GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.

Un día como hoy, 3 de noviembre, en el año...

• 1992  Bon Jovi publica 'Keep the faith'  Un día como hoy, Bon Jovi lanzaba el disco Keep the faith, el quinto trabajo de la banda liderada por Jon Bon Jovi. En realidad, éste era el primer álbum del grupo, en algo más de cinco años de barbecho, tiempo durante el cual el vocalista y Richie Sambora aprovecharon para trabajar en sus discos en solitario. En este nuevo disco se apreciaba claramente un viraje en el estilo de la banda, hacia una música algo más comercial y apta para el público mayoritario. En el se incluía el single Bed of roses, balada que entró dentro del Top 10 de Billboard. Otros de los singles que recogía este disco eran In these arms, Keep the faith y I'll sleep when I'm dead.

• 1988  Se estrena la película 'Rattle and Hum' de U2  Tras el éxito de The Joshua Tree (1987), Bono y los suyos lanzaron al mercado el álbum Rattle and Hum, un trabajo al que acompañó un filme del mismo nombre dirigido por Phil Joanou, y que se estrenó en los cines norteamericanos un día como hoy. En realidad, y a pesar del nombre de la cinta, la película era un recorrido por el tour que hizo la banda irlandesa en EE UU, para presentar el disco The Joshua Tree. Al margen de cantar sus temas, en el filme se pudo ver a U2 versionando temas de Bob Dylan, The Beatles o Jimi Hendrix. Aunque la pelícua tuvo un éxito más bien discreto, el álbum se alzó con el nº 1 del Billboard 200.

• 1977  Elton John anuncia que se retira de los escenarios Durante una actuación en Londres (Reino Unido), el cantante británico con varios años de trayectoria a sus espaldas, anunció su intención de abandonar los escenarios, al menos en lo que a actuaciones en directo se refiere. La promesa le duró quinces meses, tras los cuales Reginald Dwight volvió a tocar su piano en un escenario para goce y disfrute de los seguidores del artista. Su reencuentro con el directo tuvo lugar el 3 de febrero de 1979 en Suecia.

• 1972  James Taylor y Carly Simon se casan. Dios lo cría y ellos se juntan, dice el refrán….y se separan, esto ultimo lo añadimos nosotros. Eso ocurrió con Sonny y Cher, con Ike y Tina Turner, Nico y Marianne Faithfull, Sid Vicious y Nancy Spungen y un largo etcétera. Carly Simon fue una de las cantantes más populares de los 70. James Taylor también. Ella nacía en Nueva York, él en Boston, pero ambos procedían de una familia acomodada. Carly comenzó su faceta artística junto a su hermana Lucy, James también formó una banda junto a su hermano Alex. Los primeros trabajos de Carly se basaron el folk , a James le apasionaba el folk. El primer álbum de Carly se llamó “Carly Simon” y el debut de James ,”James Taylor”. En 1972 ambos habían conseguido una estupenda reputación musical, ella con temas como “You´re so vain” que vendió mas de un millón de copias, ganando un Grammy y James por su parte ya había publicado exitos como “Caroline on my mind” contando con el bajo ni mas de menos de que Paul McCartney” o por supuesto “You´ve got a friend” y también alcanzó el numero 1. Ambos aparecían en la portada de la revista “Time” como dos de los mejores cantautores y de mayor relevancia de los 70. En noviembre de ese importante año para ellos, en concreto el 3 de noviembre darían, y esta vez a la vez, otro gran paso. El talento y la dulzura se unían. Ese día James Taylor y Carly Simon se casan. Esta boda y una década después su divorcio acapararía la atención de todos los medios de comunicación. Durante ese tiempo compartieron una vida dedicada a la música y también canciones como “Mockingbird” o “Devoted to you”. Tuvieron un par de hijos y según dicen Carly devolvió al depresivo James la alegría de vivir, aun así y a pesar de tantas cosas en común acabarían separándose diez años mas tarde. Nunca sabremos si Carly dedicaba su “You´re so vain” (Eres tan vanidoso) a Warren Beaty, Mick Jagger o al mismísimo James Taylor, pero si bien Dios los crió ,ellos se juntaron el 3 de noviembre de 1972 y se separaron después de formar una de las parejas mas dulces de la escena musical de toda una década. 

• Hoy cumple 64 años la actriz y cantante escocesa Lulu, nacida en Glasgow. Lleva en el mundo del espectáculo desde 1960 y con quince años tuvo con su grupo The Luwers en 1964 un éxito en Inglaterra con su versión del tema de Isley Brothers 'Shout'. Al año siguiente dejó el grupo y en solitario siguió grabando hits como 'The boat that I row', 'Leave a little love' y 'Let's pretend'. En 1967 hizo un papel en la película 'To Sir with love', con Sidney Poitier de protagonista, en la que cantaba el tema homónimo, con el que consiguió un nº1 en las listas de EE.UU. Curiosamente, no fue éxito en el Reino Unido, quedando allí relegada a cara B de un single. Continuó publicando hits en Inglaterra como 'I'm a tiger' y 'Me, the peaceful heart' (1968). En 1969 se casó con Maurice Gibb, de los Bee Gees y tuvieron que posponer la luna de miel, ya que Lulu defendía a Inglaterra en el Festival de Eurovisión celebrado en Madrid, en el que acabó en primer lugar, empatada con Francia, Holanda y España, con el tema 'Boom Bang A Bang', su mayor éxito comercial en Europa. En 1974 publicó una versión del tema de Bowie 'The man who sold the world' (en la que el mismo Bowie toca el saxo) y 'I could never miss you' (1981), fue top10 en el Reino Unido y top25 en USA. Lulu ostenta junto con Cliff Richard el récord de haber aparecido en el famoso show musical televisivo británico 'Top of the pops' en cada una de las cinco décadas que el programa estuvo en antena. En 1993 apareció como artista invitada en 'Relight my fire', versión del grupo Take That del tema de Dan Hartman, que alcanzó el nº1 de las listas británicas. Lulú no ha dejado de grabar desde entonces (ha publicado hasta la fecha 21 álbumes y 65 singles), además de aparecer en la TV inglesa, presentando, moderando y participando en concursos de diversos programas de la TV británica. Últimamente hace giras de vez en cuando con Anastacia y Heather Small bajo el nombre 'Here come the girls'. 

• 58 años cumple hoy el actor y cantante británico nacido en Londres, Adam Ant, conocido por su liderazgo y voz solista al frente del grupo post-punk Adam and the Ants. En 1980 publicaron el álbum 'Kings of the wild frontier', un disco clásico de la 'new wave' con influencias glam, algo apartado de sus primeros trabajos. El disco es un éxito, así como el siguiente 'Prince Charming' (1981) con temas como 'Dog eat dog', 'Stand and deliver' y 'Prince charming'. En 1982 Adam debutó como solista con 'Friend and foe' con nuevos éxitos como 'Goody two shoes', 'Deutscher girls', 'Friend or foe' y 'Puss 'n' boots'. Su carrera continuó hasta 1995 ('Apollo 9', 1984; 'Room at the top', 1990 y 'Wonderful', 1995), año en el que se dedicó más a su carrera como actor de series de TV. En 2010 reactivó su carrera musical, grabando nuevo álbum (de aparición inminente) y realizando una gira por el Reino Unido. 

• El 3 de noviembre de 1943 nació en Glasgow el músico escocés Bert Jansch. Llamado el 'Jimi Hendrix de la guitarra acústica', Jansch grabó su álbum debut en 1965, y desde entonces publicó más de treinta álbumes. Fue miembro del grupo folk Pentangle y ha sido una gran influencia para músicos como Donovan, Nick Drake, Paul Simon, Jimmy Page o Neil Young. Descendiente de una familia originaria de Hamburgo que emigró a Gran Bretaña en la época victoriana, creció y se educó en Edimburgo, donde asistió a la Ainslie Park Secondary School. Siendo aún adolescente adquirió una guitarra y comenzó a frecuentar un club de folk local, The Howff, regentado por Roy Guest, donde empezó a conocer la música de Big Bill Broonzy, Pete Seeger, Brownie McGhee y Woody Guthrie. Tras un tiempo trabajando en un vivero, en agosto de 1960, decidió dedicarse enteramente a la música y los siguientes dos años anduvo actuando por los clubs y locales de folk del país. Entre 1963 y 1965 Jansch viajó por Europa haciendo auto-stop y ganándose la vida tocando en la calle o en pequeño locales. De vuelta en Londres graba en colaboración con el productor Bill Leader una cinta con su música, grabada en supropio apartamento y con una guitarra prestada. La cinta es vendida por 100 libras a Transatlantic Records, que sin producción adicional, publica el álbum 'Bert Jansch' (1965). El disco, que vende 150.000 copias, incluye uno de sus temas más conocidos, 'Needle of death' y la canción protesta 'Do you hear me now', que un poco más tarde popularizaría Donovan en su EP 'Universal Soldier. Llamado por muchos en los comienzos de su carrera el 'Dylan británico', Jansch publicó dos álbumes más a continuación que aparecieron muy seguidos: 'It don't bother me' y 'Jack Orion', ambos en 1966. Estos ya se grabaron en un estudio profesional y con medios de producción. 'Jack Orion', en el que ya contaba con colaboraciones de John Rebourn, contenía su arreglo del tema tradicional 'Blackwaterside', que Jimmy Page, de Led Zeppelin tomaría 'prestado' para su 'Black Mountain Side'. Transatlantic puso en marcha a sus asesores legales advirtiendo un posible caso de plagio y, aunque existían numerosas posibilidades de ganar un hipotético pleito, el sello discográfico desistió, ya que los posibles gastos de un proceso ante los tribunales contra Led Zeppelin podrían alargarse demasiado, teniendo además en cuenta que los tendría que sufragar Jansch personalmente. John Renbourn y Bert Jansch En Londres, Jansch entró en contacto con otros guitarristas acústicos innovadores, entre ellos, John Renbourn (con quien compartió apartamento), Davey Graham, Wizz Jones, Roy Harper y Paul Simon. Solían tocar en clubs londinenses como el Troubadour y Les Cousins. Renbourn y Jansch actuaban juntos a menudo, desarrollando su intrincado estilo conjunto con las guitarras, muchas veces denominado 'folk barroco'. John Renbourn, Danny Thompson, Terry Cox, Jacqui McShee y Bert Jansch  Ambos grabarían un álbum juntos, 'Bert and John' y poco después formarían parte de un quinteto llamado Pentangle, uno de los grupos folk de mayor éxito de los años sesenta. Junto con Renbourn, la cantante Jacqui McShee, y la sección de ritmo formada por el contrabajista Danny Thompson y el batería Terry Cox, Jansch compuso gran parte del mejor material de la banda, cantando la voz solista en ocasiones. Basket of Light (1969) Entre 1968 y 1973 grabaron seis álbumes, a destacar entre ellos, el doble 'Sweet Child' (1968) que contenía piezas en estudio y directo y su gran éxito comercial, 'Basket of light' (1969), gracias al single 'Light Flight'. Al año siguiente estaban en la cima de la popularidad en Gran Bretaña, apareciendo una docena de veces en la TV y realizando giras por el Reino Unio y EE.UU. que incluyeron sendas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Carnegie Hall. El éxito comercial de Pentangle no puso fin a la carrera en solitario de Jansch, que alternaba el trabajo con la banda con sus propias grabaciones. 'Nicola' (1967) fue un intento de comercializar su sonido con piezas más orientadas al pop y arreglos orquestales en cinco de sus doce temas. 'Birthday Blues' (1969), fue una entrega folk más consistente que sus trabajos anteriores y contaba con colaboraciones de sus compañeros de Pentangle; y 'Rosemary Lane' (1971) está considerado por sus seguidores uno de sus mejores trabajos. Rosemary Lane (1971) Pentangle, por su parte, tras el éxito de 'Basket of Light' publicó dos álbumes más que fueron un fracaso comercial. Esto, añadido a problemas con la discográfica y tensiones internas en el grupo que surgieron debido al stress de las giras, llevó a la disolución del grupo en enero de 1973. Bert, que se había casado en 1968 con la estudiante de arte Heather Sewell (hoy una famosa escultora británica, famosa por sus caballos construidos con leña y corcho), compró con ella una granja en Gales y se retiró del circuito musical. Heather inspiró varias de las canciones e instrumentales de Jansch. La más obvia, 'Miss Heather Rosemary Sewell', del álbum 'Birthday Blues'. Avocet (1979) Tras dos años de granjero, Jansch dejó a su esposa y retornó a la música. (Sin embargo, no se divorciaron oficialmente hasta 1988). Publicó el álbum 'A rare Conundrum' en 1977 con nuevos músicos: Mike Piggott, Rod Clements y Pick Withers. Con ellos formó la banda Conundrum añadiendo a Martin Jenkins (violín) y Nigel Smith (bajo) a la formación, con la que estuvo de gira por Australia, Japón y EE.UU. antes de disolverla. Realizó una gira por los países escandinavos y publicó uno de sus trabajos favoritos 'Avocet' (1979). Seguidamente abrió en Londres una tienda especializada en guitarras acústicas fabricadas artesanalmente, Bert Jansch's Guitar Shop. Tuvo que cerrarla a los dos años y a continuación pasó seis meses en EE.UU. donde grabó el álbum 'Heartbreak' (1982) con Albert Lee. A principios de los años ochenta el grupo Pentangle se reunió a instancias de un promotor italiano. Lograron -a pesar de ciertas dificultades como un accidente de automóvil poco antes de comenzar la gira del batería Cox, que se rompió una pierna por lo que tuvo que completar los últimos conciertos en silla de ruedas- lograron finalizar la gira por Italia, Australia y Alemania. Aunque Renbourn les dejó de nuevo tres años después, Bert y McShee aguantaron la banda con diferentes cambios en la formación hasta 1995, año en que Jantsch definitivamente dejó Pentangle, que continúa actuando como Jacki McShee's Pentangle. Jansch continuó publicando magníficos álbumes como 'Thirteen down' (1980), 'From the outside' (1985), 'When the circus comes to town' (1995), 'Toy Balloon' (1998), 'Crimson Moon' (2000) y 'The Black Swan' (2006), su última grabación. El año 2010 realizó una gira junto a Neil Young por Norteamérica y unos meses depués Jansch apareció en el festival Crossroads de Eric Clapton. A comienzos del 2011 hubo una reunión de Pentangle, con los que actuó en el Festival de Glastonbury y en el Royal Albert Hall. Esta sería su última aparición pública. Murió el 5 de octubre de 2011. La música de Jansch, particularmente su estilo a la guitarra acústica, ha influenciado a numerosos músicos muy conocidos. Su primer álbum, Bert Jansch (1965) despertó todo tipo de comentarios de admiración. Jimmy Page dijo en cierta ocasión: "Hubo un momento en el que estaba totalmente obsesionado con Bert Jansch. Cuando escuché su LP por primera vez, no lo podía creer. Estaba tan a años luz de lo que todos estábamos haciendo. Nadie en Norteamérica estaba a su altura". En ese mismo álbum estaba incluido el tema 'Angie', una de las piezas favoritas de Mike Oldfield, con la que practicaba su destreza a la acústica. Paul Simon grabó una versión -allí llamada 'Anji'-, que apareció en el álbum 'Sounds of Silence'. Tanto Nick Drake como Donovan admiraban su música y ambos realizaron versiones de sus canciones. Donovan además le dedicó dos de sus temas, 'Bert's Blues' (de su álbum 'Sunshine Superman' y 'House of Jansch', del álbum 'Mellow Yellow'). Para terminar, Neil Young dijo: "Así como Jimi Hendrix fue un guitarrista extraordinario, así lo es Jansch en la guitarra acústica... y además, mi favorito"

• El 3 de noviembre de 1933 nació en York (Inglaterra) el compositor de bandas sonoras británico John Barry, ganador de cinco premios Oscar, un Globo de oro y cuatro Grammys. Desde que en 1962 le fue encargada por los productores Albert Broccolli y Harry Saltzman 'arreglar' la partitura del tema para la primera película de la serie 'James Bond' que había iniciado el despedido Monty Norman, Barry escribió la música de once films más del agente 007 y con los años se convirtió en uno de los más grandes compositores de bandas sonoras de la historia. Su madre fue una mujer con gran talento musical y su padre un carismático irlandés, procedente de Cork, cuya profesión era proyeccionista de cine, llegando a poseer años más tarde varias salas de proyección en el norte de Inglaterra. Desde bien joven, a John le impresionaba el efecto de música que acompañaba a las imágenes en la pantalla y solía tomar notas acerca del buen o mal resultado de una u otra música en los films que visionaba. Aunque educado como pianista clásico, Barry también aprendió a tocar la trompeta y se interesó en los arreglos y la composición. Durante su servicio militar en Chipre se estrenó como músico en la banda del ejército. The John Barry Seven en 1959 En 1957, tras haber realizado un curso de jazz por correspondencia (del músico de jazz Bill Russo) y trabajar como arreglista en la orquesta de Ted Heath, formó su propia banda, The John Barry Seven, con los que obtuvo algunos éxitos en el sello Emi Columbia, como 'Hit and miss', un tema compuesto para el programa 'Juke Box Jury' de la BBC; una versión de 'Walk don't run' de los Ventures y una versión de 'Los siete magníficos', tema principal de la película homónima. 'Beat Girl' (1960) Lo intentó cantando, pero sus limitaciones pronto le hicieron decidirse por la música instrumental. Gracias a varias apariciones e por TV, sus crecientes ventas y la buena mano de su mánager, Eve Taylor, Barry consiguió al fin introducirse en la industría cinematográfica, componiendo su primera banda sonora en 1960 para el film 'Beat Girl', en el que el rock and roll desempeñaba un papel importante. Además la película sirvió para acrecentar la fama del cantante Adam Faith, protagonista del film. Su gran momento llegó cuando en 1962 le encargaron finalizar un tema musical que había compuesto Monty Norman para los productores de una película basada en una novela de Ian Fleming, 'James Bond contra el Dr. No'. Éstos, insatisfechos con el trabajo de Norman, le despidieron y llamaron a Barry para que finalizara el trabajo. El resultado fue uno de los temas musicales para el cine más famosos de la historia, 'James Bond Theme'. Aunque el trabajo de Barry transformó notablemente la pieza de Monty Norman, y figuró como compositor del tema, Monty consiguió treinta años después que un juzgado londinense le concediera los plenos derechos de autor. A partir de aquí, John Barry colaboró y compuso música hasta 1987 para once de las siguientes catorce películas de la serie 007, como 'Goldfinger' (1964), en la que aparecía por primera vez el 'sonido Bond', basado en arreglos jazzísticos, la utilización de los instrumentos de viento-metal en las escenas de acción y cierto toque de sensualidad. La canción principal, con letra de Anthony Newley y Leslie Bricusse, fue ofrecida a Shirley Bassey, que consiguió con ella uno de los mayores hits de su vida artística. Barry volvió a recurrir a su voz en 'Diamantes para la eternidad' (1971) y 'Moonraker' (1979). Para 'From Russia With Love' creó un nuevo tema insignia para Bond, alternativo al famoso 'James Bond Theme', llamado '007', que repetiría en sucesivas entregas. En 'Al servicio secreto de su Majestad' (1969) se utilizó por primera vez un sintetizador en una banda sonora. Paralelamenta a su maduración como compositor, en las películas de 007 se concentraría más en las melodías exóticas y en el aspecto sinfónico dejando un poco de lado el uso de los metales, como se observa en las bandas sonoras de 'Moonraker' (1979) y 'Octopussy' (1983). Su última colaboración en la serie fue '007: Alta tensión' (1987). A pesar de las numerosas ofertas recibidas, nunca volvió a musicar al agente 007. Memoriuas de África (1985) El salto a Hollywood fue definitivo en su carrera. Se convirtió entre 1962 y 1974 en uno de los más solicitados compositores para el cine, obteniendo cinco estatuillas Oscar y cuatro premios Grammy, entre muchos otros, por sus trabajos en films como 'Nacida Libre' (1966), 'El león en invierno' (1968), 'Midnight Cowboy' (1969), 'Cotton Club' (1984), 'Memorias de Africa' (1985) o 'Bailando con lobos' (1990). Otros trabajos notables fueron 'King Kong' (1976), 'The Deep' (Abismo, 1977), 'The black hole' (El abismo negro, 1979), 'Body Heat' (Fuego en el cuerpo, 1981) y 'High road to China' (La gran ruta hacia China, 1983). Los Persuasores (1971-7 También compuso para series de TV, como 'Los Persuasores' (1971), serie protagonizada por Tony Curtis y Roger Moore, muy popular en España. Barry escribió asímismo música para la escena, como los musicales 'Lolita, my love' (1971), con letra de Alan Jay Lerner y basado en la novela de Nabokov, 'Billy' (1974) y 'The little princess and the aviator' (1981), ambas con letras de Don Black. Sólo 'Billy' cosechó cierto éxito en el West End londinense. Bailando con Lobos (1990) A mediados de los años setenta -acosado por el fisco británico- se trasladó primero a España y más tarde a EE.UU, donde se estableció en Hollywood. Posteriormente se mudaría a la coste Este en Oyster Bay, en las cercanías de Nueva York. En 1988 Barry sufrió varias intervenciones quirúrgicas, debido a una perforación de esófago, que lo mantuvieron alejado más de dos años del trabajo. Volvió en 1991 con 'Bailando con lobos', por la que obtuvo su última estatuilla. John Barry recibe su Oscar por 'Bailando con Lobos' de manos de Kim Basinger y Alec Baldwin en la ceremonia de los Oscar en 1990 En la década de los años noventa, la mentalidad en el mundo de Hollywood cambió radicalmente y su música, así como la de otros autores como Maurice Jarre o Elmer Bernstein dejó de interesar al público y se retiró un tiempo. El año 2004, Barry retomó un proyecto antiguo de un musical basado en la obra de Graham Greene, 'Brighton Rock'. Terminó la obra junto con el letrista Don Black y el musical se estrenó en otoño de 2004 en el teatro Almeida de Londres. Las críticas fueron muy adversas y tras unas pocas representaciones, fue retirada del cartel. En los últimos años se pudo ver a John Barry asistiendo a numerosos homenajes y tributos a su persona, como el concierto celebrado en Dublin en junio de 2008 en el que se interpretaron sus mejores obras. A posteriores celebraciones en honor del compositor británico, celebradas en Viena (2009) y Ginebra (2010), no le fue posible asistir debido a su mal estado de salud. John Barry murió de un infarto el 30 de enero de 2011 a los 77 años. Cinco meses después se celebró un concierto en su memoria en el Royal Albert Hall en el que participaron la Royal Philarmonic Orchestra, Shirley Bassey, el trompetista Derek Watkins, así como George Martin, Don Black y otros artistas y personalidades que tuvieron relación con él.

• El 3 de noviembre de 1801 nació en Catania, el último representante del “bel canto” que tuvo un destacado papel en la unidad musical de Italia, Vincenzo Bellini. Sabía situar sus mejores melodías tan perfectamente en la garganta humana que todo cantante auténtico deseaba interpretarlas y poseía el don maravilloso de la melodía pura, uno de los más raros regalos de la inspiración. Vincenzo Bellini Vivió en un ambiente familiar donde el padre y el abuelo eran músicos, Vincenzo Bellini estudió desde niño el bello arte de los sonidos. Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno, contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli, que le nombró, como premio, «maestrillo», título que permitió a Bellini ocupar una habitación individual en el Conservatorio y le otorgó una libertad de acción mayor que la concedida a sus compañeros. Bellini continuó progresando en su formación musical y publicó sus primeras composiciones; se trata de obras religiosas y canciones; a los 20 años escribió una sinfonía y la cantata “Ismene”. Sus músicos preferidos, a cuyo estudio se dedicó, fueron Haydn y Mozart y en el campo de la ópera admiró a Rossini, pero prefería la obra de Pergolesi. En 1825, seis años después de su ingreso en el Conservatorio napolitano, los alumnos de este centro interpretaron la primera ópera de Bellini, “Adelson e Salvini”, compuesta sobre un libreto de Tottola al que anteriormente había puesto música Fioravanti. La obra posee momentos de gran belleza en los que aparece la inconfundible vena melódica belliniana, como en el aria “Dopo l'oscuro nembo” (Nuccia Focile & Philharmonia Orchestra) o también el aria de Salvini "Ecco signor, la sposa” (José Carreras, tenor). Teatro San Carlos de Nápoles El éxito de su primera ópera le valió a Bellini un encargo del teatro San Carlos de Nápoles para la temporada siguiente. La obra, con libreto de Domenico Gilardoni, fue "Bianca e Fernando" (Youngok Shin, soprano) una historia siciliana con un tirano usurpador y los dos hijos -que dan título a la ópera- del destronado duque, que al fin rescatan a su padre y lo restituyen en sus derechos ayudados por el pueblo de Agrigento. La ópera se estrenó el 20 mayo de 1826 con el título de "Bianca e Gernando", ya que la censura no permitía que la obra llevase el nombre de un soberano de Nápoles. El aria "Sorgi, o padre" (Mirella Freni & Renata Scotto) que canta Bianca en el segundo acto contiene una hermosa melodía en la que puede advertirse la esencia del aria belliniana, la pureza de la línea cantabile y el ámbito melancólico de la expresividad que alcanza momentos muy emotivos. El paso siguiente en la carrera de Bellini habría de ser decisivo. El empresario de la Scala de Milán, Domenico Barbaja, le encargó una ópera para la temporada de 1827. Bellini compuso "Il Pirata", sobre libreto de Felice Romani, autor con el que colaboraría en sus ópera siguientes. Il Pirata : -"Col Sorriso D'innocenza " (Renée Fleming, soprano); " Io vivo ancor…Nel furor delle tempeste” (Alfredo Kraus, tenor). Vincenzo Bellini Romani se basó en "Bertram" de Charles Maturin, estrenada en 1816, una pieza que tenía todos los ingredientes propios del romanticismo más exaltado: un amor adúltero, un héroe al margen de la ley pero noble y valiente, una heroína que pierde la razón y un final trágico. Felice Romani escribió un libreto en el que conservó la esencia del drama original pero alteró las situaciones, redujo los personajes y adaptó los versos para que Bellini pudiese verter en ellos las excelencias de su prodigiosa vena melódica. "Il Pirata" es una ópera de gran amplitud, con importante intervención coral, teatralidad convencional pero efectiva y, sobre todo, un lenguaje operístico innovador y anticipatorio de la línea que iba a seguir el melodrama italiano. Giuditta Turina El éxito fue extraordinario y extendió la reputación de Bellini por toda Italia. Las consecuencias fueron muy importantes también para su vida privada. Se estableció en Milán y entró a formar parte de la crema de la sociedad milanesa. Los principales salones de la aristocracia, los de la princesa Belgioioso, la duquesa Litta o la condesa Appiani le abrieron sus puertas. De esta época data también su relación amorosa con Giuditta Turina, esposa de un acaudalado comerciante y terrateniente. En una carta fechada en septiembre de 1828 dirigida a un amigo le dice: "Giuditta es una maravillosa mujer, muy rica y con todas las cualidades que la hacen deseable para cualquier hombre sensible. Desde que me ha conocido no asiste ya a fiestas y su único deseo es estar conmigo; creo que me ama verdaderamente. Cuando estamos juntos nos encontramos en perfecta armonía y ya no necesito ir, como hasta ahora, de una belleza en otra. Soy muy feliz". Si las obras de ese período -“La straniera”, febrero de 1829; “Zaira”, mayo del mismo año - son composiciones inmaduras, con residuos todavía de otros modelos, sin definición de estilo y desiguales, no cabe culpar de ello a su actividad amorosa, mientras que sí parece probado que la naturaleza de Bellini no pudo resistir tanta búsqueda de personalidad en el trabajo y de placer en las mujeres y enfermó en la primavera de 1830. Bellini tuvo poco tiempo para componer “I Capuletti e i Monetcchi”, poco menos de dos meses. Si se tiene en cuenta la fama de lento que tenía, sorprende que lo pudiera conseguir. El secreto está en que aprovechó piezas de otra ópera suya que había fracasado con anterioridad, Zaira. Las adaptó, las rehizo y el resultado fue una ópera que triunfó de manera contundente en su estreno veneciano. Felice Romani, el libretista de Bellini para esta ópera, se inspiró en las narraciones de Luigi Da Porto y de Matteo Bandelli, sobre el drama de Romeo y Julieta pero mucho menos en el drama shakesperian. “Capuleti e i Montecchi”, Dueto (Anna Netrebko, soprano & Joyce DiDonato, mezzo), Aria de Giuletta "Oh, quante volte" (Anna Netrebko, soprano), “Se Romeo l'uccise un figlio / La tremenda ultrice spada” (Anna Netrebko, soprano & Elina Garanca, mezzo) fue estrenada en Venecia en 1830, en España lo hizo en 1832. Bellini se debatió varios días entre la vida y la muerte, superó diversas crisis y, tras un período de convalecencia en Moltrasio, regresó a Milán. El manantial inagotable de melodías purísimas presente en el impulso lírico de Bellini se desbordó en 1831 con el estreno de “La sonnambula” , ópera en dos actos con libreto de Felici Romani, basado en un argumento de Eugène Scribe para un ballet-pantomima de Jean-Pierre Aumer "La Somnambule ou l'Arrivée d'un nouveau seigneur". Obtuvo un gran éxito que logró eclipsar el que había alcanzado su más inmediato rival, Donizetti, con el estreno, unos meses antes, de 'Ana Bolena'. En el argumento, Amina, la protagonista, se lamenta por la pérdida de su amado Elvino, quien la ha abandonado por una combinación de celos y malentendidos. Amina es sonámbula, y en uno de sus episodios, se dirigió hasta la habitación de un joven y amaneció allí dormida, en esa cama ajena, pero con total ingenuidad. Enterado del hecho (aunque sin conocer toda la verdad), Elvino la desprecia, y ella no comprende por qué. “Acto 1, escena 1” (María Callas, soprano); Elvino y Amina - "Prendi, l'anel ti donno" (Cecilia Bartoli - Amina, Juan Diego Florez – Elvino); “Aria” Acto 2 (Anna Netrebko, soprano); El libretista Felice Romani El final del segundo acto muestra a Amina nuevamente como sonámbula caminando por una peligrosa cornisa, a la vista de todo el pueblo y del propio Elvino, quien la escucha cantar su célebre versos "Ah! non credea mirarti… Ah! non giunge” (Cecilia Bartoli), mientras ella acaricia con sus manos un antiguo ramo de flores ahora marchitas. Pocos momentos después, todo el enredo se soluciona y, ahora despierta y abrazada a su amor, Amina canta “Ah! Non giunge”, desbordante de felicidad. La obra parece reflejar la dulce calma de los paisajes lombardos que tan beneficiosos fueron para el artista enfermo, al tiempo que se da en ella la gran eclosión del arte belliniano con una madurez adquirida casi repentinamente. En la música de “La sonnambula” está ya abiertamente expuesta la personalidad del músico, cuya inspiración se traducirá en unas melodías dulcísimas que exigen un canto puro, elegíaco, un estado de gracia insólito para recrear el candor y la delicadeza expresiva de unos sonidos surgidos espontáneamente del alma ingenua y enamorada de Bellini. La frase "Ah! non credea mirarti / Sì presto estinto, o fior" del aria "Ah! non credea mirarti" de La sonámbula está inscrita en la tumba de Bellini en la catedral de Catania, Sicilia. Giuditta Pasta Poco menos de un año transcurrió hasta la llegada de la gran obra maestra. El 26 de diciembre de 1831, en La Scala de Milán, con un reparto en el que figuraban Giuditta Pasta, Giuditta Grisi, Domenico Donzelli y Vincenzo Negrini, se estrenó la tragedia lírica en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani “Norma”, con un fracaso atribuible sólo a causas ajenas a la valía artística de la ópera: las intrigas de la bella condesa rusa Samoyloff, amiga de Giovanni Pacini, el más claro adversario de Bellini, que tenía también anunciada una ópera en el mismo teatro, surtieron el efecto buscado. No obstante, el compositor no se afectó demasiado, convencido de que su ópera, a cuya gestación no había sido extraña Giuditta Pasta, tenía suficientes méritos para triunfar: «Soy joven y siento en mi alma la fuerza necesaria para tomar revancha.» Los éxitos de las cuarenta representaciones sucesivas de la ópera fueron para Bellini cumplido desquite. Musicalmente, “Norma” (Maria Callas, soprano) se caracteriza por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas e intensamente emocionales. Entre los fragmentos inolvidables de esta ópera, quizá 'Casta diva' sea el aria de soprano más conocida de toda la historia de la música.

Acontecimientos del mundo de la música

Nacimientos
1801: Vincenzo Bellini, compositor italiano.
1933: John Barry, compositor británico de música de cine (f. 2011).
1943: Bert Jansch, músico escocés.
1948: Amapola Cabase, cantante filipina.
1948: Lulu, cantante británica.
1952: Jim Cummings, actor de voz estadounidense.
1954: Adam Ant, músico inglés (Adam and the Ants).
1967: Steven Wilson, músico inglés (Porcupine Tree).
1969: Robert Miles, productor, compositor y músico suizo.
1973: Sticky Fingaz, actor y rapero estadounidense.
1973: Mick Thomson, músico estadounidense (Slipknot).
1973: Lisset, actriz y cantante mexicana
1977: Mcoy Fundales, cantante filipino de Orange and Lemons.
1979: Tim McIlrath, músico estadounidense (Rise Against).
1981: Travis Richter, guitarrista estadounidense (From First To Last).
1982: Raquel del Rosario, cantante española de El Sueño de Morfeo.
1984: Ryō Nishikido, cantante y actor japonés.
1988: Bárbara Sepúlveda, cantante chilena de Kudai.

Fallecimientos
1911: Salvador Giner Vidal, compositor español.
1913: Hans Bronsart von Schellendorff, pianista, director de orquesta y compositor alemán (n. 1830).
1990: Mary Martin, actriz y cantante estadounidense.
1992: Armando Tejada Gómez, poeta y folclorista argentino.
1995: Isang Yun, compositor coreano.
2002: Lonnie Donegan, músico británico.
2006: Paul Mauriat, director de orquesta francés.
2010: Rubén Basoalto, baterista argentino de Vox Dei (n. 1947).
2011: Flattus Máximus (Cory Smoot), guitarrista estadounidense (Gwar).

Celebraciones y conmemoraciones en general
Ecuador: Independencia de Cuenca.
Micronesia: Día de la Independencia.
Panamá: Separación de Panamá de Colombia.

1903 - José Luis Rancallo estrenó el tango "El Choclo", anunciado como danza criolla (Según Enrique Puccia).
Acuña, Carlos Intérprete. Nació en Buenos Aires el 3 de Noviembre de 1914. Comenzó su carrera en la década del ´30. Su especialidad fueron las imitaciones. Luego de un breve periodo como solista se incorporó a la orquesta de Rodolfo Biagi. Años mas tarde se desempeñó como vocalista de Mariano Mores. Compuso los tangos "Al poeta del suburbio" y "Un boliche". Su línea es de neta raíz gardeliana.

Lenzi, Carlos César Compositor. Nació el 3 de Noviembre de 1895 en Montevideo, Uruguay. Autor del famoso tango "A media luz", con música de Edgardo Donato. Otros tangos suyos son: "Si yo no supe querer", "Adiós arrabal", "Araca Paris" y "Noches de Montmartre". Falleció en junio de 1963.

Martinelli Massa, Jerónimo Compositor. Autor de los temas: "Diablito", "Hay que aclarar", "Bigotito", "Primavera" y "Rey de copas" en colaboración con Ismael Aguilar. Falleció el 3 de Noviembre de 1955.

FUENTE:
http://www.m80radio.com/
http://efemeridesdelamusica.blogspot.com.ar/
http://www.ideasnopalabras.com/

GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de  un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió  su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje,  al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.

Un día como hoy, 2 de noviembre, en el año...

• 1961 Nace K.D.Lang  Desgraciadamente, a veces pesan más, en positivo o en negativo, aspectos ajenos a lo meramente artístico que el trabajo y la calidad de los intérpretes. Ese es el caso de la cantante y compositora canadiense Kathrin Dawn Lang que tuvo su mayor momento de gloria, o de lo que fuese, cuando posó para la portada de la revista Vogue mientras su amiga Cindy Crawford fingia afeitarla. Esa proclamación de su condición sexual, que no de la de la modelo, causó un verdadero escándalo en los EE UU. No así en Canadá, con una sociedad mucho más tolerante que la de su vecino del sur, enferma de puritanismo. KD Lang nació en Alberta, Canadá, el 2 de noviembre de 1961 y creció queriendo parecerse a esa mujer a la que escuchaba continuamente: Patsy Cline. Quizá por eso, en el instituto, escribió y montó una obra de fin de curso basada en la vida de su mito. Y quizá también por eso a su primer grupo, aquel que hacía esa mezcla extraña entre country y punk, lo llamó “The Recliners”. Con ese grupo y un par de discos casi artesanales logró llamar la atención de una compañía estadounidense, con la que, suavizando su estilo, no su rebeldía, consiguió hacerse un sitio en el cerrado mundo del country. Así gano dos grammys sucesivos a la mejor intérprete del género, en 1988 y 1989, algo que repetiría en 1992, esta vez en la categría de mejor cantante pop. Por si fuera poco, al año siguiente firmó junto a Ben Mink la banda sonora de la película “Even cowgirls get the blues”. En 1997 en plena fiebre antitabaco lanzó un álbum, “Drag” en el que el hábito de fumar o el humo eran el asunto central de las canciones. Al principio de su carrera, KD Lang recibió el apoyo, de Roy Orbison. Un apoyo que se multiplicó con el de los que siempre han sabido compartir estudio y escenario con quienes tienen algo que aportar. En los últimos tiempos ha sido Tony Bennet quien ha querido unir su voz a la que considera una de las mejores del mundo en el álbum “A wonderful world”. Lesbiana y vegetariana militante en un territorio eminentemente ganadero, KD Lang ha conseguido, pese a todo, ser distinguida con el título de oficial de la Orden del Canadá, a cuya música ha dedicado uno de sus mejores discos “Himnos del paralelo 49”. 

• 1985 'Part-time lover', nº 1 de Billboard La canción era un tema de Stevie Wonder que se incluía en el álbum In square circle(1985), un trabajo en el que el cantante había estado enfrascado durante cinco años. En el disco se recogían además otros títulos como Overjoyed y I love you too much. Pero además, con este nº 1, Stevie Wonder se convirtió en el primer artista en colocar un mismo single en cinco listas diferentes: el Billboard Hot 100, la lista Hot Black Singles, la Hot Adult Contemporary, la Hot Dance/Disco Club y en la Hot Dance/disco 12-inch Singles.

• 2000 Whitney Houston se enfrenta a una sentencia por posesión de marihuana Un día como hoy de 2000, los abogados de la popular cantante comparecieron ante la corte de Hawai para defender a la diva de los cargos de posesión de marihuana que se le habían imputado meses antes, en enero de 2000. Whitney Houston fue retenida en el aeropuerto internacional de Keahole-Kona de Hawai. Finalmente el juez decidió que el caso quedaría sobreseído en tres meses si durante ese tiempo Houston no se metía en problemas. Ya antes, y desde este momento mucho más, la coquetería de la diva con las drogas había sido más que comentada.

• 1981 'Private eyes', nº 1 de Billboard La canción era un tema de Daryl Hall & John Oates (Hall & Oates), que se incluía en el álbum del mismo nombre. Si ya con Voices, el disco que precedía a este trabajo, el dúo se adentró y acopló su estilo que fusionaba los sintetizadores con el llamado sonido filadelfia, con Private eyes consolidó su continuidad en el panorama musical de la década de los 80. Además de este nº 1 en cuestión, el álbum incluía otro éxito que respondía al nombre de I can't go for that (no can do). Un año después llegó H20 (1982), que sobrepasó el éxito, al menos comercialmente hablando, de los anteriores trabajos del grupo, sobre todo gracias a temas como Maneater y Family man, versión del clásico de Mike Oldfield.

• Hoy cumple 71 años el cantante de pop-rock británico Brian Poole, nacido en Barking (Essex). Fue el cantante solista en la primera etapa del grupo The Tremeloes. Brian Poole & the Tremeloes fue el grupo que audicionó en 1962 junto a los Beatles para los ejecutivos de Decca, que estaban buscando un grupo 'beat'. Finalmente eligieron a Poole y su grupo y los cuatro de Liverpool terminaron fichando por Parlophone (EMI). Brian Poole and the Tremeloes  La elección no fue del todo mala, pues The Tremeloes, con o sin Brian Poole, fue un grupo de bastante éxito en el Reino Unido, pero los responsables de aquella decisión seguro que lo estuvieron lamentando el resto de sus vidas. Brian Poole grabó varios singles con el grupo que alcanzaron el top10 británico como 'Do you love me', 'Twist and shout' (1963), 'Candy Man' y 'Someone someone' (1964)  Poole, seguro de su éxito, en 1966 se lanzó en solitario. Iba a ser la alternativa a nuevos cantantes como Tom Jones. Pero cuando todo parecía indicar que tras su marcha el grupo se disolvería, ocurrió lo inesperado: la carrera de Poole fracasó estrepitosamente y The Tremeloes siguieron grabando obteniendo en 1967 tres discos de oro por 'Here comes my baby', 'Silence is golden' y 'Even the good times are good'. Brian Poole y Electrix También cumple años hoy (66) el bajista de la banda, Chip Hawkes. The Tremeloes siguen hoy en día actuando en shows nostálgicos, interpretando sus viejos éxitos, a menudo acompañados por Brian Poole, que hace unos años volvió a los escenarios al circuito europeo de 'oldies', compartiendo escenario con otras estrellas de los sesenta como Reg Presley de los Troggs, Mike Pender de los Searchers y Gerry Marsden de Gerry & the Pacemakers. Asímismo Poole actúa con su propia banda Electrix. 

 

• 68 años cumple hoy el compositor y teclista británico Keith Emerson, nacido en Todmorden (Inglaterra). De formación clásica, cuando escuchó 'Rock Candy' del organista de jazz Jack McDuff, decidió que el Hammond sería su instrumento principal. Considerado uno de los mejores teclistas de rock progresivo de su generación, ha formado parte de The Nice (1967-1970), Emerson, Lake & Palmer (1971-1979, 1991-1998) y Emerson, Lake & Powell (1985-1986). Ya con 14 años Keith era conocido en su ciudad natal gracias a su talento con el piano, antes de que se trasladara unos años más tarde a Londres, donde buscó abrirse camino en el mundillo del rock. Perteneció a grupos como los V.I.P.s (futuros Spooky Tooth) o Gary Farr and the T-Bones. En esa época sus mayores influencias musicales eran los músicos de jazz Fats Waller, Oscar Peterson, Dave Brubeck, Jack McDuff y Big John Patton, así como clásicos como Bach, Copland, Schostakowitsch, Béla Bartok o Alberto Ginastera. A comienzos de 1967 entró a formar parte de un grupo creado para acompañar a la cantante de soul norteamericana P.P. Arnold, que había logrado tener más éxito en el Reino Unido que en su país natal. Tras acompañarla durante el verano, la banda -que ya se había ganado una reputación por sí sola-, decidió seguir como grupo y en octubre del mismo año nace The Nice con Keith Emerson a los teclados, el cantante y bajista Lee Jackson, el batería Brian Davison y el guitarrista David O'List.  En sus temas fusionaban géneros como jazz, blues y rock con elementos de la música clásica. Considerados por muchos el primer grupo de rock progresivo de la historia, en 1967 publican el álbum 'The thoughts of Emerlist Davjack' (Los pensamientos de 'Emerlist Davjack', pseudónimo creado combinando los apellidos de los músicos). El álbum contiene principalmente temas de blues-rock psicodélico, pero ya se vislumbraban elementos más ambiciosos en su música, como el arreglo de 'Blue Rondo a la turk' de Dave Brubeck, que en su caso llamaron simplemente 'Rondo', cambiando la medida del original 9/8 a un 4/4. Para su segundo single, The Nice creó un arreglo de 'America' de Leonard Bernstein, que Emerson describió como "la primera canción protesta instrumental". No sólo usaron la pieza de 'West Side Story', también incluyeron fragmentos de la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorák. El tema concluye con un niño (según la biografía de Emerson se trata del hijo de tres años de P.P. Arnold) pronunciando las palabras: "America está preñada de promesas y expectativas de ilusión, pero es asesinada por la mano de lo inevitable". Una desafortunada portada mostrando a los miembros de la banda con niños sentados en sus rodillas, cuyas cabezas habían sido sustituidas por las de John y Robert Kennedy y Martin Luther King, y la protesta de Leonard Bernstein, manifestando que nadie le había pedido permiso para hacer una versión de su tema, aconsejaron no editar el disco en EEUU. Keith y sus sintetizadores Cuando Emerson escuchó el álbum 'Switched on Bach' de Wendy Carlos, en el que introdujo el sintetizador 'Moog', también él comenzó a experimentar con el nuevo instrumento electrónico inventado por Robert Moog. Fue uno de los primeros músicos de rock en incorporarlo a sus actuaciones. El segundo álbum del grupo, 'Ars Longa Vita Brevis' (1968) ya pondría de relieve la faceta de acercamiento al canon clásico desde el rock. Para ello optan por dos vías claramente diferenciadas: por un lado se incluye una versión del 'Intermezzo' de la suite Karelia, op.11, del compositor finlandés Jean Sibelius (1893); por el otro, la monumental pieza 'Ars longa vita brevis', concebida como obra-concerto para grupo y orquesta (con la ayuda del director Robert Stewart) y dividida en 4 movimientos, más un preludio y una coda e incluyendo un arreglo del Allegro Moderato inicial del Concierto de Brandenburgo Nº3 de Johann Sebastian Bach (1721). Davison, Jackson y Emerson Por otro lado, Dave O’List se marcha del grupo a poco de iniciarse la grabación quedando así configurada la estructura clásica de trío, preludiando ya lo que será ELP y con el protagonismo absoluto de Emerson. 'Daddy Where did I come from?', 'Little Arabella' y 'Happy freuds' continúan la tónica psicodélica del trabajo anterior aunque con mayor profundización en los registros jazzísticos y blueseros marcados por el piano de Emerson. Keith comenzó en ésta época a labrarse su fama de showman sobre el escenario que le valdría el apodo de el 'Jimi Hendrix del órgano'. Inspirado por Jerry Lee Lewis y Don Shinn, (organista de los Soul Agents, un grupo en el que militó Rod Sewart), se subía encima del teclado y lo tocaba del revés, lo maltrataba violentamente, clavaba cuchillos entre las teclas para mantener sostenida una nota y prendía fuego a objetos a su alrededor, incluida -en una actuación en el Royal Albert Hall-, una bandera estadounidense, lo que casi provocó un conflicto diplomático internacional. En 1969 publicaron su tercer álbum, 'Nice', pero fue su siguiente trabajo 'Five Bridges' (1970) la que ha sido considerada su obra maestra. Fue un encargo del comité del Festival de las Artes de Newcastle haciendo referencia a los cinco puentes existentes en la ciudad sobre el río Tyne (desde entonces se han construido dos más). Five Bridges Suite (1970) 'Five bridges' es una composición de Keith Emerson a modo de Suite para grupo y orquesta (algo que ya habían experimentado previamente). Fue grabada e interpretada en directo en el Fairfield Hall de Croydon, sala habitual de numerosas grabaciones orquestales de la BBC, preludiando claramente montajes como 'Pictures at an exhibition' por EL&P. La orquesta elegida fue la London Symphony Orchestra dirigida por Joseph Eger. Además de la 'suite', el disco se completó con las interpretaciones en directo de 'Intermezzo Karelia Suite' para grupo y orquesta (que ya había sido grabada en el disco 'Ars longa vita brevis' de 1968 sin orquesta) y de 'Patethique (Symphony Nº6 3rd movement)', del compositor ruso Tchaikovsky, original de 1893, en versión para grupo y orquesta. Elegy (1971)  Los otros temas son un medley tan explosivo como 'Country Pie', de Bob Dylan con el Allegro inicial del Concierto de Brandenburgo Nº 6 de J.S. Bach, como interludio instrumental central, mientras que 'One of those people' es una canción con tintes psicodélicos y mucho trabajo de Hammond. Estos dos últimos temas fueron publicados en single ese mismo año. Sin embargo, la falta de éxito comercial llevó a la disolución de la banda, que ofreció su último concierto en marzo de 1970 en Berlin. Tras la ruptura se publicó un nuevo álbum, 'Elegy' (1971), que contenía diferentes versiones de temas ya publicados anteriormente por The Nice. Este álbum constituirá un interesante legado de buen material del grupo en estudio (con la versión del 'My back pages' de Bob Dylan) y en directo. Fue grabado entre los últimos meses de 1969 y los primeros de 1970, siendo su material seleccionado por Jackson y Davison, sin la participación de Emerson. Greg Lake, Keith Emerson y Carl Palmer  Cuando apareció 'Elegy', Emerson se encontraba ya inmerso en su siguiente proyecto. Hacía unos años que conocía a Greg Lake, en aquel momento bajista de King Crimson, con el que coincidía en gustos musicales y cuyos estilos parecían complementarse. Con la idea de formar un trío de teclados/bajo/batería, emprendieron la búsqueda de un batería. El primer elegido fue Mitch Mitchell, pero cuando éste se presentó a la audición acordada armado y rodeado de guardaespaladas, la elección definitiva recayó en Carl Palmer, entonces con Atomic Rooster. Emerson, Lake & Palmer  Jimi Hendrix, que había oido los trabajos de Emerson, estuvo interesado en hacer una jam con ellos. En eso quedaron cuando coincidieron en el Festival de Wight, pero Hendrix murió 26 días más tarde, por lo que un hipotético supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer), no llegó a materializarse. Su álbum 'Emerson Lake & Palmer' incluía su primer single, 'Lucky Man', un tema de Greg Lake escrito a los doce años, quizás el primer tema con un solo de moog que entró en las listas y que se incluyó en el álbum más por rellenar que por otra cosa. El éxito tomó al grupo por sorpresa, sobre todo a Emerson, que participó en ella a regañadientes. 'Knife edge' estaba basada en la Sinfonietta de Janacek con una parte central instrumental que recuerda a la suite francesa en Re menor BWV 812 de Bach, tocada en un órgano en vez de un clavicordio o piano. El segundo trabajo, 'Tarkus' fue su primer álbum conceptual descrito como una historia acerca de la 'evolución inversa'. El lanzamiento coincidió con la inauguración en Oslo de la Conferencia Internacional de Crímenes de Guerra y el armadillo/tanque de la portada apoyaba el mensaje que contenía el álbum acerca de la inutilidad de las guerras y la hipocresía de las religiones. Tarkus (1971) El tema principal, una 'suite' rock de siete partes que ocupaba una cara del vinilo y se grabó en solo cuatro días, contenía medidas complejas (como 10/8) y giros sonoros sorprendentes. Emerson recordaba en una entrevista: "Carl estaba muy obsesionado por utilizar ritmos diferentes. Me dijo que le gustaría hacer algo en 5/4 y le dije que lo tendría en cuenta y emepecé a escribir Tarkus a partir de ahí. Greg no estaba muy seguro al respecto. Le parecía demasiado raro. Pero accedió a intentarlo, y después le encantó". La apertura de la obra se caracteriza por teclados como sirenas y descargas de percusión entre 'Tarkus' y tres adversarios (desarrolladas en el melancólico 'Stones of years', 'Iconoclast' y el díscolo 'Mass') antes de ser derrotado por el malvado 'Manticore' de la mitología persa (órgano de iglesia y batería sinfónica). Esas batallas terminan con 'Eruption' (sintetizadores, Hammond y moog de Emerson, combinados con los explosivos toques de Palmer), y después el veloz 'Battlefield' y el dramático 'Aquatarkus'. La segunda mitad aporta un ligero alivio con el honky tonk 'Jeremy Bender' y el rockero 'Are you ready, Eddie?'. 'Bitches Crystal' e 'Infinite Space' son jazzísticos, 'The only way' se inspira en Bach y 'A time and a place' es un desenlace sincopado  Pictures at an Exhibition (1971) Emerson Lake & Palmer habían presentado su versión rock de la obra 'Pictures at an exhibition' del compositor ruso Modeste Mussorgsky en el Festival de Wight de 1970. Disfrutaron tanto de la experiencia que el mes de marzo siguiente grabaron una actuación en el City Hall de Newcastle, con la intención de lanzar un álbum. La casa discográfica, escéptica ante su publicación para el mercado pop, no lo sacó al mercado hasta que comprobaron el éxito de 'Tarkus'. 'Pictures at an exhibition' salió a la venta con un precio reducido de 1,49 libras, lo que ayudó a la difusión y popularidad del grupo. Hay cuatro cortes que no tienen que ver con la obra de Mussorgsky: 'The Sage', composición de Lake; 'Blues Variation', un veloz tema inspirado en un blues; el rockero 'The curse of Baba Yaga' y 'Nutrocker', inspirada en una pieza del ballet 'Cascanueces' del ruso Pyotr Tchaikovsky. En 1972 se publicó 'Trilogy', el álbum favorito de los músicos y que contenía su single más vendido, 'From the beginning'. Otro tema contenido en 'Trilogy', fue una versión de 'Hoedown', parte de la obra 'Rodeo' de Aaron Copland. Brain Salad Surgey (1973) El éxito de la banda cosechado hasta ese momento les permitió emprender giras internacionales que tras 'Brain Salad Surgery' -cuyo diseño de portada corrió a cargo de H.R.Giger-, se hicieron cada vez más multitudinarias, logrando en 1974 superar a Deep Purple como cabezas de cartel en un show conjunto. Para su cuarta entrega contaron con la colaboración de Peter Sinfield, que ayudó a Lake con las letras. Destacaron los temas 'Karn Evil 9', una pieza de 30 minutos en tres movimientos, que contiene la frase "Welcome back my friends to the show that never ends...", con la que abrían sus últimos shows, 'Jerusalem', una adaptación del himno de Hubert Parry y 'Still... you turn me on', un tema característico de Greg Lake con la guitarra acústica Keith Emerson no estuvo exento de críticas en su época de EL&P: "esa forma prepotente de darse importancia hizo que EL&P se transformara en muy pocos años de un grupo muy interesante y tremendamente prometedor a la definición del exceso masturbatorio musical y el autoensalzamiento" , escribía John Kelman. Se tomaron entonces un periodo sabático de tres años para reinventar su propuesta musical, pero EL&P habían perdido la perspectiva de la cambiante escena musical. Se publicaron los álbumes 'Works Vol 1' un doble álbum en el que cada uno de los miembros daba rienda suelta a su creatividad en una de las caras del álbum, concluyendo en una cuarta común, y 'Works Vol 2', que más bien parecía una recopilación de descartes anteriores. De ambos trabajos se extrajeron sendos temas de Lake con letra de Peter Sinfield. Del primero, 'Cest la vie' y del segundo, un tema navideño, 'I believe in Father Christmas'. En 1977 y 1978 realizaron exhaustivas giras por Norteamérica, algunas acompañados de una orquesta completa, en las que trabajaron más duro que nunca para mantener su audiencia, pero la música disco, el punk y la new wave ya estaban cambiando el escenario del mundo discográfico, por lo que EL&P dejaron de ser los precursores de la innovación en este campo. Su última entrega 'Love Beach' (1978) grabada por obligaciones de contrato con la compañía discográfica y denostada por los mismos miembros de la banda (sobre todo, por la foto de portada), no hizo más que confirmar que sus ideas habían llegado a un callejón sin salida, por lo que en 1979, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer, tomaron su camino por separado. Keith Emerson destacó componiendo música para el cine contándose entre sus mejores bandas sonoras la que realizó para la producción de Sylvester Stallone 'Night Hawks' (1981) y la música para el film 'Inferno' (1980), obra de culto del italiano Dario Argento, entre otras. Emerson, Lake & Powell En 1985, Emerson y Greg Lake planearon volver a formar el trio, pero Carl Palmer andaba muy ocupado con su trabajo en Asia. Keith llamó entonces a su viejo amigo Cozy Powell para que ocupara el lugar de Palmer. La coincidencia de la incicial del apellido de ambos músicos -que les facilitaba seguir con la denominación EL&P-, fue estrictamente casual, como Lake se encargaba de repetir a los escépticos periodistas. "Aunque estuvimos considerando contratar a Ringo Parr, Phil Pollins o Gene Prupa", añadía jocoso. El álbum que surgió de la reunión fue un retorno a los sonidos familiares de EL&P con largas suites de rock progresivo como 'The Score', power-ballads a cargo de Lake como 'Vacant possession' y una pieza clásica, 'Mars the bringer of war' de Gustav Holst. El single extraido, 'Touch and go', tuvo cierto éxito y fue muy emitido por las FMs y el canal MTV. A continuación surgieron viejas disputas entre Emerson y Lake y un segundo álbum de Emerson Lake & Powell nunca vio la luz. Emerson, Lake & Palmer (1992) En 1991 la formación original (incluido Palmer) se volvio a reunir y grabaron un álbum, 'Black Moon' bajo el sello JVC, al que siguieron giras mundiales de gran éxito en 1992 y 1993. Sin embargo, el trabajo que siguió, 'In the hot seat', no cumplió las expectativas creadas con 'Black Moon', lo que, añadido al síndrome del túnel carpiano y a la lumbalgia causada por el stress profesional de Emerson, llevaron al trío de nuevo a dejar la actividad. Recuperados en 1996, siguieron con los conciertos, pero las salas en las que actuaban eran cada vez más pequeñas, y en agosto de 1998 ofrecieron su último concierto del siglo XX como EL&P. En 2002 Keith publicó el álbum 'Emerson plays Emerson', en el que cambia los sintetizadores y el Hammond por el piano, con grabaciones realizadas en diferentes localizaciones y épocas. La gran mayoría son composiciones de Emerson e incluye versiones de 'Creole Dance' de Ginastera y 'Summertime' de Gershwin, un increíble dueto al piano con Oscar Peterson, interpretando 'Honky Tonk Blues'.  Keith Emerson en 2010 El 25 de julio de 2010 se celebró en Londres bajo el título 'High Voltage' un único concierto de Emerson, Lake & Palmer para celebrar su 40 aniversario en octubre de 2010. Actualmente, descartada una nueva reunión del trío, Keith, tras superar una delicada intervención quirúrgica, sigue trabajando con su banda Keith Emerson Band, con Marc Bonilla y la Munich Radio Orchestra con quienes interpreta versiones orquestales de clásicos de EL&P, así como nuevas composiciones, 

• Hoy  umple 81 años el saxofonista alto, clarinetista y compositor estadounidense de jazz Phil Woods, nacido en Springfield (Massachussetts). Durante una carrera de más de medio siglo, Woods además de ganarse una reputación de excelente saxofonista, ha sido uno de los músicos más prolíficos y trabajadores del jazz. Phil ha tocado y grabado con los más importantes artistas del género y ha dirigido su propia banda, Phil Woods Quartet (a veces, quinteto o sexteto) desde los años setenta. Perteneciente a la corriente bebop, Phil comenzó a tocar el saxo con doce años, y estudió música con Lennie Tristano -gran influencia en su carrera-, en la Manhattan School of Music y en The Juilliard School, donde estudió clarinete. Aunque nunca copió a Charlie Parker, fue conocido como el 'New Bird', un apodo que también se le ha aplicado a otros músicos como Sonny Stitt y Cannonball Adderley en un momento u otro de sus carreras. Casualmente, se casó con la viuda de Charlie, Chan Parker. Empezó su carrera profesional en los combos de Jimmy Raney (1955), George Wallington (1956/57) y en la big band de Dizzy Gillespie (1956). Durante los años sesenta trabajó -entre otros-, con Quincy Jones ('Rights of Swing', 1961), Thelonious Monk ('In person', 1961) y Benny Goodman.  Al fnal de la década, desanimado con la escena del jazz estadounidense, marcha a Europa y se establece en Francia en 1968. Los siguientes cuatro años lideraría un grupo bastante vanguardista, The European Rhythm Machine, con George Gruntz al piano, Henri Texier al contrabajo y Daniel Humair a la batería, Regresó a Estados Unidos en 1972 y, tras un frustrado intento de establecer un grupo electrónico con Pete Robinson a los teclados, formó una banda que perduró, con algunos cambios, hasta nuestros días. El quinteto inicial de 1973 estaba formado por el pianista Mike Melillo, el bajista Steve Gilmore, el guitarrista Harry Leahey y el baterista Bill Goodwin, realizando su debut con el magnífico 'Live from the Show Boat', Cuando Leahey abandonó la formación en 1978 la banda se conoció como el Phil Woods Quartet hasta que se les unió el trompetista Tom Harrell (1983-1989). Más tarde pasarían por la banda el trompetista Brian Lynch, el trombonista Hal Crook (1989-1992) y los pianistas Hal Garper (1980-1990), Jim McNeely (1990-1995) y Bill Charlap. Entre sus grabaciones más destacadas se encuentran 'Birds of a Feather' (1981), 'Bop Stew' (1987), 'Evolution' (1988), 'Our Monk' (1994), 'Another Time Another Place' (1996), 'Just Friends' (1998), 'Dameronia' (2001) y 'The Gershwin Affair' (2007). Como músico de sesión el trabajo más conocido de Phil sigue siendo su colaboración en el tema pop de Billy Joel 'Just the Way You Are', donde toca el solo de saxo. Tocó también el saxo alto en el tema de Steely Dan 'Doctor Wu', de su conocido y elogiado disco de 1975 'Katy Lied', así como en el éxito de Paul Simon de 1975 'Have a Good Time'.

• El 2 de noviembre de 1908 nació en Hilbert (Wisconsin) Rowland 'Bunny' Berigan. Durante los últimos años de 1930, fue un digno rival de Louis Armstrong en la disputa del cetro de los trompetistas de jazz. Pero como ocurría con la gran mayoría de los músicos de la época, su adicción al alcohol le impedía dirigir seriamente cualquier proyecto colectivo. Berigan aprendió a tocar la trompeta siendo todavía un adolescente y todavía no había cumplido los 21 cuando se trasladó a Nueva York en septiembre de 1929 para tocar en la banda de Frank Cornwell en el Hofbrau de Broadway y en los clubs de la calle 52, donde pronto se estableció como la nueva figura a tener en cuenta. También conoció a su futura mujer, Donna McCArthur, una bailarina del show. Más tarde se unió a la orquesta de Hal Kemp y con la Depresión encaminándose hacia su segundo año, la banda partió hacia Europa para realizar giras por Inglaterra, Bélgica y Francia. Berigan se convirtió así en uno de los primeros músicos de jazz en dar el salto al viejo continente. En 1931 dejó la orquesta de Kemp para aceptar uno de los trabajos más codiciados entonces. Se convirtió en trompetista de la banda residente de CBS y a partir de entonces tocaría en cientos de sesiones de los artistas del momento como Connie Boswell, los Dorsey Brothers, Mildred Bailey, las Boswell Sisters, Bing Crosby y muchos otros cantantes, frecuentemente mediocres vocalistas, que interpretaban las insípidas canciones de moda. En la mayoría de estas grabaciones, Berigan permanecía en el anonimato de la orquesta, pero el oyente avispado puede llegar a discernir su poderosa trompeta que, cuando en ocasiones realizaba un solo de 8 o 16 compases, transformaba la pieza con su brillante y audaz sonido. A principios de 1933 Berigan fue contratado por Paul Whiteman, el entonces llamado 'King of Jazz', para ocupar la plaza que había dejado vacante otra leyenda de la trompeta: Bix Beiderbecke. Un año de giras con esta orquesta mitad jazz y mitad sinfónica le proporcionó un buen dinero pero poca libertad creativa, una necesidad que Berigan alimentaba en los estudios de grabación y en jam sessions. En 1935 estuvo tocando principalmente en la orquesta de Freddie Rich. Ese mismo año se unió también a la nueva banda de Benny Goodman con el que permaneció unos meses, contribuyendo con su talento y su experiencia a consolidar el éxito fulgurante de la orquesta de Goodman que dió comienzo a la era del swing Volvió a la más lucrativa labor de músico de estudio y en 1936 grabó sesiones con Billie Holiday bajo produccion de John Hammond. Posteriormente trabajó un tiempo con Tommy Dorsey, en cuyos hits 'Song of India' y 'Marie', Bunny ejecuta unos solos que se convierten en dos de sus interpretaciones más emblemáticas. La colaboración sólo duró tres meses ya que surgieron problemas entre Berigan y el temperamental Dorsey, por lo que en 1937, Bunny decide formar otro grupo. Bunny, frente a su orquesta en 1939 Contrata al batería Buddy Rich como estrella y en abril de ese año Berigan y su banda firman con el sello discográfico Victor, logran un programa semanal en la radio y son contratados para tocar en el prestigioso Pennsylvania Hotel. En una de las sesiones de grabación se incluye 'I can't get started', considerada una de las obras maestras del jazz grabado. Fue el único hit de la banda, que entre otros, contó entre sus filas a nombres como Joe Bushkin, Ray Conniff, Hank Wayland, Bob Jenney y George Wettling. Sin embargo, mánagers sin escrúpulos y el excesivo amor de Bunny por la botella terminaron poniendo a Berigan la etiqueta de 'no fiable', por lo que no fue capaz de mantener la banda que se disolvió sl final de la década. Arruinado, busca de nuevo cobijo en la orquesta de Dorsey en la que permanece entre los meses de marzo y agosto de 1940, durante los cuales vuelve a contribuir con su talento a la banda en diez sesiones de grabación, algunas de ellas con un joven Sinatra a la voz solista. Tras dejar de nuevo a Dorsey volvió a formar un pequeño grupo y lideró diversas big band de éxíto moderado entre el otoño de 1940 y el comienzo de 1942 y parecía bien encaminado, cuando su salud empeoró repentinamente. Fue hospitalizado y debido al estado de su hígado, se le aconsejó dejar de beber definitivamente y dejar de tocar durante unos meses, consejos que desoyó emprendiendo una gira de dos semanas con la banda antes de volver a Nueva York donde, el 2 de junio de 1942, murió a los 33 años, víctima de una hemorragia interna. Dorsey corrió con los gastos del funeral y hoy día todos los fans se preguntan de qué hubiera sido capaz este extraordinario trompetista del swing en la era del bop.

• El 2 de Noviembre de 1739 nació en Laimgrube, hoy parte de Viena, el compositor y violinista austríaco August Carl Ditters von Dittersdorf. Contemporáneo de Haydn, Gluck y Mozart fue un músico sobresaliente, creador de 120 sinfonías y muchas otras obras, por ejemplo 32 óperas, casi todas en el estilo vienés del Singspiel que era corriente en la época, y de las que hoy sólo se representa a veces “Doktor und Apotheker”. Hoy en día es más conocido por su música instrumental (Oradea Philharmonic Orchestra & Romeo Rîmbu) En 1745 a la edad de 6 años empezó a estudiar el violín, logrando obtener el patronato del príncipe Jose Federico de Sajonia-Hildburghausen. Esto le permitió continuar el estudio del violín bajo Francesco Trani y la composición bajo Giuseppe Bonno. En 1761 consiguió un puesto en la orquesta del Teatro Imperial. En 1763 acompañó a Christoph Willibald Gluck en su viaje a Italia, donde Ditters von Dittersdorf celebró grandes triunfos como virtuoso. Este viaje italiano dejó en él una huella profunda. Sus obras muestran la influencia de Gluck y un desarrollo melódico de estilo italiano. Philipp Gotthard von Schaffgotsch En 1765 obtiene el puesto de maestro de capilla de la orquesta del obispo de Gran Varadino en Hungría (hoy en Rumanía), sustituyendo a Michael Haydn. Esta orquesta fue disuelta en 1769 por orden de la emperatriz María Teresa, por lo que en 1770 Ditters von Dittersdorf pasó a ser maestro de capilla de la orquesta del príncipe-obispo Philipp Gotthard von Schaffgotsch de Breslau. Uno de sus títulos oficiales en esta época fue el de Guardabosque Mayor de los bosques de la residencia de verano del príncipe-obispo, el castillo de Johannesberg. En 1773 obtuvo el título de nobleza, agregando desde entonces "von Dittersdorf" a su nombre. Ese mismo año, el príncipe-obispo le nombró Amtshauptmann (Capitán) de la ciudad de Freiwaldau (hoy Jesenik). Estos nombramientos y honores eran una estratagema que el príncipe-obispo usaba para retener al talentoso y cosmopolita compositor a su servicio en la provincia. En 1794 tras 24 años de servicio, tiene un serio enfrentamiento con el príncipe-obispo y es expulsado del palacio de Johannesberg. Al año siguiente, el barón Ignaz von Stillfried le permitió vivir en uno de sus castillos del sur de Bohemia. Los últimos años de su vida los pasó Ditters von Dittersdorf entre penurias económicas y aquejado de gota. Se dedicó a supervisar algunas producciones operísticas, a compilar y editar su obra para publicación y a escribir su "Autobiografía", que fue publicada póstumamente en 1801. Partes de esta autobiografía siguen siendo publicadas hasta esta fecha. Falleció en Neuhof, Bohemia, el 24 de octubre de 1779. 

Acontecimientos del mundo de la música

Nacimientos
1692: Unico Wilhem van Wassenaer, compositor holandés.
1739: Carl Ditters von Dittersdorf, compositor austriaco (m. 1799).
1880: John Foulds, compositor británico.
1942: Stefanie Powers, actriz y cantante estadounidense.
1944: Keith Emerson, músico británico (Emerson, Lake & Palmer).
1947: Dave Pegg, bajista estadounidense (Jethro Tull).
1957: Carter Beauford, baterista estadounidense (Dave Matthews Band)
1963: Bobby Dall, músico estadounidense (Poison).
1963: Jens Johansson, músico sueco (Stratovarius).
1967: René Farrait, cantante puertorriqueño ex miembro del grupo Menudo.
1969: Reginald Arvizu, bajista estadounidense (Korn).
1974: Nelly, rapero estadounidense.
1974: Prodigy, rapero estadounidense (Mobb Deep).
1982: Kyōko Fukada, cantante, actriz y modelo japonesa.
1989: Katelyn Tarver, cantante y actriz estadounidense.
1990: Kendall Schmidt, cantante y actor estadounidense (Big Time Rush).

Fallecimientos
1887: Jenny Lind, soprano sueca (n. 1820).
1966: Mississippi John Hurt, guitarrista y cantante de blues estadounidense.
1996: Eva Cassidy, cantante estadounidense (n. 1963).
2007: Witold Kiełtyka, baterista polaco (Decapitated).

Celebraciones y conmemoraciones en general
Día de los Fieles Difuntos.
México: Día de Muertos. Celebración mexicana de origen prehispánico que honra a los difuntos el 2 de noviembre, comienza el 1 de noviembre, y coincide con las celebraciones católicas de Día de los Fieles Difuntos y Todos los Santos.

FUENTE:
http://www.m80radio.com/
http://efemeridesdelamusica.blogspot.com.ar/
http://www.ideasnopalabras.com/