a los 58 años al caer por la ventana de un hotel en Amsterdam tras haber consumido heroína y cocaína. La película de Bruce Weber, 'Let's Get Lost', estrenada en 1988, consiguió una nominación a los óscar.

Acontecimientos del mundo de la música

Nacimientos

1644: Tomás de Torrejón y Velasco, organista y compositor español (f. 1728).

1689: Joseph Bodin de Boismortier, compositor francés (f. 1755).

1922: Micheline Ostermeyer, atleta y músico francés (f. 2001).

1928: Chronis Aidonidis, cantante griego.

1929: Chet Baker, trompetista y cantante estadounidense de jazz (f. 1988).

1934: Claudio Scimone, director de orquesta y músico italiano.

1935: Esther Phillips, cantante estadounidense (f. 1984).

1940: Jorma Kaukonen, músico estadounidense (Jefferson Airplane).

1945: Ron Bushy, baterista estadounidense (Iron Butterfly).

1946: Edita Gruberová, cantante eslovaca de ópera.

1949: Adrian Belew, guitarrista estadounidense (King Crimson, Talking Heads).

1951: Anthony Phillips, guitarrista inglés (Genesis).

1956: Dave Murray, guitarrista inglés (Iron Maiden).

1957: Dan Bigras, cantante canadiense.

1958: Victoria Williams, cantante estadounidense.

1964: Eddie Vedder, cantante, compositor y líder estadounidense (Pearl Jam).

1967: Carla Bruni, ex modelo y cantautora italiana. Primera dama Francesa.

1968: Quincy Jones III, músico sueco-estadounidense.

1969: Erik Brødreskift, Grim, batería noruego (Immortal, Borknagar y Gorgoroth) (f. 1999).

1971: Masayoshi Yamazaki, cantante y compositor japonés.

1978: Jenny-Bea Englishman, Esthero, cantante canadiense.

1981: Elisabeth Rodergas Cols, Beth, cantante y actriz española.

1982: Beatriz Luengo, cantante y bailarina española.

1985: Harry Judd, baterista inglés (McFly).

1988: Eri Kamei, cantante e idol japonesa (Morning Musume).

Fallecimientos

1688: Jean-Louis Lully, músico francés (n. 1667).

1783: Johann Adolph Hasse, compositor alemán (n. 1699).

1951: Enrique Santos Discépolo, compositor, músico, dramaturgo y cineasta argentino (n. 1901).

1992: Eddie Hazel, guitarrista estadounidense (Parliament y Funkadelic) (n. 1950).

Celebraciones y conmemoraciones en general

México: Octavo día de la posada mexicana.

TODO TANGO
1919     Nació en el barrio de Palermo (Buenos Aires) el cantor JUAN CARLOS SALVIA. Su verdadero nombre es Juan Carlos Salviatti. Debutó en 1950 en la orquesta de José Servidio. Al abandonar el canto se dedicó a ser animador de espectáculos.
1920     Nació en Buenos Aires el bandoneonista OSCAR OCTAVIO D’ANTONI. Debutó en 1936 integrando la orquesta de Nolo Fernández, luego actuó con Enrique Rodríguez, Anselmo Aieta, Antonio Polito, Luis Servidio, Emilio Orlando, etc. Escribió entre otros el tango "Instante", en colaboración con Leopoldo Díaz Velez.
1920     Nació en Buenos Aires el bandoneonista y compositor PEDRO ALBERTO CAROPRESE de larga actuación en las más importantes orquestas. Integró los conjuntos de Alberto Gambino, Pedro Laurenz, Victor D’Amario, Santacápita, Pedro Maffia, Ciriaco Ortiz, Nicolás D’Alessandro, José Pascual, Mario Demarco, Antonio Arcieri, acompanó a Angel Vargas con Eduardo del Piano y a Alberto Podestá con Héctor Grané y a Roberto Rufino. Es autor de los tangos "Bandoneón de mi ciudad", "Murales de cantina", "En cada atardecer", entre otros.
1945     Nació en el barrio de San Cristóbal (Buenos Aires) la cancionista NORMA FERRER. Su verdadero nombre es Norma Amalia Ferreyra de Zunino. Realizó actuaciones en Escala musical y en Patio de tango. Posteriormente se incorporó a la orquesta de Rubén Sosa.
1950     Muere el pianista y compositor FRANCISCO JUAN LOMUTO quien había nacido el 24 de noviembre de 1893.
1953     Nació en la Capital Federal la cancionista CLAUDIA MARINO cuyo verdadero nombre es Claudia Analía Marinaro, hija del famoso cantor Alberto Marino. Desde muy pequeña actúa recitando, cantando y bailando hasta que en 1970 en el festival de La Falda obtiene el premio Revelación. En 1973 graba un long play junto a su padre. Interviene en programas de televisión, participa de festivales. En 1988, luego de un período en que actúa en algunas comedias musicales en el teatro, ingresa al canal 2 en el programa "El tango club" y de ahí en más continua cantando tangos y ejerciendo su actividad de profesora de técnica vocal.
1975     Falleció en Buenos Aires ARMANDO ACQUARONE, autor entre otros, del tango "San José de Flores. Había nacido el 7 de abril de 1891. 
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1950 -    Falleció en Tortuguitas (Pcia. Bs As.) Francisco Lomuto.

1951 -    Falleció en Buenos Aires Enrique Santos Discépolo.

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1975     Falleció en Buenos Aires ARMANDO ACQUARONE, compositor
1953     Nació en Buenos Aires CLAUDIA MARINO (Claudia Analía Marinaro), cancionista, hija de Alberto Marino.
1951     Falleció en Buenos Aires ENRIQUE SANTOS DISCEPOLO, poeta, autor teatral, actor, letrista, director, compositor.
1950     Falleció FRANCISCO JUAN LOMUTO, "Pancho Laguna", pianista, compositor, director.
1945     Nació NORMA FERRER (Amalia Ferreyra de Zunino), cancionista.
1920     Nació en Buenos Aires PEDRO ALBERTO CAROPRESE, bandoneonista, compositor.
1920     Nació en Buenos Aires OSCAR OCTAVIO D’ANTONI, bandoneonista.
1919     Nació en Buenos Aires, barrio de Palermo, JUAN CARLOS SALVIA, (Juan Carlos Salviatti), cantor.
1891     Nació en San Nicolás, Pcia. Bs.As., TEÓFILO OLMOS, poeta, letrista.

TODO FOLCLORE
1902 -    Nace en La Cañadita Alegre (Guaymallén - Mendoza), Hilario Cuadros, músico, cantor, compositor, autor. Formó Los Trovadores de Cuyo con Domingo Morales, Alberto Quini y Roberto Puccio. Autor de “Cochero e plaza”, “Los 60 granaderos” con Pérez Cardozo, “La monjita” con Canstatt, “El niño y el canario” con Frattantoni y la canción vendimial “Virgen de la Carrodilla ” con Pedro Herrera (un himno para los mendocinos), entre sus 114 temas registrados. Muere a los 53 años. En su memoria se celebra el “Día de la Tonada”. 
1951 -     Muere Benito Lynch, destacado novelista argentino de temas de la llanura pampeana.

ESFEMERIDES CULTURALES ARGENTINAS

1951    Muere en Buenos Aires el compositor, actor teatral y actor Enrique Santos Discépolo, autor de letras de tangos como Uno; Cambalache; Yira yira, de intenso contenido dramático. Nació en Buenos Aires el 27 de marzo de 1901. 

1951    Muere Benito Lynch, destacado novelista argentino de temas de la llanura pampeana. 

GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.

ADELANTO MES DE ENERO 2013

PLATAFORMA LAVARDEN

Viernes 4 enero, 21:00 hs I Rosario Tango Festival El 4 – 5 – 6 de Enero, por primera vez, la ciudad contará con el I Rosario Tango Festival y Plataforma Lavardén será una de sus sedes, proponiendo clases para todos los niveles y un espectáculo en el Teatro; La Noche de los Maestros.

Un día como hoy, 22 de diciembre, en el año...

• 1942  Nacen Maurice y Robin Gibb    Primero vio la luz Robin y treinta y cinco minutos después Maurice. Lo que la feliz familia Gibb no sabía es que aquellos niños, más que un pan debajo del brazo, lo que traían eran discos y discos de oro y platino a lo largo de cuatro décadas de la historia de la música. Aquel parto doble tuvo lugar en la isla de Mann el 22 de diciembre de 1942 en plena y durísima posguerra de un país arrasado por las bombas y arruinado y endeudado tras aquel “sangre sudor y lágrimas” que le llevó a la victoria frente al nazismo. No es de extrañar por tanto que la familia Gibb se viese obligada a emigra a Australia y a establecerse en Brisbane, donde aquellos pequeños, junto a su hermano mayor, Barry, dieron sus primeros pasos en la música. Su éxito arranco, Sin embargo, en Manchester, donde se estableció la familia cuando regresó al Reino Unido, dejando atrás un barrio pobre que sería demolido para construir el aeropuerto de la ciudad. De los tres hermanos Maurice, el mayor de los mellizos, fue quizá el más popular y el alma del grupo, se casó en 1969 con la popular cantante Lulu y era el responsable de los arreglos y las peculiares armonías vocales que caracterizaron al grupo. También era, según cuenta el menos ambicioso de los tres hermanos. Desgraciadamente, Maurice murió e2 12 de enero de 2003 en Miami Beach, donde vivía, sin ver cumplido su sueño de producir un álbum a su hija Samantha.

• 1993  Frida graba una versión 'a capella' de 'Dancing queen'    La ex componente de ABBA Frida (Anni-Frid Lyngstad) interpretó un día como hoy una versión a capella del clásico Dancing queen en el Opera House de Estocolmo en la celebración del 50 cumpleaños de la Reina de Suecia. Fue uno de los temas estrellas del cuarteto sueco más famoso hasta la fecha. ABBA se separó en 1983 dejando para la posteridad éxitos como Waterloo, canción con la que ganaron el Festival de Eurovisión de 1974, Mamma mia, Chiquitita y Fernando, entre muchos otros.

• 1978  The Who presenta a su nuevo batería    Los miembros de The Who anunciaron que el que fue batería de The Faces, Kenney Jones, entraba en la banda para ocupar el vacío dejado por Keith Moon tras su muerte. Moon fue el excéntrico, salvaje y original batería de The Who, banda que fundó en Londres en 1964 junto a Pete Townshend, Roger Daltrey y John Entwistle. Su vida de crápula y sus excesos le convirtieron en todo un mito, con capacidad suficiente para imprimirle a la banda su particular sonido. Su persona y su figura son imprescindibles para entender el carácter rebelde de la música de The Who. Llegó a publicar un disco en solitario llamado Two sides of the moon. Murió de una sobredosis de la medicación que usaba para combatir el alcoholismo. Tenía 31 años. En cierto modo, a The Who le fue difícil digerir la marcha de Moon y pocos años después, en 1983 se separaron.

• 1956  Billboard hace balance del año    Con el año 1956 a punto de finalizar, la publicación americana hizo balance de los artistas que más habían frecuentado el primer puesto de la lista de ventas americana a lo largo de esos 365 días. En el palmarés, Elvis brillaba con luz propia y se llevaba la palma, por haber coronado las listas en 17 ocasiones con distinto stemas. Le seguían Pat Boone con cinco singles en el Top h Fats Domino, Little Richard y The Platters, cada uno de ellos con tres.

• Hoy cumple 66 años el cantante y guitarrista norteamericano Rick Nielsen, nacido en Rockford (Illinois), uno de los fundadores y compositor principal de la banda de rockCheap Trick.  El grupo está integrado por Rick Nielsen (guitarra solista, coros y principal compositor),Robin Zander (cantante y guitarra rítmica), Tom Petersson (bajista) y Bun E. Carlos (batería). A pesar de que se formó antes de la aparición del punk y su estilo se acercaba al rock purista, la llegada del éxito en 1979 les asoció con la entonces denominada new wave —e incluso con el AOR— y más tarde con el power pop. Ellos mismos se etiquetan en tono jocoso como 'psycorock'. Aparentemente su estilo era inocuo -una mezcla de hard rock y power pop- pero lograron influenciar a toda una generación de nuevas bandas que los mencionan siempre como una fuerte inspiración en su formación musical: Weezer, Pixies, Smashing Pumpkins y Fountains of Wayne, entre otros. La clave de esto se halla especialmente en sus primeros discos, 'In Color' (1977), 'Heaven Tonight' (1978), 'Dream Police' (1979) y 'All Shook Up' (1980), cuyas letras estaban llenas de un sentido del humor gamberro y ligeramente surrealista y una actitud que mezclaba el inconformismo y la nostalgia adolescente a partes iguales. Eran frecuentes las alusiones al sexo, al travestismo, al suicidio, a la religión, la guerra y la prostitución, pero siempre en clave de humor. Entre las canciones más célebres del grupo destacan 'I Want You to Want Me', 'Dream Police','The Flame' y el cuasi himno generacional de los adolescentes WASP de los suburbios de clase media,'Surrender', una exploración pop de los problemas típicos de los jóvenes. Su peculiar imagen fue desde el principio otro elemento característico de la banda. Mientras que Zander yPetersson se aproximaban al prototipo habitual del rockero, incluyendo melenas largas, botas o cazadoras, Rick Nielsen y, especialmente Bun E. Carlos, tenían poco que ver con él. Nielsen, calvo y de mirada desorbitada, aparecía siempre con gorra de visera, pajarita y camisa abotonada hasta el cuello; Carlos, gordo, con gafas y bigote, vestía indumentaria de oficinista. El grupo jugó con ese contraste en las grabaciones de sus videoclips o en portadas de álbumes como 'In Color (And In Black and White)' o 'Heaven Tonight'. Nielsen es un empedernido coleccionista y posee más de 250 guitarras. Ha colaborado estrechamente con el fabricante Hamer, desarrollando modelos especiales como el mandocello eléctrico y la guitarra de cinco mástiles. Actualmente y tras la publicación de 17 álbumes de estudio, Cheap Trick sigue de gira con la alineación original, y su más reciente lanzamiento, 'The Latest'(2009), ha conseguido los elogios de la crítica. La banda es más popular en Japón, donde han permanecido como superestrellas desde su primer álbum y han sido mencionados con frecuencia en la prensa japonesa como los 'Beatles de América'. El Senado del Estado de Illinois ha declarado el 1 de abril como 'Día de Cheap Trick" en el Estado.

• El 22 de diciembre de 1921 nació en Huntington (Virgina Occidental) el cantante de country Hawkshaw Hawkins, muy popular en Norteamérica durante los años cincuenta y principio de los sesenta. Su primera guitarra la consiguió a cambio de cinco conejos que él mismo atrapó en el monte y con 16 años ya ganaba un concurso de aficionados en una emisora de su ciudad. A continuación formó un grupo, Hawkshaw and Sherlock with Clarence Jack, con el que se trasladó a Charleston a finales de los años treinta. En 1941 Hawkins formó parte de una revista musical con la que recorrió el país y dos años más tarde se alistó en el ejército. Sirvió primero en una base cercana a Paris (Texas), donde él y sus amigos tocaban en los clubes locales. Más tarde fue destinado a Francia, donde entró en combate y permaneció 15 meses. Su último destino fue Manila, donde también actuó por la radio. De vuelta en casa, fue uno de los artistas habituales del programaWWVA Jamboree desde 1945 hasta 1954. En 1948 firmó un contrato con King Records en Cincinnati (Ohio) y sus primeras grabaciones alcanzaron el Top10 de las listas country, 'Pan American' y 'Dog House Boogie'. A estas siguieron -todas en 1951- 'I love you a thousand ways', 'I'm waiting just for you' y 'Slow Poke', que fue Top40 en las listas pop. Sin embargo, fue un hit menor, 'Sunny side of the mountain', la que se comvirtió en su canción más emblemática. En 1953 abandona el sello y tras unos años bajo contrato conColumbia y RCA, accede alGrand Ole Opry en 1955. En 1962 vuelve con King Records y graba su mayor éxito,'Lonesome 7-7203', que debutó en las listas tres días antes de su trágica muerte el 5 de marzo de 1963 a bordo de la misma avioneta en la que perdieron la vida Cowboy Copas y Patsy Cline. Hawkins contaba 42 años y su segunda mujer, Jean Shepard -también cantante de country- esperaba el segundo hijo de ambos. Al mes siguiente, 'Lonesome 7-7203' se encontraba en lo más alto de las listas, donde permaneció cuatro semanas.

Acontecimientos del mundo de la música

1808: en Viena, se estrenan las Sinfonías nº 5 y nº 6, la Fantasía coral y el Concierto para piano nº 4 de Ludwig van Beethoven.

Nacimientos
1723: Karl Friedrich Abel, compositor alemán (f. 1787).
1819: Franz Wilhelm Abt, compositor alemán (f. 1870).
1853: Teresa Carreño, pianista venezolana (f. 1917).
1858: Giacomo Puccini, compositor italiano (f. 1924).
1874: Franz Schmidt, compositor austriaco (f. 1939).
1883: Edgard Varèse compositor francés (f. 1965).
1901: André Kostelanetz, músico estadounidense (f. 1980).
1921: Hawkshaw Hawkins, músico estadounidense (f. 1963).
1939: James Gurley, músico estadounidense (f. 2009).
1942: Dick Parry, músico inglés (Pink Floyd).
1948: Rick Nielsen, músico estadounidense (Cheap Trick).
1949: Maurice Gibb, músico británico (Bee Gees) (f. 2003).
1949: Robin Gibb, músico británico (Bee Gees) (f. 2012).
1958: Frank Gambale, músico australiano.
1967: Richey James Edwards, músico galés (Manic Street Preachers).
1972: Vanessa Paradis, cantante y actriz francesa.
1984: Jonas Altberg, músico y DJ sueco.
1989: Jordin Sparks, cantante estadounidense.
1993: Ali Lohan, actriz y cantante estadounidense.

Fallecimientos
1745: Jan Dismas Zelenka, compositor checo.
1939: Ma Rainey, cantante estadounidense (n. 1886).
1941: Santos Jorge, músico panameño.
1987: Luca Prodan, músico ítalo-escocés radicado en Argentina (Sumo).
1989: Andrés do Barro, cantautor español (n. 1947).
1991: Ernst Krenek, compositor austriaco.
2002: Joe Strummer, músico británico (The Clash).
2003: Dave Dudley, cantante estadounidense (n. 1928).
2006: Galina Ustvólskaya, compositora soviética.
2006: Dennis Linde, compositor (n. 1943).

Celebraciones y conmemoraciones en general

• México: Séptimo día de la posada mexicana.
• Cuba: Día del Educador.
• Indonesia: Día de la madre.
• Argentina: Día del empleado de farmacia.
• España: Sorteo Extraordinario de Navidad, una de las loterías más populares.
• Astrología: inicia el signo del zodíaco Capricornio.

TODO TANGO
1890    Nace en Cúneo (Turín-Italia) HUGO RICARDO BARALIS compositor, contrabajista. Se inició con Eduardo Arolas, participó de otras agrupaciones y actuó en famosos "dancings" y cafés de la época. Compuso varios tangos algunos de los cuales les grabara Carlos Gardel. Falleció en Buenos Aires el 7 de octubre de 1949.
1893    Nació en Paraná (Pcia. de Entre Rios) JUAN BAUTISTA ABAD REYES. fue periodista, político, compositor, letrista autor entre otros del famoso tango "¿Te fuiste?... ¡Ja!, ¡Ja!" con música de Matos Rodríguez, la tonada salteña "Mentiras", letra y música suya que le grabara Carlos Gardel; "No seas malo" tango en colaboración con Luis Cluzeau Mortet, "Paisaje" con Enrique Delfino, etc. Falleció el 31 de agosto de 1965 en Buenos Aires.
1898    Nació en Colonia (R. O. del Uruguay) JULIO F. POLLERO que integrara como pianista la orquesta de Canaro en el año 24. Como compositor escribió varios tangos "Cuando tú me quieras", "Una tarde","La última ronda" y el más famoso de todos "Uno y uno". Falleció en Buenos Aires el 6 de octubre de 1966.
1901    Nació en el barrio del Abasto (Buenos Aires) el violinista MIGUEL TANGA. Integró entre otras la orquesta de Francisco Lomuto que en el buque alemán "Cap Polonio" animaba los cruceros a los canales fueguinos. Durante diez años perteneció a la orquesta de Manuel Pizarro en Paris con quien realizó giras por España, Suiza, Inglaterra, Argelia, etc. Su primer tango "Llegaste tarde" (1923), "Sorpresa", etc. Falleció el 27 de febrero de 1927 en Buenos Aires.
1904    Nació en Jobson (Pcia. de Santa Fe) el flautista ENRIQUE NICOLAS BOUR. Junto con Brunelli, Vardaro y Troilo en 1936 integró el Cuarteto del 900. Posteriormente fue representante artístico de Feliciano Brunelli.
1911    Nació en Buenos Aires el letrista JOSE DEMETRÍO TERRAGNO autor de "Caprichos locos", "Dale tango", "A dónde irán las horas", "Derrotado". Falleció el 2 de febrero de 1973.
1926    Nació en la ciudad de Zárate (Pcia. de Buenos Aires) el violinista RAUL BENIGNO DOMINGUEZ. Estudió violín con el profesor Alfredo Scalise. Integró las orquestas de Cristóbal Herreros, Pedro Laurenz, Edgardo Donato, Rodolfo Biagi, Anibal Troilo, Domingo Federico, Figari, Rotundo, Salamanca, Caló, D’Arienzo, Pugliese, la Orquesta del Tango de Buenos Aires y la de Avellaneda.
1931    Nació en Buenos Aires el contrabajista OSVALDO ANTONIO AULICINO. Estudió con los maestros Fernando Cabarcos y Hamlet Greco. Debutó con la agrupación Melodías porteñas, más tarde perteneció al elenco de Alfredo Gobbi y luego a "Cuatro amigos para el tango", después actuó con Toto Rodríguez y Osvaldo Piro.
1990    Falleció el cantor JUAN LAUGA. Había nacido el 3 de julio de 1904.

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1898 -   Nació en Colonia (Uruguay) Julio F. Pollero, pianista la orquesta de Canaro en el año 24, autor de letras de tangos.
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1990    Falleció JUAN LAUGA, cantor.
1931    Nació en Buenos Aires OSVALDO ANTONIO AULICINO, contrabajista.
1926    Nació en Zárate, Pcia. Bs.As., RAÚL BENIGNO DOMÍNGUEZ, violinista.
1911    Nació en Buenos Aires JOSÉ DEMETRIO TERRAGNO, letrista. 
1904    Nació en Jobson, Pcia. Santa Fe, ENRIQUE NICOLÁS BOUR, flautista.
1901    Nació en Buenos Aires, barrio del Abasto, MIGUEL TANGA, violinista.
1898    Nació en Colonia del Sacramento, Uruguay, JULIO F. POLLERO, pianista, compositor.
1893    Nació en Paraná, Pcia. Entre Ríos, JUAN BAUTISTA ABAD REYES, periodista, político, compositor, letrista.
1890    Nació en Cuneo, Torino, Italia, HUGO RICARDO BARALIS compositor, contrabajista.

TODO FOLCLORE

1977 -    Fallece en Buenos Aires el notable folklorista y poeta Rafael Jijena Sánchez. Escribió libros como "Achalay", "Vidala" y "Ramo verde". Fue profesor de folklore en el Conservatorio Nacional de Música y director del Museo José Hernández. Nació en San Miguel de Tucumán el 21 de septiembre de 1904.1984 -    Muere en Salta, César Fermín Perdiguero, periodista, poeta, historiador. Animó el Festival Latinoamericano de Folklore y la Serenata a Cafayate, libretista en Cosquín. Autor con Falú de “La tabacalera” y “La niña”, con Portal “Estoy de vuelta”; con Castilla y Leguizamón “Zamba de Anta”, entre casi 30 temas registrados. Escribió “Cosas de la Salta de antes” y “Antología del cerro San Bernardo”, entre otros. Tenía 63 años.

EFEMÉRIDES CULTURALES ARGENTINAS

1959    Se crea la Universidad Nacional de Mendoza. 1979    Fallece en Buenos Aires el notable folklorista y poeta Rafael Jijena Sánchez. Escribió libros como "Achalay", "Vidala" y "Ramo verde". Fue profesor de folklore en el Conservatorio Nacional de Música y director del Museo José Hernández. Nació en San Miguel de Tucumán el 21 de septiembre de 1904.

GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.



Un día como hoy, 20 de diciembre, en el año...

• 1967  Fundación de Jethro Tull          El 20 de diciembre de 1967 Ian Anderson, un joven músico escocés de 20 años, fundó uno de los grupos más longevos de la música popular: Jethro Tull. Muy influido en sus primeros tiempos por el blues que florecía por aquel entonces en Londres, Jethro Tuhll incorporó al mismo blues y al rock el virtuosismo de Anderson con un instrumento tan poco habitual como la flauta.

• 1948  Nace Alan Parsons         Nació en Londres (Reino Unido) en 1948. Como ingeniero de sonido, trabajó en los álbumes Let it be y Abbey Road de The Beatles. En los 70, junto a Eric Woolfson, fundó The Alan Parsons Project. Entre sus grandes composiciones están los temas Eye in the sky, Don't answer me o Games people play.

• 2002  Madonna, U2 y Eminem, nominados a los Globos de Oro          La 60ª edición de los Globos de Oro vivió una auténtica lucha de pesos pesados en la categoría de Mejor Canción Original. Cinco super estrellas del mundo de la música recibían tal día como hoy una nominación a este premio: U2 (por su tema para la película Gangs of New York), Eminem (8 millas, Madonna (Muere otro día), Paul Simon (Father and son) y Bryan Adams (Spirit). El galardón se lo terminaron llevando U2 por su canción The hands that built America, aunque posteriormente, en la ceremonia de los Oscars, sería Eminem el que se llevaría el gato al agua por Lose yourself.

• 1975  Joe Walsh se convierte en un Eagle         Un día como hoy, Joe Walsh se unió a Eagles en sustitución de Bernie Leadon, el guitarrista inicial. Años atrás, en los 60 estuvo en The Measles y también fue miembro de The James Gang. Pero, sin duda, su gran lanzamiento llegó en 1976, cuando entró a formar parte de Eagles. En ese grupo debutó con el tema Hotel California, que se incluye dentro del disco del mismo nombre, con el que la formación californiana fue nº 1 en álbumes y también en la lista americana de sencillos. Unos años más tarde, Eagles editó The long run, que, en principio, iba a ser el último álbum de la banda. Walsh continuó su carrera en solitario, y uno de sus éxitos más populares en ese caminar como solista fue la canción All night long. En 1994 regresó con sus compañeros de Eagles para una gira y en la actualidad siguen trabajando juntos.

• 64 años cumple hoy la cantante y presentadora de TV italiana Gigliola Cinquetti,      nacida en Verona, conocida por haber ganado con dieciséis años el Festival de Eurovisión de 1964 con el tema 'Non ho l'età (per amarti)'. Anteriormente ya había ganado el Festival de San Remo con la misma canción. Dos años más tarde volvió a ganarlo con el tema'Dio como ti amo', defendida en el certamen junto a Domenico Modugno. En 1973 tiene un nuevo éxito triunfando en el programa 'Canzonissima' con la canción 'Alle porte del sole'. Al año siguiente vuelve a Eurovisión con 'Si', quedando en 2ª posición superado sólo por el 'Waterloo' de Abba. La publicación de 'Si' en Italia coincidió con un referendum pidiendo el si o el no para la implantación del divorcio en el país. Por ello, la emisión de la canción por radio y TV estuvo prohibida por considerar la letra -que repetía varias veces la palabra 'si'- una forma de propaganda y mensaje subliminal para influir en el voto de los italianos. Desde los años noventa Gigliola trabaja en la televisión pública italiana, la RAI.

• Hoy cumple 63 años el músico, productor e ingeniero de sonido inglés Alan Parsons,    nacido en Londres. Con 18 años entró a trabajar como ingeniero de sonido en los estudios Abbey Road, y su primera aparición en los créditos del disco fue precisamente en el 'Abbey Road' de los Beatles. También trabajó en otros álbumes emblemáticos como 'Atom Heart Mother' y 'Dark Side of the Moon' de Pink Floyd, 'The Year of the Cat' de Al Stewart y varios de The Hollies y Wings. Cuando Pink Floyd le pidió repetir en 1975 el trabajo con su siguiente álbum 'Wish You Were Here', Parsons declinó la oferta y formó The Alan Parsons Project junto a Eric Woolfson, pianista y compositor que conoció durante su época en Abbey Road. La formación estaba compuesta por un número variado de músicos de sesión y hasta 1987 el grupo publicó diez álbumes con una producción muy elaborada, entre los que destacaban temas como 'Time', 'Eye in the sky','Games people play','Silence & I' y 'Old and wise'. En los noventa Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer musicales. Alan continuó grabando como 'Alan Parsons', y actualmente sigue actuando con su grupo bajo el nombre de Alan Parsons Live Project.

Acontecimientos del mundo de la música

Nacimientos
1920: Jesús Vásquez, cantante peruana (f. 2010).
1944: Bobby Colomby, músico estadounidense (Blood, Sweat & Tears).
1945: Peter Criss, baterista estadounidense (Kiss).
1947: Gigliola Cinquetti, cantante italiana.
1948: Alan Parsons, productor, compositor e ingeniero de sonido británico.
1957: Billy Bragg, cantautor británico.
1958: Anna Vissi, cantante greco-chipriota.
1966: Chris Robinson, cantante estadounidense (The Black Crowes).
1974: Die, músico japonés (Dir en grey).
1982: David Cook, cantante estadounidense.
1983: Adrián Varela, cantante mexicano.
1990: JoJo, cantante y actriz estadounidense.

Fallecimientos
1783: Antonio Soler, compositor español (n. 1729).
1849: Dionisio Aguado y García, músico español (n. 1784).
1973: Bobby Darin, cantante estadounidense (n. 1936).
1982: Arthur Rubinstein, pianista polaco-estadounidense (n. 1887).
1989: Kurt Böhme, bajista alemán (n. 1908).

Celebraciones y conmemoraciones en general
ONU: Día Internacional de la Solidaridad Humana.
México: Quinto día de la posada mexicana.

TODO TANGO

1884    Nació en el barrio del Once (Buenos Aires) el bandoneonista y compositor DOMINGO SANTA CRUZ "El rengo". No había cursado estudios musicales, era un intuitivo. "Poseía una ejecución maravillosa, sorprendente digitación. Creador de las variaciones en el bandoneón", dirían los Bates en "La Historia del Tango". Actuó en los más famosos cafés y bailes de la época integrando tríos y cuartetos. Con su hermano Juan tuvieron una academia de baile. Como compositor se inició en el año 1904 con el famoso tango "Unión Cívica" y posteriormente llegaron "Hernani", "El viejo", "Una deuda", "Hogar deshecho", "Pirovano", entre otras y su última obra "La siesta del bohemio". Falleció el 5 de agosto de 1931.1887    Nació en Piamonte (Italia) el músico NATALIO PORCELLANA, padre de Carlos y Luis, todos músicos. Don Natalio debutó en 1919 tocando el acordeón a piano e integrando la orquesta de "Ramirito", pero ya en 1923 tocaba el bandoneón integrando un tíio. En 1927 pone una academia para la enseñanza del bandoneón. En tanto sus hijos progresan integrando grandes orquestas como las de Di Sarli y Troilo y formando su propia agrupación.
1889    Nació en Lincoln (Pcia. de Buenos Aires) JULIO PLACIDO NAVARRINE, hermano de Alfredo con quien escribiera "¡Oiga amigo!", "Sos de Chiclana" al que siguieron luego "Trago amargo", "A la luz del candil", "¿Por qué no has venido?", "Oro muerto" y otros éxitos. Falleció en Buenos Aires el 11 de marzo de 1966.
1911    Nació en Buenos Aires el bandoneonista y compositor JOSE "PIRULA" RANIERI. Actuó durante varios años en Rosario, Buenos Aires y el Uruguay. Actuó, entre otras, con las orquestas de Julio De Caro y Pedro Maffia. Tuvo su propia orquesta acompañando a Hugo del Carril. Es autor de los tangos: "A los muchachos", "La novia del mar", "Dibujos", "Mujercita de París", etc. Falleció en el Uruguay el 9 de noviembre de 1972.
1913    Nació en la ciudad de Chascomús (Pcia. de Buenos Aires) el violinista y director de orquesta BARTOLOME DOMINGO MONTERO "Monterito". Estudió música en el Conservatorio Bonano con la profesora señora de De Silva. Actúa en las orquestas de Hugo Galli (1929) y César Malnatti (1930). Abandona la música durante cinco años y regresa a ella en 1935. En 1937 forma su propia orquesta. En 1941 forma el "Cuarteto Los Mendocinos" que luego transforma en orquesta sobre la base de la anterior y ejecuta imitando el estilo de Juan D’Arienzo. La orquesta se disuelve en 1963. Por su agrupación pasaron grandes músicos, muchos de los cuales continuaron sus actuaciones integrando grandes orquestas de Buenos Aires.
1919    Nació el bandoneonista SALOMON CHULMAN. Hermano de otro bandoneonista Mauricio Chulman con quien compartió la orquesta de Alfredo Gobbi, entre otras.
1921    Nació en la ciudad de Gral. Sarmiento (Pcia. de Buenos Aires) el cantor FONTAN LUNA. Su verdadero nombre es Alberto Rodríguez. Debutó en 1947 y posteriormente integró las orquestas de Astor Piazzolla, Lorenzo Barbero y Florindo Sassone.
1937    Nació en la ciudad de Zárate (Pcia. de Buenos Aires) el guitarrista ALBERTO AMADO. Estudió con el profesor Jacinto Frías. Integró el elenco de radio El Mundo a fines de la década del 50 acompañando a distintos cantores: Jorge Casal, Jorge Vidal, Roberto Goyeneche, etc. Integró varias orquestas típicas.
1966    Falleció en Merlo (Pcia. de Buenos Aires) el autor teatral y letrista FRANCISCO BOHIGAS. Había nacido el 4 de diciembre de 1892.

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1884 -   Nació en Once, Buenos Aires el bandoneonista Domingo Santa Cruz.

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1964     Falleció en Nueva York, Estados Unidos, ADOLFO ROSQUELLAS, violinista, compositor.
1955     Falleció en San Fernando, Pcia.Bs.As., NOLO LÓPEZ (Manuel López), letrista.
1885 Nació en Buenos Aires, barrio de San Cristóbal, RICARDO GONZÁLEZ "Mochila", guitarrista, bandoneonista.
1883 Nació en Buenos Aires LEA CONTI, cancionista, actriz.

TODO FOLCLORE ARGENTINO

1933 -    Nace en Algarrobo del Aguila (La Pampa), Julio Domínguez (El Bardino), poeta, cantor, compositor. Figura en el “Documental Folklórico de La Pampa”. Autor de “Milonga baya”, un himno para los pampeanos, “Corralera del pichero” y “El cobarruviano”, etc. Muere a los 73 años.

Esfemérides Culturales Argentinas

1967     Muere en Buenos Aires, a los 78 años de edad, el poeta, autor teatral, ensayista, abogado y profesor Arturo Capdevila. Escribió obras como "Córdoba del recuerdo", "Jardines solos", "Babel y el castellano" y "La Sulamita". Nació en Córdoba el 14 de marzo de 1889. 1972     Comienza a funcionar la Universidad Nacional de Luján.

GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.


Un día como hoy, 16 de diciembre, en el año...

• 1987 "Faith" de George Michael llega al Nº 1 de Billboard    Junto a Andrew Ridgeley había puesto a bailar a medio mundo desde Wham! y decidió empezar de nuevo, esta vez en solitario. Era una gran apuesta y había que hacerla con cuidado y tomarse su tiempo. Por eso George Michael empleó gran parte de 1987 en componer y grabar las canciones de su primer álbum en solitario: Faith. Para grabarlo se prescindió de las cintas magnetofónicas, con lo que Faith se convirtió en el primer álbum digital de George Michael y en uno de los primeros del pop registrado por ese procedimiento. El trabajo se hizo muy bien porque nada más y nada menos que seis temas del álbum escalaron a los primeros puestos de las listas. Ese mismo año, el disco gano el Grammy al mejor álbum del año y tanto George como sus canciones obtuvieron numerosos premios. El 16 de diciembre de 1987 el tema “Faith” llegó al número uno de la lista de Billboard y no sería el único. Prueba de ello es que el álbum había vendido antes del cambio de siglo cerca de veinte millones de copias en todo el mundo.

• 1988Muere Sylvester    Sylvester, uno de los cantantes que nunca escondió su homosexualidad en aquellos tiempos cuando aún provocaba sorpresa que alguien lo declarase en público, murió de SIDA en San Francisco (EE UU), un día como hoy. "You make me feel (Mighty real)", versionada años más tarde por The Communards, para su primer disco en solitario titulado "Read my lips", y "Do you wanna funk" fueron sus mayores éxitos, que, además, están considerados como auténticos clásicos de la música de baile.

• 1966 Jimi Hendrix edita su primer sencillo    El 16 de diciembre de 1966 se lanzó al mercado el tema "Hey Joe", una de las canciones insignia de Jimi Hendrix que tiempo más tarde estaría incluido en su álbum debut "Are you experienced". Poco después llegarían otros como "Purple haze" y "The wind cries Mary" dando así lugar al veradero genio de la música que ha sido y es Jimi Hendrix. Todos sus sencillos alcanzaron fama y popularidad en el Reino Unido, además de ser la mejor carta de presentación de un músico que acabaría siendo referente de muchos otros artistas venideros. Fue, sin duda, uno de los guitarristas más originales y transgresores de la historia del rock. De hecho, en 2003 la revista Rolling Stone lo reconoció como el mejor guitarrista de todos los tiempos.

• 1946 Nace Benny Andersson (ABBA)   Göran Bror Benny Andersson, más conocido como Benny Andersson, nació en Estocolmo (Suecia). Comenzó en la música tocando el acordeón dentro de su círculo familiar. Siempre ha reconocido como influencias a Beach Boys, The Beatles o Elvis Presley. Su primer grupo fue The Hep Stars. Comenzaron en 1964 y hasta 1969 se les conocían como los Beatles suecos. En 1969 fundó ABBA junto a su amigo Björn Ulvaeus y las cantantes Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad. A partir de 1974, año en que ganaron el festival de Eurovisión con Waterloo, la carrera del cuarteto fue ascendente. Se convirtió en el grupo más influyente de los 70, gracias a canciones como Mamma mia, Chiquitita o Dancing queen. ABBA se disolvió a finales de 1982.

• Hoy cumple 63 años el músico y actor norteamericano Billy Gibbons, nacido en Houston (Texas) y conocido por ser el guitarrista y líder del grupo de blues-rock ZZ Top. Además, Gibbons es el cantante solista y compositor de la mayoría de los temas de la banda.Billy creció en un ambiente musical clásico. Su padre era un director de orquesta y concertista de piano que trabajaba para los estudios MGM y en el barrio residencial de Houston donde vivía, la única música que se escuchaba era country. La cosa cambió cuando Billy vio a Elvis por primera vez en el Ed Sullivan Show, provocando en él un repentino interés por el rock. Recibió su primera guitarra eléctrica el día de su 13º cumpleaños, una Gibson Melody Maker y un amplificador Fender Champ y, tras descubrir a Muddy Waters, se interesó por el blues. Billy (2º) con Moving Sidewalks Ya con 18 años, Gibbons formó Moving Sidewalks, un grupo de blues-rock psicodélico con Don Summers al bajo, Dan Mitchell a la batería y Tom Moore a los teclados. Muy populares entre los adolescentes de Houston, grabaron y publicaron varios singles y un álbum, 'Flash' (1968), con varios temas que fueron hits en la zona, como '99th floor' (nº1 en las listas locales, cuyo título estaba inspirado en el nombre de la banda de rock psicodélico de su buen amigo Roky Erickson, 13th Floor Elevators) y 'Need me'. Billy (detrás) con Jimi Hendrix en 1969    Fueron contratados para abrir conciertos de The Doors y Jimi Hendrix. Con Jimi, Gibbons trabaría una buena amistad y Hendrix llegó a decir en entrevistas que Gibbons sería el próximo gran guitarrista del rock. Poco después, Tom Moore y Don Summers dejan el grupo por ser llamados a filas. Gibbons y Mitchell añaden entonces al bajista Lanier Greig a la formación, que, ya como ZZ Top, graba en 1969 el primer single oficial de la banda, 'Salt Lick'. Greig es sustituido por Billy Ethridge y en 1970, Gibbons prescinde de Micthell y Ethdridge, para unirse a Dusty Hill y Frank Beard, ambos procedentes del grupo de blues-rock psicodélico American Blues. ZZ Top en 1970/71 Contrataron a Bill Ham como productor y manager quien les aseguró un contrato con London Records y en febrero de 1970 se produjo la primera actuación de ZZ Top con su nueva y definitiva formación. Con su primer álbum, 'ZZ Top's first album', ya darían muestras del sonido que les caracterizaría, tocando un blues-rock lleno de ritmos boogie-woogie y guitarras distorsionadas. El single extraído, '(Somebody else been) Shaking your tree' llegó al puesto 50 de las listas nacionales Billboard y la banda siguió abriendo shows de artistas como Janis Joplin, Humble Pie, Ten Years After o Mott the Hoople. ZZ Top o 'The little ol' band from Texas', como les llaman sus fans, es el único grupo de rock americano cuyos miembros (Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard) han permanecido más de 40 años juntos hasta la fecha. Han publicado trece álbumes de los que han vendido más de 25 millones de copias, consiguiendo que ocho de sus singles alcanzaran el Top40 americano. Tres Hombres: ZZ Top en 1973 Su tercer álbum 'Tres Hombres' (1973) les convirtió en estrellas nacionales cuando el álbum alcanzó el Top10 de las listas. El álbum fue un gran éxito con temas como 'La Grange', que desde entonces es un tema fijo de sus conciertos. El siguiente trabajo, 'Fandango!' (1975), con su primer hit, 'Tush', terminó de consolidar su popularidad en USA, compartiendo escenarios con Elvis Presley y Led Zeppelin. El quinto álbum, 'Tejas', no obtuvo la acogida esperada y los tres integrantes de ZZ-Top, decidieron tomarse un descanso de tres meses. Gibbons viajó a Europa, Beard a Jamaica y Hill se fue a Mexico. Los tres meses previstos se convirtieron en dos años, durante los cuales, Gibbons y Hill se dejaron crecer sus largas barbas. ZZ Top en 1981 Vuelven en 1979, bajo contrato con Warner Bros. Records, con el álbum 'Degüello', que, a pesar de sus buenas ventas, no remonta en las listas. Contiene una versión del tema de Sam & Dave, 'I thank you' y otra de sus populares canciones, 'Cheap Sunglasses' (Gafas de sol baratas), que motivó a partir de entonces, que Gibbons y Hill se dejaran fotografiar únicamente con sus gafas de sol. Eliminator (1983) Sus mayores éxitos comerciales llegan en los ochenta, con los álbumes 'El Loco' (1981) 'Eliminator' (1983), 'Afterburner' (1985) y 'Recycler' (1990), con temas como 'Gimme me all your lovin', 'Legs', 'Sharp dressed man', 'Sleeping bag', 'Stages' y 'Doubleback', incluida en la película 'Regreso al futuro III', en la que ellos mismos interpretan una versión acústica. Fue en esta época en la que la marca de cuchillas de afeitar Gilette les ofreció a Gibbons y Hill un millón de dólares por dejar afeitarse las barbas para un anuncio de TV. Declinaron la oferta. Sus trabajos posteriores, 'Antenna' (1994), 'Rhythmeen' (1996) y 'XXX' (1999) tuvieron una acogida más discreta. Sin embargo siguen en la brecha y tras su álbum 'Mescalero' (2003), en 2011 Gibbons anunció la grabación de un nuevo trabajo. "Está lleno de fallos, como a nosotros nos gusta". 'La Futura' apareció en septiembre de 2012, con diez nuevos temas, recibiendo magníficas críticas. Billy Gibbons en 'Bones' Gibbons, además de su trabajo en ZZ-Top, ha colaborado con otros músicos como Queens of the Stone Age, Raconteurs, B.B. King, John Mayall y Jeff Beck. Fuera del mundo musical, Billy también es actor, interpretándose a sí mismo en la serie Bones, apareciendo de vez en cuando como el padre de Angela, una de las protagonistas.

• El 16 de diciembre de 1957 nació en Madrid el músico español Antonio Vega,     uno de los fundadores del grupo Nacha Pop y uno de los compositores fundamentales del pop español tras la llegada de la democracia. Antonio Vega Intentó cursar sin éxito las carreras de arquitectura, sociología y piloto comercial, antes de descubrir, nada más terminar la mili, que lo suyo era la música. En 1978, Antonio junto a su primo Nacho García Vega, ambos alumnos del Liceo Francés, deciden, como tantos otros jóvenes de la época, formar un grupo con la ayuda de Carlos Brooking al bajo al que en un principio llaman Uhu, aunque pronto lo cambian por Nacha Pop, uno de los grupos más influyentes y abanderados de un movimiento musical surgido en la capital que unos años más tarde sería bautizado como 'Movida Madrileña'. Nacha Pop (1980) Su disco debut en 1980 ya contenía 'Chica de ayer', composición de Antonio, tema emblemático del grupo y una de las canciones más recordadas del pop español. Empezaron con buen pie y, sobre todo, demostraron que la Movida capitalina no tenía que limitarse al sonido cutre y a unas letras más o menos graciosas. Se podía hacer música pop con calidad y en serio. Antonio constituyó desde el primer momento el elemento 'atormentado' del grupo, y así lo dejaba ver tanto en la letra como en la música de sus composiciones, que se cuentan entre lo más sólido de la producción musical del pop de los ochenta. El tono intimista de Antonio lo complementaba en el grupo su primo Nacho, que mostraba un carácter más alegre y vitalista en sus composiciones. Más números, otras letras (1983) Además de 'Chica de ayer', su primer álbum contenía otros temas de Antonio como 'Antes de que salga el sol', 'Lloviendo en la ciudad', 'Cita con el Rock and roll', 'El circo', 'Eres tan triste' y 'Mujer de cristal'. En sus siguientes álbumes Antonio continuó aportando temas como 'Lo que tu y yo sabemos', 'Cada uno su razón', 'Una décima de segundo', 'Relojes en la oscuridad', 'Sentado al borde de ti', 'Desordenada habitación' o 'Lucha de gigantes' le consolidan como compositor. Pasada ya la Movida, Nacha Pop siguió en activo hasta 1988, año en que se despidieron con el doble álbum en directo 'Nacha Pop 80/88'. La desaparición de la banda se produjo en un momento de máximo esplendor creativo y de mayor éxito, pero los excesos vitales de Antonio hacían imposible la continuidad del grupo. Aún así, la popularidad y las ventas de Nacha Pop se dispararon tras la ruptura. No me iré mañana (1991) Nacho y Carlos crearon una nueva banda, Rico, mientras Antonio desapareció hasta 1991, año en que comenzó una carrera en solitario publicando en el sello independiente Pasión, el álbum 'No me ire mañana', con diez temas producidos por Carlos Narea y Nigel Walker, entre ellos 'Lo mejor de nuestra vida' y 'Se dejaba llevar por ti', que el propio músico reconocería que hacía alusión a su adicción a la heroína. Al año siguiente aparece 'El sitio de mi recreo', una recopilación de sus temas de la época de Nacha Pop y alguno nuevo, como el que dio título al álbum, que recibió el premio Ondas a la mejor canción del año. En 1994, Antobio publicó 'Océano de Sol', producido en el Reino Unido por Phil Manzanera. El trabajo obtuvo bastante repercusión, sobre todo gracias a 'Elixir de juventud', una nueva versión de 'El sitio de mi recreo' y 'Océano de sol', que se convirtió en el mayor éxito de su carrera en solitario. Antonio Vega, en 1998 Tras otro largo silencio, en 1998 se publica 'Anatomía de una ola', un trabajo intimista y poco comercial, producido por Joan Bibiloni, en el que destacan 'Angel caído', dedicada a Van Gogh, 'Tuve que correr' y 'Mi hogar en cualquier sitio'. Esos años también participó en varios discos colectivos como ¡Serrat...eres único! (1995), donde interpretó una curiosa versión del 'Romance de Curro el Palmo', 'Tatuaje' (1999), un homenaje a la copla, en el que revisó el tema 'Ay, pena, penita' y 'A tu lado' (2000), un disco homenaje a Enrique Urquijo, del grupo Los Secretos y que falleció en 1999. Vega interpretó la canción 'Agárrate a mí María'. Marga y Antonio El año 2004 muere su compañera sentimental Margarita del Río, también coautora de algunos de sus temas. Su desaparición supuso un duro golpe para Vega, que sufrió seguidamente una neumonía que le tuvo hospitalizado y atravesó un período de depresión. Posteriormente compondría su último disco en solitario, '3000 noches con Marga' (2005). En él se incluyen temas como 'Angel de Orión', 'Caminos infinitos', 'Pasa el otoño' o la instrumental '3000 noches con Marga'. Antonio en 2007 En 2007 Antonio se reúne con Nacho García Vega y deciden volver al escenario como Nacha Pop en una gira por España. Tras acabar la gira, vuelve a su carrera de solista y sigue dando conciertos por teatros junto a una banda en la que se incluía a Basilio Martí, que también era su representante musical. En marzo de 2009 presentó, en el que sería a la postre su último concierto, una de sus últimas composiciones: 'Antes de haber nacido'. Dos meses después, Antonio fallecía a los 51 años.

• El 16 de diciembre de 1931 nació en Springburn, Glasgow, el cantante escocés Karl Denver, muy popular con su trío en la época pre-Beatles en el Reino Unido. Karl Denver Nacido como Angus Murdo McKenzie, pasó parte de su juventud en la marina mercante noruega. En 1951 luchó en la guerra de Corea y fue herido en la contienda. Durante su convalecencia, practicó con una guitarra y desarrolló una afición por la música folk y country. Tras dejar el ejército se volvió a embarcar, pero para entonces ya había decidido ser cantante, por lo que desembarcó en EE.UU y se estableció en Nashville, donde adoptó el nombre artístico de Karl Denver y llegó a aparecer en varios shows radiofónicos e incluso en el Grand Ole Opry, antes de que los agentes del departamento de inmigración descubrieran su condición de ilegal y le deportaran en 1959. Karl Denver Trio De vuelta en el Reino Unido, formó un trío en Manchester, The Karl Denver Trio con el que, gracias a su capacidad de cantar en falsete al estilo yodel, consiguió publicar varios éxitos como 'Marcheta', 'Mexicali Rose', 'Wimoweh' (su mayor hit), 'Never Goodbye' o 'Still'. Con la aparición de los Beatles (que comparten aquí con Karl Denver una introducción a un programa radiofónico de la BBC, considerada la primera grabación de una emisión en radio del cuarteto de Liverpool), su música y la de muchos otros, pasó a ser agua pasada. Karl pasó al circuito de cabarets y en 1990 compartió con los Happy Mondays single y video, 'Lazytitis', en cuyo rodaje Denver agarró una pulmonía. Murió en diciembre de 1998 pocos días después de cumplir los 67 años.

• El 16 de diciembre de 1770 nació en Bonn, Sacro Imperio Romano Germánico, el compositor, director de orquesta y pianista alemán Ludwig van Beethoven. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior. Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara. Beethoven con 13 años Beethoven, desde pequeño mostró notables disposiciones para la música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar duramente. Recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese. Neefe le hizo estudiar el "Clavecín bien temperado" de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi. El pequeño Ludwig poseía un talento tal que a la edad de 12 ya era asistente al organista Christian Gottlob Neefe. Los intentos para establecerlo como un niño prodigio al modelo de Mozart tuvieron poco éxito. En el invierno de 1786 visitó Viena, donde conoció personalemnte a Wolfgang Amadeus Mozart, y de quien recibió algunas lecciones. Mozart comentó así a alguno de sus amigos: "Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". Casa natal de Beethoven en Bonn En 1787 Beethoven fue enviado a Viena, pero su madre cayó enferma, y tuvo que volver a Bonn casi inmediatamente. Ella murió unos meses después, y en 1789 el mismo Ludwig pidió a su padre alcohólico que se retirara, un hecho que lo dejó a cargo de sus hermanos menores Caspar Carl y Nikolaus Johann. Beethoven dejó Bonn por Viena por segunda vez en Noviembre de 1792, para poder estudiar con Franz Joseph Haydn. Dos años después, fuerzas francesas tomaron Renania; consecuentemente los nexos y el soporte de la corte de Bonn llegaron a su fin. Su padre había muerto un mes después de su salida de Bonn, en 1794, y en 1795 sus dos hermanos se reunieron con él en Viena. Permaneció ahí por el resto de su vida, saliendo sólo por celebraciones de verano largas alrededor de las fronteras del país, y en sus primeros años, para conciertos ocasionales en ciudades cercanas. Sus únicos viajes extensos fueron a Praga, Dresden y Berlín en 1796. Ludwig en 1801 por Carl T. Riedel Su primer concierto como pianista lo dió el 30 de marzo de 1795; pero no fue hasta el 2 de abril de 1800, cuando se mostró ante el gran público presentando su “Gran Concierto para pianoforte”, su “Septuor” y su “Primera Sinfonía”.Su fama precoz como compositor de conciertos y graciosas sonatas, y sobre todo su reputación como pianista original y virtuoso le abrieron las puertas de las casas más nobles. La alta sociedad lo acogió con la condescendencia de quien olvida generosamente el origen pequeño burgués de su invitado, su aspecto desaliñado y sus modales poco sociables. Durante estos «años felices», Beethoven llevaba en Viena una vida de libertad, soledad y bohemia, auténtica prefiguración de la imagen tópica que, a partir de él, la sociedad romántica y postromántica se forjaría del «genio». Esta felicidad, sin embargo, empezó a verse amenazada muy pronto, ya en 1794, por los tenues síntomas de una sordera que, de momento, no parecía poner en peligro su carrera de concertista. Beethoven en 1805 Ese mismo año escribió en su Diario Intimo: "¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero". Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad; conciencia de su valor; una tenacidad férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, a sus semejantes. Giulietta Guicciardi En 1801 y 1802 la progresión de su sordera, que Beethoven se empeñaba en ocultar para proteger su carrera de intérprete, pero que expresaba en el famoso “Testamento de Heiligenstadt”, fue tal que el doctor Schmidt le ordenó un retiro campestre en Heiligenstadt, un hermoso paraje con vistas al Danubio y los Cárpatos. Ello supuso un alejamiento de su alumna, la jovencísima condesa Giulietta Guicciardi, de la que estaba profundamente enamorado y por la que parecía ser correspondido. Obviamente, Beethoven no sanó y la constatación de su enfermedad le sumió, como es lógico que ocurriera en un músico, en la más profunda de las depresiones. El príncipe Kinsky Beethoven nunca mantuvo una posición oficial en Viena. Se mantenía a sí mismo dando conciertos, enseñando piano, incrementadamente a través de las ventas de sus composiciones. Los miembros de la aristocracia vienesa fueron sus patrones seguros, y en 1809 tres de ellos -El príncipe Kinsky, el príncipe Lobkowitz, y el archiduque Rodolfo de Habsburgo- le llegaron a garantizar un ingreso anual con la única condición de que se quedara en Viena. Las excentricidades del músico aumentaron a partir del año 1809. Sus conciertos en público eran contados y en el año 1814 ofreció el último. A pesar de los rumores que circulaban entre las personas cercanas a él sobre sus repetidos enamoramientos, Beethoven siempre elegía a mujeres inaccesibles que pertenecían a la aristocracia, estaban casadas, o las dos cosas a la vez. Therese Malfatti  Como Giulietta Guicciardi, Therese Malfatti fue una de las alumnas de Beethoven y así como con Giulietta, se enamoró de ella, decidiendo proponerle matrimonio. En la primavera de 1810 el músico fue invitado a la residencia de los Malfatti a una soirée que ofrecía el padre de Therese a sus conocidos y a los amigos de la familia. Beethoven había compuesto una pequeña pieza de piano (Bagatelle Opus 59 Für Therese), que el compositor pretendía interpretar ante los invitados para posteriormente pedir la mano de Therese. Parece ser que el ponche que sirvió el anfitrión a sus invitados era inusualmente fuerte y Beethoven bebió una cantidad excesiva, por lo que fue incapaz de sentarse al piano y menos aun de proponer nada a nadie. No obstante, Therese pidió al músico que le dedicara la partitura y él con una escritura prácticamente ilegible, escribió: "Für Therese" (Para Therese). Cuando Therese murió, el manuscrito original fue hallado entre sus efectos personales. Se llevó a un editor musical, quien inmediatamente reconoció la firma de Beethoven, decidiendo publicarlo. Lo publicó bajo el título 'Bagatelle', pero aparentemente, malinterpretó la dedicatoria. 'Für Elise' fue el título que apareció en la portada de la partitura y la pieza -quizás la más conocida pieza de piano compuesta por Beethoven-, ha sido conocida bajo ese nombre desde entonces. En la carta dirigida a su 'amada inmortal' (que se supone nunca llegó a enviar y está fechada en el año 1812), expresa sus sentimientos hacia la única mujer que debió corresponderle. El misterio de la identidad de esta mujer se resolvió en 1977 gracias al musicólogo estadounidense Maynard Solomon. Antonie Brentano Se trataba de Antonie Brentano, esposa de un mercader de Frankfurt y madre de cuatro hijos. Su sentido ético y el miedo al matrimonio, hicieron que Beethoven huyera de esta relación, a pesar de los conflictos emocionales que le causó. Extracto de la carta a su 'amada inmortal': "…Incluso cuando estoy en cama mis pensamientos van a hacia ti, mi eternamente querida, ahora y entonces alegremente, después otra vez tristemente, esperando para saber si el Destino oirá nuestra plegaria, para hacer frente a vida que debo vivir en conjunto contigo o nunca verte. Antonie Brentano Sí, estoy resuelto a ser un extranjero vagabundo hasta que pueda volar a tus brazos y decir que he encontrado mi hogar verdadero con usted y envuelto en tus brazos puedo dejar que mi alma flote hasta el reino de almas bendecidos. Ay!, desafortunadamente debe ser así. Debes estar tranquila, tanto más pues sabes que te soy fiel; ninguna otra mujer podrá nunca poseer mi corazón, nunca, nunca. Oh Dios, por qué debe uno ser separado de aquella que le es tan querida. Para más, mi vida en Viena es actualmente desgraciada.Tu amor me ha hecho el más feliz y el más infeliz de los mortales. A mi edad necesito estabilidad y regularidad en mi vida, puede esto coexistir con nuestra relación? Ángel, acabo de oír que va el correo cada día, y por lo tanto debo cerrar ésta, de modo que puedas recibirla la inmediatamente. Mantente tranquila; solamente al considerar tranquilamente nuestras vidas podremos alcanzar nuestro propósito de vivir juntos. Mantente tranquila, amame, hoy, ayer. Qué nostalgia llena de lágrimas por tí, por tí, por tí, mi vida, mi todo. Todos los buenos deseos a tí. Oh, continúa amándome, nunca juzgues mal el corazón fiel de tu amado.  Siempre tuyo  Siempre mía   Siempre de ambos "    Rodolfo de Habsburgo En 1815, tras la muerte de su hermano mayor, Casper Carl, Beethoven empleó todas sus energías en un costoso pleito legal contra su cuñada, por la custodia del hijo de nueve años de aquel, llamado Karl. En un principio la madre obtuvo el favor del tribunal, pero la intervención en 1820 del archiduque Rodolfo, el protector más poderoso del músico, hizo que ganara el juicio. Beethoven no actuaba como un padre ideal y los roces y desavenencias surgidos entre ellos desembocaron en 1826 en un intento de suicidio por parte de Karl. En 1818 Beethoven, ya sordo por completo, tuvo que utilizar 'libros de conversación' en donde la gente escribía sus notas y observaciones para que el compositor los entendiera. Renegó de todo el mundo menos de un pequeño y cerrado círculo de amigos.  Tumba de Beethoven en Viena A pesar de todo, ya había alcanzado un gran prestigio y en su lecho de muerte recibió todo tipo de muestras de simpatía. Murió en Viena el 26 de marzo de 1827. Dos días después de su fallecimiento, el 29 de marzo, tuvo lugar el funeral. Se celebró en la Iglesia de la Santa Trinidad, a unas docenas de metros del domicilio de Beethoven, y en él se interpretó el “Réquiem en re menor” de Wolfgang Amadeus Mozart. También el cortejo fue acompañado por cantores que entonaban los “Equali” compuestos por Beethoven para el día de Todos los Santos, en arreglo coral para la ocasión. Asistieron al mismo más de 20.000 personas, entre las que se encontraba Schubert, gran admirador suyo. En 1888 los restos fueron trasladados al cementerio central de Viena. LA OBRA DE BEETHOVEN Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera Sinfonía, también llamada Heroica, en mi bemol mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785). A caballo entre dos épocas, Beethoven no creó realmente ninguna de las formas musicales de las que se sirvió, pero amplió sus límites y modificó profundamente su estructura a través de un cúmulo de nuevas ideas que se encargó de expresar. Para él, la forma tenía menos importancia que la idea. Por ello, en una época de cambio, de intersección entre el clasicismo y el romanticismo, no fue un rupturista, sino un reformador que utilizó las formas clásicas heredadas para exteriorizar su ideal romántico. Abrió así el camino al romanticismo musical desde la forma clásica. Su obra, que puede dividirse en tres épocas, refleja el conflicto entre el pasado y el porvenir, entre el clasicismo y el romanticismo, entre la forma y la idea, y es el punto crucial en el que se conjugan las aportaciones de siglos anteriores con las nuevas perspectivas musicales Beethoven en 1814 Junto a Haydn y Mozart, Beethoven forma el trío de clásicos vieneses al que se debe la consumación de las formas instrumentales clásicas. Fue un renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental y llevó a la perfección el género sinfónico. Entre sus particularidades técnicas se cuenta el haber desechado el clásico ritmo de minueto por el más vigoroso del scherzo, obteniendo así contrastes emotivamente más intensos y aumentando la sonoridad y variedad de texturas en las sinfonías y en la música de cámara. En su obra se distinguen tradicionalmente tres períodos: uno inicial o de formación, que finaliza en 1802, llamado también "periodo de Bonn"; un segundo periodo que finaliza en 1812 y que se denomina "periodo Vienés", y un tercero y último que se desarrolla entre 1813 y 1827. El musicólogo Wilhelm von Lenz fue el primero, en 1852, en dividir la carrera musical de Beethoven en estas tres grandes etapas estilísticas. Algunos musicólogos han mostrado su discrepancia hacia esta división, pues consideran que debería añadirse un cuarto período, resultado de dividir en dos su primera época, pero la división en tres etapas se corresponde a la perfección con los puntos de inflexión de la biografía de Beethoven y por ello sigue manteniéndose en la actualidad. PERIODO DE FORMACIÓN - "Periodo de Bonn" En su primer periodo destacan sus primeras sonatas para piano y sus cuartetos, muy influidos por las sonatas para violín y piano de Mozart. El músico austriaco, junto a Neefe y Sterkel, representa una de sus principales influencias en su obra de juventud. Dos de sus sonatas para piano, la "Patética" de 1799 y "Claro de Luna" de 1801 representan innovaciones notorias en el lenguaje de la sonata pianística. Estatua en Bonn Las composiciones de esta época son abundantes, y aunque entroncan con la tradición de Haydn y Mozart, empiezan ya a sorprender por un sello personalísimo muy acusado: permiten vislumbrar la presencia de una energía física y moral que no tardará en modificar las normas de la música del siglo XVIII. Los tiempos lentos evolucionan paulatinamente, de un clima de melancolía y ternura afectuosa a una experiencia del dolor cada vez más profunda; su ritmo disminuye hasta casi una suspensión mortal de todo movimiento, y en el tránsito de la suavidad de los "andante" a la tristeza de los "adagio" y los "lento" van descubriéndose poco a poco abismos de desesperación. El piano de Beethoven Entre 1785 y 1800 compone alrededor de 100 obras que incluyen 3 conciertos para piano, algunas sonatas para piano de Beethoven incluyendo la famosa sonata “Patética” (Sonata para piano en do menor, op. 13), de 1799 , Mov 1, con su arrogancia vehemente que constituye el anticipo de lo que más adelante habrá de ser el segundo de los tres "estilos" reconocidos por Lenz en el arte de Beethoven o la también segunda sonata del Opus 27 de Beethoven, decimocuarta de la colección para piano, la famosa “Claro de Luna” en Do sostenido menor, op. 27, No. 2, (Vladimir Horowitz), dedicado a la condesa Giulietta Guicciardi. También se encuentra la sonata la “Aurora ó Waldstein” Op. 53 (Horowitz) y la “Appasionnata” (Glenn Gould) que es la última de las cuatro más célebres sonatas de Beethoven. Los dos primeros conciertos para piano y orquesta, op. 15 (1797) y op. 19 (1800) fueron verdaderas tarjetas de visita del joven compositor y virtuoso; el divertido “Septimino, op. 20” (1709) o (Septett Prunaru y el lied “Adelaida” conocieron una rápida popularidad. Son también obras de este periodo el “Trío Nº 1 op. 1” (1795) Adagio (The New Arts Trio); el“Trío op. 11”, "Gassenhauer-Trio" (1798) 1. Movimiento: Allegro con brio (Copenhagen Clarinet Trio); la “Serenata, op. 8” (1796) (Trío Grumiaux) y los “Tríos de la op. 9” (1797) para cuerda;  Otras obras de ese periodo son las “Sonatas para violoncelo”, como la "Sonata para violoncelo en Do mayor" Adagio (Jackeline Du Prè) y los “Seis cuartetos de la op. 18” (1799), donde en el trágico “Adagio” del Nº 1, (Alban Berg Quartet) describe el drama de dos amantes en el momento de separarse; un diálogo desgarrador, lleno de lamentos de intensidad creciente. En el Nº 2 el grácil y desenfadado “Allegro” (Arianna String Quartet) del principio contrasta con la exaltación lírica de un “Adagio” conmovedor (Arianna String Quartet). El Nº 3 es todo él un modelo de delicadeza y equilibrio, hasta que la fogosa tarantela final despeja el panorama de sombras con una alegría contagiosa. En el Nº 4 no hay ningún movimiento lento (Alban Berg Quartet). El “Andante cantabile” del Nº 5 (Talich Quartet) contiene un tema con variaciones de riquísimos matices. Hay un movimiento enigmático en el Nº 6, titulado “La melancolía” (Alban Berg Quartet), que, de hecho, son dos movimientos que van alternándose: la tristeza profunda y el consuelo ineficaz. Asimismo corresponden a esa época, las “Cinco sonatas para violín”, como la “Sonata para Violín y Piano nº 9” en La mayor "Kreutzer" (Itzhak Perlman – Violín, Martha Argerich – Piano). Otras obras destacables de este período son su “Primera sinfonía”, que debe mucho a la orquestación de las sinfonías londinenses de Haydn, las cantatas compuestas con motivo del funeral del emperador José II en 1790 y las arias de concierto “Prüfung des Küssens”, “Mit Mädeln sich Vertrauen” y “Primo amore”. La “Sinfonía n.º 1 en do mayor, op. 21” fascinó a sus contemporáneos por su frescura y originalidad. La sinfonía arranca con un acorde distinto a la tonalidad principal de do mayor. En todo caso, esta era una de las rúbricas de Joseph Haydn. El tercer movimiento lleva el nombre de «Minuetto» (Amsterdam Royal Concertgebouw, dir. Furtwangler), pero es más rápido que lo acostumbrado en el género sinfónico de la época. LA MADUREZ - "Periodo vienés” Hacia 1802, la fuerte crisis personal derivada de su sordera y las contrariedades sentimentales y físicas actuarían como catalizador de su arte: la inmensa energía que el genio prodigó irreflexivamente en sus primeras composiciones encontraba ya un punto de aplicación, y las centellas que desprendía alumbraron el drama de la grandeza heroica beethoveniana, que integra la sustancia del segundo estilo o periodo de su obra. Beethoven en 1805 Con ocasionales transgresiones, alteraciones e intentos de evasión en la “Sonata para piano en la bemol mayor, op. 26” Allegro (Baremboim) ; en las dos “Sonatas en forma de improvisación, op. 27”, así como en la “Sonata para piano, op. 31, n.º 2” (Baremboim), el genio de Beethoven se identifica con la forma de sonata a lo largo de todo este período central de su vida íntima que se manifiesta al exterior en ideales de lucha y de rebelión contra el destino adverso. Cuando en su alma renazca lentamente el equilibrio y quede superada la inquietud del infortunio, el dualismo armónico de la forma de sonata se irá atenuando paulatinamente, y, con un renacimiento del contrapunto, dará lugar a nuevas tendencias musicales. En 1810, compuso la Bagatela “Para Elisa” (Für Elise, en alemán) (Alicia Delarrocha), una obra para piano en la menor que debe su popular nombre a la confusión de algún copista a la hora de transcribir el manuscrito original de la partitura. (ver más arriba). El paso de la serenidad juvenil a la incandescencia del segundo estilo aparece anunciado por algunas obras de transición, como el “tercer Concierto para piano, op. 37 en do menor” (tonalidad típica del dramatismo heroico de Beethoven), y la “Sinfonía n.º 2” en re mayor (op. 36), (Roger Norrington dir. & The London Classical Players) cuya alegría contrasta con la tristeza que vivía el autor. Beethoven reemplazó el minueto estándar por un scherzo más rítmico y dinámico. Esta innovación y sus fuertes sonoridades dieron a la "Segunda Sinfonía" un mayor alcance y energía. De esta manera se llega a la plenitud del 'Segundo periodo' con : - La “Sinfonía n.º 3” (llamada “Heroica”) en mi bemol mayor (Op. 55), que dura dos veces más que cualquier otra de la época, la orquesta es más grande y los sonidos son claramente anunciadores del romanticismo musical. La obra se compone de un primer movimiento (Allegro con brío), con una duración aproximada de veinte minutos: hasta esa fecha no se había compuesto un movimiento sinfónico tan extenso. El segundo movimiento es una «Marcha fúnebre» (Adagio assai), el tercer movimiento es un agitado scherzo (Allegro vivace), en el que se recrea una escena de caza y destaca el uso de las trompas. El Finale (Allegro molto) 1/2, 2/2 evoca una escena de danza y es apoteósico, con una gran exigencia de virtuosismo para la orquesta. -“La Sinfonía n.º 4” refleja una momentánea pausa de serenidad, lo mismo que el “Concierto en re mayor para violín y orquesta, op. 61” (Wiener Philharmoniker, dir. Constantin Silvestri, Yehudi Menuhin, violín) y el “cuarto Concierto para piano”. - La “Sinfonía n.º 5” Op. 67 en do menor, 1 mov. (Orquesta sinfónica de Baviera, dir. Leonard Bersntein) donde destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en el motivo rítmico formado por tres corcheas y una negra, las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico, significaban «la llamada del destino». El segundo movimiento es un hermoso tema con variaciones (Orquesta sinfónica de Baviera, dir. Leonard Bersntein) . El tercer movimiento, “scherzo” – Allegro, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los instrumentos de viento-metal con una forma derivada de la «llamada del destino»; un pasaje tejido por los pizzicato de los instrumentos de cuerda se encadena sin pausa con el triunfal cuarto movimiento, allegro (Orquesta sinfónica de Baviera, dir. Leonard Bersntein) , y que posee una destacada coda.  En este segundo periodo, en el que compuso la mayoría de su producción orquestal, Beethoven reformó la estructura clásica de la sinfonía, al sustituir el tradicional minueto por un scherzo, forma ésta que otorgaba mayor libertad creativa a los compositores. Pero la intensidad característica del periodo se repite en numerosas obras: “las oberturas de Coriolano y Egmont”, la “Sonata a Kreutzer para violín y piano”, “la Sonata, op. 30 n.º 2 en do menor”, el “Trío de Piano” nº7 en Si bemol mayor op. 97 "Archduke" (I) - Allegro moderato.(1810-1815) (Barenboim, Zukerman & Du Pré). La “ópera Fidelio o el amor conyugal” (título original en alemán, “Fidelio oder die eheliche Liebe”, Op. 72) (Benackova - McLaughlin – Protschka, dir Christoph van Dohnanyi & The Royal Opera House) es una ópera en dos actos con libreto en alemán de Joseph F. Sonnleithner. Es la única ópera que compuso Beethoven, donde destaca el famoso "Coro de los Prisioneros" (Leonard Bernstein and the Chor und Orchester der Wiener). El argumento de Fidelio sigue la tradición de las óperas de rescate del siglo XIX: una mujer que salva de la muerte a su marido, prisionero de sus enemigos políticos. Basada en un drama de J. N. Bouilly titulado “Leonora o el amor conyugal”, la obra, con el título inicial de “Leonore”, fue estrenada con escaso éxito en Viena en 1805; sometida luego a diversas revisiones, en su versión definitiva se representaría por primera vez en el Kärntnertor-Theater de la capital austriaca, en 1814.  Con la siguiente sinfonía el gran incendio va extinguiéndose; quedan, indudablemente, algunos rescoldos todavía, pero, en esencia, la gran crisis dramática del espíritu de Beethoven se halla ya superada. - La “Sinfonía n.º 6”, en fa mayor, conocida como 'Pastoral' (Op. 68) (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan) se convierte en dulzura y lirismo, cuyos movimientos evocan escenas campestres. Es el mayor tributo dado por Beethoven a una de sus grandes fuentes de inspiración: la naturaleza. Es también su única sinfonía en cinco movimientos (todos con subtítulos: Escena junto al arroyo, Animada reunión de campesinos, Himno de los Pastores, etc.), tres de ellos encadenados, es decir, que Beethoven elimina las habituales pausas entre segmentos sinfónicos. Uno de los pasajes más famosos de la obra es el final del segundo movimiento, (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan) con la flauta, el oboe y el clarinete imitando respectivamente los cantos del ruiseñor, la codorniz y el cuco. LA ETAPA FINAL  Su último período es el más complejo, debido en parte a sus altibajos emocionales y a su avanzada sordera. No obstante, a pesar de esta intensificación de las miserias de la vida, el espíritu de Beethoven ha logrado ya librarse de ellas: su arte se mueve ahora más arriba, en otra esfera donde la antigua lucha con el destino ha quedado ya superada. En esta época alienta en el genio un soplo de carácter religioso, el sentimiento embriagador de una solidaridad universal, un idealismo filantrópico mediante el cual ve en el hombre al hermano.  Beethoven en 1823 Esta conciencia de fraternidad exaltada asume en Beethoven el nombre de "alegría", tomado en una acepción muy amplia. La puerta para llegar a ella es la naturaleza, que siempre fuera, incluso en los instantes de más negra desolación, el bálsamo de su alma torturada. A través del contacto con la naturaleza, manifestado en la “Pastoral”, el genio de Beethoven se abre a la alegría, a la que dedica tres himnos en las últimas sinfonías, y celebra en sus diversos aspectos de tumultuosa y dionisíaca embriaguez (Sinfonía n.º 7), de regocijo familiar y casi humorístico (Sinfonía n.º 8) y, finalmente, de religioso entusiasmo en el sentimiento ahora recobrado de fraternidad universal (Sinfonía n.º 9): Compuesta en 1811, cuando el compositor alemán trataba de mejorar su deteriorada salud en Teplice (República Checa), la Séptima Sinfonía en La Mayor (Paavo Jarvi, dir. & Deutsche Kammerphilharmonie Bremen), se estrena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la batalla de Hanau. Debido a la excelente acogida por parte del público, Beethoven se ve obligado a repetir, precisamente, el segundo movimiento: el allegretto. Uno de los integrantes de la orquesta dejó por escrito un testimonio del impacto que la música y el propio Beethoven dejaron en su persona: “Al mismo tiempo que venía el esforzando abría los brazos, que antes tenía cruzados sobre el pecho, hasta el máximo. Cuando la orquesta debía interpretar un piano, se agachaba todo lo bajo que quería que sonara; luego venía un crescendo y entonces se enderezaba poco a poco hasta que entraba el forte, que él subrayaba con un salto en el aire y a veces, hasta daba gritos inconscientemente para reforzar el forte. Las nuevas sinfonías de Beethoven gustaron extraordinariamente, sobre todo la Séptima en la mayor. ¡El maravilloso segundo movimiento!”. Este movimiento es lento, aunque el tiempo marcado por el compositor sea un allegretto, haciéndolo lento sólo en comparación con los otros tres movimientos que son vivace, presto y allegro con brio. Indudablemente, el maestro alemán muestra con la Séptima su más grandioso concepto de la introducción (Poco sostenuto, pide la partitura). Richard Wagner, otro ferviente beethoveniano, calificó a la Séptima como «la apoteosis de la danza» por su implacable ritmo dancístico y notable lirismo, particularmente hondo en su célebre segundo movimiento. El esquema del tercer movimiento exige, hecho inédito en una sinfonía, la repetición del trío, quedando la estructura A-B-A-B-A. El cuarto movimiento (Berlin Philharmonic, dir. Wilhelm Furtwangler) constituye -al igual que en la Sinfonía "Júpiter" de Mozart- el verdadero centro de gravedad de la obra. En suma, toda la Séptima es una obra de gran potencia: hay expertos que la consideran como la mejor de sus sinfonías. - “Sinfonía n.º 8” en fa mayor (Op. 93) I Allegro vivace e con brio; II Allegretto scherzando; III Tempo di menuetto (Wiener Philharmoniker, dir.Leonard Bernstein) compuesta inmediatamente después de la Séptima y cuya brevedad (poco más de veinticinco minutos) no eclipsa su meticulosa escritura. Es su sinfonía más alegre y desenfadada, «mi pequeña sinfonía en fa», la llamaba el compositor, para diferenciarla de la Sexta, escrita en la misma tonalidad. La composición fue extremadamente ligera y rápida (cuatro meses). La obra tiene influencias de Haydn, sobre todo en su primer movimiento. Sin duda la “Sinfonía n.º 9” (Op. 125), llamada “Coral”, es la obra más célebre de esta etapa. Su orquestación (dos trompas adicionales, triángulo, platillos, coro y solistas vocales) y duración (setenta minutos) es superior a la de la “Heroica. Los primeros tres movimientos: un épico Allegro ma non trompo, un poco maestoso (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan), un electrizante Scherzo (Hungarian Philharmonic Orchestra, dir. Janos Ferencsik) y un religioso y soñador Adagio, Parte 1, Parte 2 (Wiener Philharmoniker orchestra, dir. Claudio Abbado) llegan a su culmen en el deslumbrante finale Presto-Allegro ma non troppo, que inicia con un recitativo instrumental y con citas de los movimientos precedentes (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan). Este extenso final con variaciones parte del texto de la 'Oda a la Alegría' de Schiller y supone una de las primeras incursiones de la voz humana dentro de una sinfonía.  Esta obra, mundialmente famosa y objeto de un sinfín de arreglos y versiones, fue declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco. El último movimiento de esta sinfonía fue adoptado en 1972 por el Consejo de Europa como su himno y en 1985 fue elegido por los jefes de Estado y de Gobierno europeos como himno oficial de la Unión Europe. a otra obra monumental que consagra esta sublimación de la espiritualidad beethoveniana, por encima de la concepción anterior del dualismo dramático, es la “Missa Solemnis, op. 113” que está compuesta por cinco piezas, de las cuales cabe resaltar la potencia y brillantez del “Gloria”, (Collegium Musicum 90, dir. Richard Hickox) considerada la mejor de toda esta obra, todas las piezas fueron escritas en latín, excepto el Kyrie, que está en griego. eethoven en 1818  En la música instrumental, Beethoven aparece ahora ya destacado de las normas estilísticas propias de la época, y su inspiración, que la sordera parece casi aligerar de cualquier relación con los elementos accidentales de la materia sonora, se mueve ya en la enrarecida atmósfera de trascendentes visiones sobrenaturales. La dialéctica precisa de la forma de sonata, cuya calculada contraposición de tensiones tónicas presentaba todavía algo de la geometría del siglo XVIII, se equilibra en una concepción musical menos artificiosa y más próxima a la plenitud orgánica de la vida y de la historia: el sentido armónico de los acordes y de las cadencias se ve desplazado por el predominio de un contrapunto, que, en realidad, nada tiene de escolástico ni de arcaico, y más bien parece presagiar el futuro principio compositivo de la variación continua, o sea de una música que fluye en una renovación perenne y sin el recurso de las simetrías o repeticiones. A veces la complejidad del contrapunto, que alcanza extremos de furor y exasperación en la “Gran Sonata, op. 106”, Parte 1; Parte 2 (Valentina Lisitsa) y en la “Fuga, op. 133” para cuarteto de cuerda, cede el paso, en cambio, a melodías suavísimas, de carácter celestial y amplio desarrollo, y apoyadas apenas en un acompañamiento que no cabría imaginar más desnudo y simple. Las últimas “cinco sonatas para piano”, a las cuales acompañan dignamente las treinta y tres “Variaciones sobre un vals de Diabelli”, (Alfred Brendel). Beethoven volvió su mirada final a los Cuartetos Clásicos de cuerda haciendo de ello descubrimientos que hoy aún nos dejan perplejos por su prodigioso espíritu innovador y que constituyen todo un reto para los intérpretes. Compuso los siguientes cuartetos: Al inspirado “Adagio” del Nº 1, así como al enjundioso tratamiento al que somete un tema ruso en el “Allegro final”. En cuanto al Nº 2 el “Allegro” inicial es extraño, abundan las frases incisivas, interrogativas y cortantes. El “Adagio”, un canto suplicante -a veces tierno, otras veces insistente- nos hace olvidar la aspereza del movimiento anterior. En el “Allegretto” se alternan el modo mayor con el menor con frecuencia, como el reflejo de una duda irresoluble. El “Presto” final es un rondó de carácter elegíaco. En el cuarteto Nº 3 Opus 59 un marcado acento eslavo en el “Andante con moto”, que fue muy bien acogido, como también el exultante y endiablado “fugato” final (Alban Berg Quartet).  El Op. 74 al que se le llama “de las arpas” por los arpegios en pizzicato del primer movimiento. Un ocurrente contrapunto armónico arropa el dulce canto del “Adagio”, (Alban Berg Quartet). El “cuarteto Op. 95”, (Pascal String Quartet) donde el motivo del fogoso “Allegro con brio” que precede al “Allegretto ma non troppo”, es el mismo que el del famoso inicio de la Quinta Sinfonía, el lenguaje utilizado es impetuoso, de una agitación abrupta, tajante y apasionada. Los melómanos de sensibilidad más clásica hallarán un respiro en el complaciente “Allegro assai vivace ma serioso - Più Allegro” del segundo movimiento, que empieza con las seis primeras notas del llamado “Canon de Pachebel” y en el que, tras una emotiva meditación, aparece un interesante “fugato.” En el “cuarteto Op. 127” el “Allegro inicial” (Jasper String Quartet), pese a unas pocas octavas cortantes, es casi mozartiano. El “Adagio” (Quartetto Italiano) es cálido, con un segundo motivo más movido, aunque siempre amable. El “Scherzando” (Quartetto Italiano) parece una propuesta lúdica por sus cambios rítmicos y de humor, pero no una rareza inasible. El “Final” (Tackas Quartet) es convencional y elegante. El "Cuarteto de Cuerdas N º 13" en Si bemol mayor, op 130, realmente se terminó en 1825 y su forma original se componía de seis movimientos, siendo el 5º la maravillosa “Cavatina”, Adagio molto expresivo de la que Karl Holzt decía que, para Beethoven, “era la coronación de todos sus movimientos de cuarteto y su pieza favorita. Verdaderamente la compuso con lágrimas en los ojos y me aseguró que ninguna otra obra suya le impresionaba de modo parecido a esta”. La Gran Fuga es un único movimiento para cuarteto de cuerdas compuesto entre 1825 y 1826 que ha adquirido fama debido a su dificultad técnica y su ruptura con las normas estéticas, armónicas y musicales del momento. Inicialmente fue compuesta para servir como cuarto movimiento del Cuarteto de cuerdas nº 13 (op.130), pero su estilo poco apropiado para su época hizo que tuviese que ser reemplazado por otro movimiento de carácter más ligero. Debido a la insistencia del editor, el movimiento fue publicado por Beethoven como Große Fuge (Grande Fugue Op.133) (Alban Berg Quartett). Muchos consideran hoy al “Cuarteto 14” como el más bello de todos; ya en su tiempo, Wagner habló a propósito de este cuarteto de la meditación de un «santo» encerrado en su sordera y a la escucha exclusivamente de sus voces interiores. El “Cuarteto n° 14 en Do # menor, opus 131”, constituye la última protesta y el último reto para romper este aislamiento. Consta de siete tiempos: Allegro molto vivace, Allegro moderato - Adagio; el Andante ma non troppo e molto cantabile - Piu mosso - Adagio, ma non troppo e semplice – Allegretto y el Presto- Adagio quasi un poco andante, y Allegro (Lindsay String Quartet). El “Cuarteto de cuerdas nº 15 en La menor” que consta de seis movimientos , al cual Beethoven puso un largo pero significativo nombre: "Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der lydischen Tonart" (Una sagrada canción de agradecimiento de un convaleciente a la divinidad, en el modo Lidio), donde cabe resaltar el tercer movimiento (Molto Adagio) y su continuación, 4/6 "Stendendo nuova forza. Andante". Este cuarteto de cuerdas, Beethoven lo escribió después de recuperarse de una larga enfermedad de la que pensaba que no saldría. Es por eso que en agradecimiento a Dios compuso esta pieza. Los otros movimientos son 1/6 "Assai sostenuto", 2/6 "Allegro - Allegro ma non tanto"; 5/6 "Alla marcia, assai vivace - Piu allegro - Presto" y el 6/6 Allegro appassionato. (Tackas Quartet: Edward Dusinberre, 1º violín; Károly Schranz, 2º violín; Roger Tapping, viola; András Fejér, cello) El cuarteto de cuerda n.º 16 en Fa mayor Opus 135 "La difícil decisión" es el último de su ciclo de 16 cuartetos de cuerda. Ese fue el último trabajo importante del compositor. El cuarteto le debe su nombre al título del último movimiento. Este comienza con unos acordes introductorios lentos y sombríos, que llevan la anotación "Muß es sein?" (¿Debe ser?), a los que se les responde con el más veloz y alegre tema principal "Es muß sein!" (¡Debe ser!)". Los tiempos son: 1/4 Allegretto, 2/4 Vivace, 3/4 "Lento assai, cantante e tranquillo", 4/4 Der schwer gefaßte Entschluß (la difícil decisión): "Grave - Allegro - Grave ma non troppo tratto – Allegro" (Emerson String Quartet). Estos cinco cuartetos finales constituyen el testamento augusto y misterioso del artista: representan en la historia de la música una fabulosa anticipación, que únicamente a fines del siglo, desde Brahms en adelante y por obra del Wagner de Parsifal y de compositores muy recientes, como Bartók, será abordada con un sentido de consciente continuidad; el verdadero romanticismo musical (desde Weber hasta Mendelssohn, Schubert, Schumann, Berlioz y Liszt) se originó casi exclusivamente en el segundo estilo beethoveniano. CINE, TEATRO Y TELEVISIÓN El compositor ha sido mostrado biográficamente en numerosas ocasiones en el cine, en el teatro y en la televisión. Estas son algunas de ellas: Comienzan sus representaciones en 1909 con una película muda del escritor y director francés Victorin-Hippolyte Jasset que se titulaba “Beethoven” y que estaba protagonizada por Harry Baur. La siguiente película sobre el compositor fue alemana y se rodó en 1927, su director fue Hans Otto Löwenstein y el nombre de la película fue “Das Leben des Beethoven” (La vida de Beethoven). El escritor y director francés Abel Gance realizó en 1936 otra película del compositor, “Un grand amour de Beethoven” (Un gran amor de Beethoven), en la que fue Harry Baur otra vez quien representó el papel del compositor. En 1985 apareció “Le Neveu de Beethoven” (El sobrino de Beethoven). En 1992, una película para la televisión, 'Beethoven Lives Upstairs' (Beethoven vive en el piso de arriba) fue la ganadora del premio Emmy.  1994, el director Bernard Rose creó “Immortal Beloved” (Amada inmortal) con Gary Oldman en el papel del compositor. En la película suenan todos los fragmentos más tópicos de la música de Beethoven: Sonatas Patética y Claro de Luna, Sinfonías 3ª,5ª,6ª ,7ª y 9ª, Conciertos "Emperador" y para violín, Sonata "a Kreutzer", Trío "el Espectro", Misa Solemne, Cuarteto Op. 130, “Oda a la alegría” y otras, vengan o no a cuento con la acción, aunque en ese sentido de "encajar" acción y música la película es muy aceptable. En 2006, la directora Agnieszka Holland produjo “Copying Beethoven” (Copiando a Beethoven) con Ed Harris como protagonista que reincide sobre los últimos días de vida del compositor. Películas cuya banda sonora integra el "Segundo movimiento de la 7ª Sinfonía" de Beethoven: Siguiendo el clamor popular, el Séptimo Arte ha utilizado este mismo fragmento en numerosas películas. En este caso la pieza comienza tan sólo con cuerdas que van arrastrando a su paso al resto de los instrumentos hasta que todos juntos alcanzan un fortissimo que trasmite una sensación de vértigo que le va como anillo al dedo a la primera película en la que se puede escuchar: “The Black Cat” (1934), una de las primeras adaptaciones de las obras de Edgar Allan Poe que Universal Pictures realizara en los años treinta, y que protagonizara una pareja tan tenebrosa como la formada por Bela Lugosi y Boris Karloff. Otro film, el de Roman Polanski, “The Ghost Writer” (trailer), posee un fragmento que incorpora a su banda sonora: el segundo movimiento de la 7ª Sinfonía en La Mayor. “Mr. Holland’s Opus”, la historia de un compositor frustrado que se realiza como profesor de música en un instituto de secundaria; o “Copying Beethoven” (ya nombrada). John Boorman también aprovecha la espiral sonora que transmite el allegretto para arrastrar al espectador cuando se percata de la verdad que se esconde detrás de “Zardoz”, (trailer) en una psicodélica película de ciencia ficción de los años setenta que cuenta entre sus protagonistas con Sean Connery y Charlotte Rampling. Pero para vértigo y angustia, los que siente cualquiera que haya visto “Irréversible” y escuche la pieza al final de la película, que también es el comienzo de una historia que empezara con una amenaza tan poderosa y perturbadora como que "el tiempo lo jode todo". La secuencia envuelve a su protagonista, Monica Bellucci, presa inocente de todo lo que le espera, pero que el espectador ya ha podido constatar, se ve envuelta en una vorágine en la que la cámara gira desbocada y descontroladamente. La cualidad hipnótica de esta pieza debe ser lo que llevó a Tarsem Singh a incluirla en su fascinante cuento, esencia simbólica de toda narración cinematográfica “The Fall”, (trailer) consiguiendo dotarlo de una cualidad sonora y emocional a la altura de sus surrealistas imágenes. Alexandre Desplat es de sobra conocedor de las cualidades del allegretto de la Séptima Sinfonía, quizás por eso, en lugar de componer una pieza propia, prefiere utilizarlo en el clímax de “El discurso del rey” (2010). La melodía reinó como su protagonista, Colin Firth, con toda su intensidad, ayudando al monarca, junto con Geoffrey Rush, a superar su tartamudez en una de las locuciones más famosas de la historia, justo antes de la Primera Guerra Mundial. Otras Bandas sonoras Beethoven siempre es una apuesta segura para el cine, su música llena de energía y tragedia es muy querida por los directores y en especial, una de sus sonatas para piano más conocidas y alabadas: la Sonata para piano nº 8 en Do menor Op. 13 "Patética" – Adagio, y en especial a su enternecedor segundo movimiento. Esta sonata, escrita cuando el compositor alemán contaba con 27 años es una de las cumbres de su producción pianística y la pudemos escuchar en películas como: “Antes del amanecer” (1995) o “La edad de la inocencia” (1993). Fuerza, garra y emoción es lo que buscan los directores de cine cuando traen a la gran pantalla al primer movimiento de la Sinfonía nº 5 en Do menor Op. 67. Esta tragedia sinfónica convertida en un canto universal de victoria también apareció en películas tan dispares como “Austin Powers y el miembro de oro” (2002), “La gata sobre el tejado de zinc” (1958) o “El club de los cinco” (1985). En 1940, Walt Disney ilustró la Sexta Sinfonía en uno de los episodios de su película 'Fantasía' y Stanley Kubrick utilizó el 4º movimiento de la Novena Sinfonía en el film 'La Naranja Mecánica' (1971). Aparte de las nombradas la música de Beethoven ha sido usada en más de doscientas cincuenta películas y programas de televisión.

Acontecimientos del mundo de la música

Nacimientos
1770: Ludwig van Beethoven, compositor alemán.
1775: François Adrien Boïeldieu, músico y compositor francés.
1882: Zoltán Kodály, compositor húngaro.
1899: Noel Coward, compositor y dramaturgo británico.
1915: Turk Murphy, trombonista estadounidense.
1921: Eulalio González, actor y cantante mexicano (El rey del taconazo) (f. 2003).
1926: James McCracken, tenor estadounidense.
1932: Rodión Shchedrín, compositor ruso.
1939: Philip Langridge, tenor británico.
1943: Tony Hicks, guitarrista británico de The Hollies.
1946: Benny Andersson, músico y cantante sueco de ABBA.
1946: Trevor Pinnock, clavecinista y director de orquesta británico.
1949: Billy Gibbons, músico estadounidense de ZZ Top.
1951: Robben Ford, guitarrista estadounidense.
1952: Manuel Barrueco, guitarrista cubano-estadounidense.
1957: Antonio Vega, músico español (f. 2009).
1971: Alix Bauer, cantante mexicana de Timbiriche.
1971: Paul van Dyk, músico y DJ alemán.
1971: Michael McCary, cantante estadounidense de Boyz II Men.
1973: Mariza, cantante portuguesa.
1973: Scott Storch, productor musical canadiense.
1975: Nawo Kawakita, baterista japonés de Maximum the Hormone.
1975: Benjamín Kowalewicz, cantante canadiense de Billy Talent.
1978: Eric Jackson Kaine, rapero estadounidense de Ying Yang Twins.
1979: Flo Rida (Tramar Dillard), rapero estadounidense.
1979: Mihai Trăistariu, músico y cantante rumano.
1981: Anna Sedokova, modelo y cantante ucraniana.
1989: Lee Biran, cantante, actor y compositor israelí.

Fallecimientos
1816: Joseph Franz von Lobkowitz, músico y mecenas alemán.
1921: Camille Saint-Saëns, compositor francés.
1965: Tito Schipa, tenor italiano (n. 1888).
1989: Gianni Poggi, tenor italiano (n. 1921).
2011: Bob Brookmeyer, músico estadounidense (n. 1929).

Celebraciones y conmemoraciones en general
Iglesia Católica: inicia el novenario de preparación a la fiesta de la Navidad.
México: Inicio de las posadas, tradicional posada mexicana. Primera posada.
Bangladés: Día de la Victoria

TODO TANGO
1901 Nació en Rosario (Pcia. de Santa Fe) ANDRES DOMENECH pianista y compositor de interesantes obras algunas de las cuales resultaron éxitos en su momento: "Lonjazos", "Copetín, vos sos mi hermano", "Te vas de mi lado", "Boyera" que escribió para la película Viento Norte. Acompañó al piano a Tita Merello en sus primeros tiempos. Falleció el 2 de septiembre de 1950.
1903 Nació en la Capital Federal el cantor JOSE SANCHEZ RIOS. Debutó en 1921 en Radio Nacional y luego realizó extensas giras por Europa.
1924 Nació en el barrio de Parque Patricios (Buenos Aires) el cantor ROBERTO VIDELA cuyo verdadero nombre es Antonio Genaro Di Tomaso. Estudió canto con el profesor Chaubel. Integró la famosa Pandilla Marilyn. En 1942 debuta con la orquesta Típica Ritmo del pianista José Bova. En 1944 se incorpora al conjunto de Juan Carlos Caviello y efectúa unas pocas actuaciones con Edgardo Donato. En 1945 canta con el cuarteto de Enrique Mora y luego ingresa a la orquesta de Ricardo Tanturi. En ese momento transforma el nombre artístico de Humberto Rey que venía utilizando, por el de Roberto Videla. En el año 1950 integra el conjunto de Enrique Rodríguez hasta 1954 en que se dedica al género melódico. De ahí en más alterna su permanencia entre Buenos Aires y Nueva York.
1933 Nació en Buenos Aires la cancionista LAURITA CAMILLI. Actuó en varias emisoras y salas de espectáculos de la Capital Federal.
1940 Nació en San José (Uruguay) el bandoneonista y compositor ARIEL MARTINEZ. Estudió bandoneón con Nicolás Pepe, flauta con Santiago Bosco, armonía y contrapunto con el maestro Angel Turriziani, composición y orquestación con Héctor Tosar. Integró en el 50 el Quinteto de la Guardia Nueva, en 1964 junto al cantor Eduard Adrián intervinieron en el espectáculo "Montevideo al sur" en el teatro El Galpón de Montevideo. Más tarde formó el "Trío Nuevo". Es autor de: "Grilas para dieciseis voces femeninas y orquesta" y los tangos "En Praga", "Trotacalles", "Otros factores", "Igual 61" y "Tango para trío".
1978 Falleció el letrista REINALDO GHISO. Había nacido el 6 de abril de 1915.
1983 Falleció el guitarrista ROQUE MIRCO.

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1920 - Falleció María Esther Dalto, que se supone fue quien inspiró al autor de la letra "Milonguita".1927 - Carlos Gardel grabó "Qué va cha che" de Enrique Santos Discépolo. En ese mismo año grabó el tango "Cotorrita de la suerte".
1929 - Charlo grabó "Ave negra" con las guitarras de Iglesias, Besada y Arrieta.

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1983 Falleció ROQUE MIRCO, guitarrista.
1978 Falleció REINALDO YISO (Reinaldo Ghiso), letrista.
1955 Nació en Ituzaingó, Pcia. Bs.As., MARÍA VOLONTÉ (María Cristina Pasquinelli), cancionista.
1940 Nació en San José, Uruguay, ARIEL MARTÍNEZ, bandoneonista, compositor.
1933 Nació en Buenos Aires LAURITA CAMILLI, cancionista.
1924 Nació en Buenos Aires, barrio de Parque Patricios, ROBERTO VIDELA (Antonio Genaro Di Tomaso), cantor.
1903 Nació en Buenos Aires JOSÉ SÁNCHEZ RÍOS, cantor.
1901 Nació en Rosario, Pcia. Santa Fe, ANDRÉS DOMENECH, pianista, compositor.

ESFEMERIDES CULTURALES ARGENTINAS

1904 Se crea el Instituto Nacional del Profesorado Secundario.