GRUPO CALDERON

Nace en el interés de lograr la formación de un conjunto musical, para rendir tributo a dos agrupaciones, ambas de origen español... Mocedades y El Consorcio. Así, a través de un "CASTING" realizado a principio del año 2011, después de probar más de "50 intérpretes"... en el mes de agosto, se definió su nombre -"CALDERÓN"- que se dispuso como tributo, para rendir homenaje, al talentoso músico - Juan Carlos Calderón - quien fue arreglador y autor de los éxitos de Mocedades. Este magnífico músico es considerado en España el más importante de los últimos 20 años.

OTROS ADELANTOS EN LA CIUDAD.... 
http://www.viarosario.com/musica 
http://www.rosario.gov.ar/sitio/agenda/agenda.html

RECITALES Y CONCIERTOS DE ROSARIO
Viernes 15 Marzo 2013 22:00  FLUIDO + NUBE MADRE en PUGLIESE
Viernes 22 Marzo 2013 21:30  VICENTICO en el METROPOLITANO DE ROSARIO
Viernes 22 Marzo 2013 22:00  MASSACRE en PUGLIESE
Viernes 29 Marzo 2013 22:00  COKI + THE KILLER BURRITOS en PUGLIESE
Sábado 30 Marzo 2013 21:00  LA GRAN FIESTA DE LOS PALMERAS en el ANFITEATRO MUNICIPAL
Viernes 5 Abril 2013 21:30  GUASONES ACÚSTICO en el TEATRO AUDITORIO FUNDACION
Sábado 13 Abril 2013 21:00  LAS PELOTAS en el ANFITEATRO MUNICIPAL
Sábado 20 Abril 2013 21:30  PEDRO AZNAR en el TEATRO EL CIRCULO

• Terraza  Viernes 15 marzo, 21:30  Juani acústico + invitadxs. San Dimas. DJ Ioio.
• Teatro Auditorio  Viernes 15 marzo, 22:00  Soledad Villamil presenta su álbum Canción de viaje
• Terraza  Sábado 16 marzo, 21:30  Mariano Braun presenta Sr. Monk
• Teatro Auditorio  Sábado 16 marzo, 21:30  “Crudo” de José María Muscari

Un vibrante viaje en el túnel del tiempo a los comienzos de rock de Rosario

Generación Subterránea, la otra historia del rock de Rosario, una investigación de Sergio Rébori, plasma simultáneamente en un libro, un cedé y una muestra la historia desconocida del rock de Rosario.

La investigación que llevó adelante Sergio Rébori sobre

 el rock de Rosario llega en formato de libro en 

"Generación subterránea"

El libro incluye un cuerpo de redactores integrado por Edgardo Pérez Castillo, Juan Cruz Revello, Martín Pérez, Daniel Schreiner, Marcos Elguero y Marcelo Rossia y testimonios de Richard Grassi, Juan Chianelli, Diego Casanova, Fernando Vercelli y Ricardo Carbone, entre otros protagonistas del rock de Rosario. En la tapa el actor Omar Serra recrea la portada del primer disco de Almendra: "Cuando empezamos a hablar con los músicos nos decían que Los Gatos fueron importantes pero el día que se decidieron a hacer rock fue cuando salió ese disco", explica Rébori.

Una historia con letra, música e imágenes

La muestra en Plataforma Lavardén (Sarmiento y Mendoza) puede visitarse de lunes a viernes, de 10 a 19, hasta el 5 de abril.

Un día como hoy, 11 de marzo, en el año...

• 1991  Janet Jackson firma un contrato millonario con Virgin    Janet Jackson ficha por Virgin Records. Descontenta con su anterior discográfica, A&M Records, la hermana de Michael Jackson, que ya se había hecho un nombre dentro del mundo de la música firmó un pacto millonario con la multinacional Virgin. La cifra ascendía a más de 30 millones de dólares y lo convirtió en el contrato discográfico más caro de la época.Su cambio coincidió con su matrimonio secreto con su novio y coreógrafo, René Elizondo. Un año después su single The best things in life are free, un dueto con Luther Vandross, se colocó en el nº 1 de las listas. Su fichaje por Virgin transformó a Janet en imagen y en estilo musical. Con una estética más sexy, en 1993 salió a la venta Janet del que se llegaron a vender 15 millones de copias. En 1996 y tras protagonizar un aclamado dúo con su hermano Michael con el tema Scream, por el que obtuvieron un Grammy, publicó un álbum recopilatorio Design of a decade, cumpliendo así su última deuda con su anterior disquera. Con su carrera en pleno apogeo, en 1997 llegó su disco The velvet rope, que contenía temas como I get lonely, Together again o Go deep, después de haber ratificado su contrato con Virgin Records, esta vez por la nada envidiable cifra de 80 millones de dólares, que la convirtieron en la artista mejor pagada del momento.

• 1969  Los Jackson 5 firman con la Motown    El grupo musical que vio nacer a Michael Jackson, estuvo formado en un principio por sus hermanos mayores Jackie, Tito, Jermaine y Marlon. En 1963 el, ahora polémico cantante, se unió al grupo. Sus actuaciones se circunscribían a salas y locales de su ciudad, Gary (Indiana, EE UU). De hecho sus dos primeros discos los grabaron con una discográfica de esa localidad, hasta que en 1969 y tras una audición el sello Motown de Detroit decidió hacerse con sus derechos.El primer single que grabaron con esta discográfica fue I want you back. Ese mismo año Diana Ross les presentó en público y grabaron su primer disco Diana Ross presents The Jackson 5, que en pocas semanas se convirtió en un éxito. El segundo álbum fue ABC (1970), en que se incluían canciones como ABC, The love you save o I’ll be there. Su ritmo de grabación fue vertiginoso. Ese mismo año grabaron su tercer trabajo llamado Third album y un cuarto que fue Christmas album. El siguiente año no fue muy distinto, llegaron a grabar tres discos: Maybe tomorrow, Going back to Indiana y su primer recopilatorio Greatest hits. Para entonces, ya se habían convertido en todo un fenómeno musical, hasta el punto de que se realizó una serie de dibujos animados basada en su historia. Completamente en la cresta de la ola la discográfica planteó a Michael y a su hermano Jermaine el inicio de sus carreras en solitario. La de Michael arrancó con los singles Rockin’ robin y Ben. Unos años más tarde, en 1974, The Jackson 5 grabó su último disco con Motown. Se llamó Dancing machine. Al año siguiente ficharon por Epic, otro sello discográfico y se cambiaron el nombre pasando a llamarse The Jacksons. Pronto el creciente éxito de Michael en solitario empezó a eclipsar al grupo, sobre todo tras la publicación del millonario en ventas y premios Thriller (1982). Así las cosas todavía en 1984 Jermaine volvió a reunir al grupo y grabaron Victory. Después vinieron dos discos más, 2300 Jackson street (1989) y Going places (1990), ambos sin Michael.

• 1974  Un tribunal sentencia que Janis Joplin murió por sobredosis    Un mes después de que el mánager de Janis Joplin intentase un acuerdo con la compañía de seguros San Francisco para que esta pagase los 120.000 dólares de póliza del seguro de vida de la cantante, un tribunal sentencia que Janis murió por una accidental sobredosis y no por suicidio.

• 2003  La 'segunda invasión británica', al Rock&Roll Hall of Fame    Lo que se llamó la "segunda invasión británica de la música" fue galardonada por una de las instituciones más importantes de la música al investir en la 18ª ceremonia del Rock and Roll Hall of Fame a las bandas The Clash, The Police y Elvis Costello and The Attractions, celebrada en el Hotel Waldorf Astoria de Nueva York. También entraron por la puerta grande los australianos AC/DC y el dúo The Righteous Brothers. En la gala se pudo ver sobre un mismo escenario a los tres componentes de The Police, que no se juntaban oficialmente desde hacía más de 15 años. No sucedió lo mismo con la esperada reunión de The Clash, debido a la muerte de su cantante Joe Strummer, desaparecido en diciembre de 2002 a los 50 años de edad. Con todos los honores fueron recibidos tras cumplir el requisito imprescindible de llevar 25 años en el panorama musical desde la publicación de su primer álbum.

• El 11 de Marzo de 1921 nació en Mar de Plata, ciudad costera de Argentina, el bandoneonista, innovador instrumentista, director, arreglador y compositor argentino Astor Pantaleón Piazzolla. Se le reconoce como uno de los grandes músicos latinoamericanos del siglo XX: renovó de forma decisiva el Tango, llamado Tango Nuevo o Sinfónico, introduciendo estructuras armónicas y rítmicas tomadas de la música clásica y del jazz. Su caso es muy especial, único en realidad, ya que brilló de manera espectacular a nivel mundial tanto por su música popular, como por sus tangos porteños y por su talento para la música culta o clásica. Astor Piazzolla nació como hijo único del matrimonio de inmigrantes italianos formado por Vicente 'Nonino' Piazzola y Asunta Mainetti. A la edad de cuatro años, a causa de la mala situación económica en Argentina, emigran a Nueva York, donde el padre de Ástor abre una peluquería. Las aptitudes musicales del chaval afloran pronto y además de estudiar piano, aprende a tocar el bandoneón que su padre le regala en 1929. Ástor recordaba: "Mi padre se pasaba las horas escuchando tango y pensaba constantemente en Buenos Aires y en la familia y amigos que dejó allí (...) sólo se oía tango, tango". En 1930 tiene un encuentro con la leyenda del tango Carlos Gardel, -amigo de la familia- con quien Astor coincide a los nueve años en el rodaje de 'El dia que me quieras' (1930) interpretando a un vendedor de periódicos.Siete años más tarde, la familia vuelve a Buenos Aires, donde Astor asiste a una representación del grupo de tango de Elvino Vardaro. Esto supondrá una experiencia clave en la vida de Piazzola. Por fin escucha una forma diferente de interpretar el tango que le fascina. Practicó afanosamente con su bandoleón y en 1939 entra en la orquesta de Aníbal Troilo, para quien realiza varios arreglos. Un encuentro con el concertista de piano Arthur Rubinstein despierta en Astor el deseo de seguir una formación académica, por lo que en 1940 comienza a recibir clases de composición con Alberto Ginastera. Por esta época, Piazzolla escribe sobre todo música orquestal y de cámara, como la 'Rapsodía porteña' (1952), la premiada 'Sinfonía Buenos Aires' (1953) Mov. 1, Mov. 2, Mov. 3 (Nashville Symphony Orchestra dir. da Giancarlo Guerrero) y la 'Sinfonietta' (1954), por la que recibe el Premio Nacional de la Crítica. Públicamente se distanciaba de sus afición a los tangos, ya que quería ser tomado en serio como compositor y cualquier relación con el género habría arruinado su reputación. Aunque en Europa surgió una corriente de simpatía por una variante de tango bailable, en Argentina seguía teniendo mala fama, sobre todo entre las capas altas de la sociedad. Le concedieron una beca para estudiar en Europa y Piazzola viajó a Paris para aprender con Nadia Boulanger, poco después de que Aaron Copland finalizara sus estudios con ella. En su primer encuentro, Piazzolla ocultó que había compuesto e interpretado tangos. Ástor lo justificaba: "En realidad me daba mucha vergüenza confesarle que fui músico de tango, que toqué en cabarets y burdeles de Buenos Aires. Músico de tango era prácticamente un insulto en la Argentina que conocí en mi juventud. El tango era un submundo". Boulanger descubrió influencias de Ravel, Stravinsky, Bartok y Hindemith, pero echó en falta algo más personal, por lo que le rogó tocar un tango al piano. Cuando Ástor finalizó Nadia le dijo: "¿No te das cuenta de que éste es el verdadero Piazzolla, no todos los demás?. Puedes tirar el resto de partituras a la basura!". Dispuesto a seguir su consejo, seguidamente Piazzolla tomó clases de dirección de orquesta con Hermann Scherchen. "Nadia me enseñó a creer en Astor Piazzolla, en que mi música no era tan mala como yo creía. Yo pensaba que era una basura porque tocaba tangos en un cabaret, y resulta que yo tenía una cosa que se llama estilo."  Cuando regresó a Argentina, desarrolló su estilo con diferentes formaciones. En 1955 fundó el octeto Buenos Aires, considerado el iniciador del tango moderno tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos, fugas).Sin embargo, sus obras chocaron con los críticos de la 'vieja guardia', que lo consideraban el 'asesino del tango', ya que su música estaba muy apartada de lo que ellos consideraban el verdadero y auténtico tango. Piazzolla respondió con una nueva definición: "Es música contemporánea de Buenos Aires". Sus obras no recibían difusión por las radios y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante. "Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos." (Astor Piazzolla, revista Antena, Buenos Aires, 1954)  El rechazo fue tal, que Piazzolla y su familia evitaban en lo posible salir a la calle para evitar los insultos de la gente. Pero Piazzolla siguió componiendo y desarrollando su música con enorme productividad.En 1958 disuelve la formación y se marcha a Estados Unidos, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el Jazz-Tango. Al año siguiente muere su padre y Ástor compone una de sus piezas más conocidas, 'Adiós Nonino' (Sinfónica "Cologne Radio Orchestra" de Alemania- Extraído del documental "Astor Piazzolla: The Next Tango") Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente, que sería la base de agrupaciones posteriores y a la que volvería cada vez que se sentía frustrado por otros proyectos: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis al piano, Simón Bajour al violín, Kicho Díaz al contrabajo y Horacio Malvicino a la guitarra eléctrica. Con esta agrupación daría a conocer todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: 'Calambre', 'Las Estaciones' (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), 'La Serie del Ángel' (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), 'La Serie del Diablo' (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), 'Revirado', 'Fracanapa', 'Buenos Aires hora cero', 'Decarísimo', 'Michelangelo ´70' y 'Fugata', entre otros. Esa última pieza esta basada en la obra de Johann Sebastian Bach. A lo largo de su vida grabó más de 40 álbumes compuso alrededor de 300 tangos y medio centenar de bandas sonoras. Trabajó con autores como Jorge Luis Borges y Horacio Ferrer, con la actriz Jeanne Moreau, con el realizador Fernando Solanas e inició o lideró proyectos en otros campos y géneros, entre otros, con el Kronos Quartett y los músicas de jazz Gary Burton y Gerry Mulligan. En agosto de 1990, mientras se encontraba en París, sufrió una trombosis cerebral, que le imposibilitó seguir componiendo. Murió dos años después, en Buenos Aires, en junio de 1992, a los 71 años Muchos de los tangos compuestos por Piazzolla no son música bailable en el sentido tradicional del género, sino música fundamentalmente para la escucha. Astor amplió las armonías del tango a través del jazz y de sus modelos Stravinsky y Bartók. Tambíen incorporó al tango técnicas de ejecución instrumental prestadas de otros géneros. A pesar de todas la innovaciones, la esencia del tango permanecía ahí, debido al sonido específico del bandoneón, los típicos ritmos sincopados, los cambios armónicos, los staccati y la atmósfera generalmente melancólica de la música. 

• El 11 de marzo de 1970 se publicó en Estados Unidos bajo el sello de Atlantic Records, 'Déjà Vu', el segundo álbum del trío Crosby Stills & Nash, a los que se añadió Neil Young para la ocasión. Fue una de las secuelas más esperadas de la historia del rock, que no defraudó a nadie y alcanzó fácilmente el nº1 de las listas Billboard y el nº5 en el Reino Unido. Young, Nash, Crosby y Stills en 1970 Era el segundo grupo de todos ellos y su segundo LP juntos, para el que los estadounidenses David Crosby (ex-Byrds), Stephen Stills (ex-Buffalo Springfield), y el británico Graham Nash (ex-Hollies) contaron con la ayuda del canadiense Neil Young (ex-Buffalo Springfield). La expectación causada tras las buenas sensaciones desplegadas en su primer trabajo, 'Crosby, Stills & Nash' (1969) y en su primera actuación en directo como grupo en el Festival de Woodstock, hizo que se emplearan a fondo con la producción. El cuarteto con Taylor y Reeves La base rítmica la componían Dallas Taylor a la batería y Greg Reeves al bajo, ambos procedentes de la factoría Motown, cuyos nombres también aparecían en la portada, aunque con letras más pequeñas. Necesitaron casi 800 horas para grabar 'Déjà Vu', y no lo hicieron en las condiciones más propicias. Graham Nash recordaba: "Durante la grabación de nuestro primer álbum estábamos enamorados unos de otros. Estábamos enamorados de la música y de maravillosas, divertidas, bellas y únicas mujeres. Stephen de Judy Collins, yo mismo de Joni Mitchell y David de Christine Hinton. Cuando comenzamos a grabar 'Deja Vu', yo había roto con Joni, Stephen hizo lo mismo con Judy Collins y Christine murió en un accidente de tráfico. Fueron momentos difíciles para todos y fue un álbum más oscuro que el anterior pero el trabajo y las grabaciones nos ayudaron a sobrellevar nuestras desgracias personales." David Crosby El que peor lo llevó fue Crosby. La muerte repentina de Christine le hizo muy difícil continuar y David se refugió en la heroína. "Tuve muchos problemas para entrar en el estudio cada día. A veces rompía a llorar, incapaz de cantar una nota. Los demás me ayudaron a seguir adelante." Aún así, las discusiones entre los músicos eran constantes y la coca y el alcohol corrieron a raudales durante las sesiones de grabación. Young se ausentaba muy a menudo (de hecho no aparece en todos los temas) y Nash, con su flema británica, trataba de poner paz en todo ese caos. Exceptuando 'Woodstock', todos los temas fueron grabados como sesiones individuales por cada miembro, con los demás contribuyendo con lo que hiciera falta. A pesar de todo ello, les salió una verdadera obra maestra, un disco con unas letras magníficas que capta como pocos el espíritu de la costa Oeste californiana de principios de los 70. Nash y Joni Mitchell 'Carry On' (que les llevó más de 100 horas de grabación) es un tema de Stills en el que se perciben sus aires de bluesman, confirmados en '4+20', precursor del material que el guitarrista exploraría en su álbum en solitario. En 'Our house' y 'Teach your children', (ésta última con un delicioso solo de steel guitar a cargo de Jerry García, y ambas publicadas en single) Nash hace valer su don único para las melodías simples y pegadizas. La primera hace referencia a la vida confortable y hogareña que llevó durante su breve relación con Joni Mitchell y en la segunda se refleja la filosofía hippie que Nash, consecuentemente ha seguido practicando durante toda su vida. El otro tema de Crosby, 'Déjà vu', que dio título al álbum, se llevó otras 100 horas de grabación y era sucesor de trabajos experimentales de su carrera con los Byrds en los que mostraba su relativo abandono por ritmo o medida, en favor de envolver al oyente con tonos y atmósferas. 'Helpless', con su simple cadencia de acordes (re-la-sol) que se repiten durante todo el tema, es una extraña mezcla de grandeza y frugalidad que refleja perfectamente la pasión de Young por los paisajes de su Canadá natal. El tema ya lo había tocado con Crazy Horse antes de unirse al CS&N y tardaron bastante en ponerse de acuerdo en qué tratamiento darle para 'Deja Vu'. Se grabaron varias versiones hasta que se decidieron por la versión lenta y arrastrada que apareció en el álbum. Junto con los temas de Nash, fue el tema más popular del álbum. En 'Country girl' consigue una pieza asombrosa y panorámica, en la que la ambición de los arreglos, remite a trabajos anteriores del Young como 'Down by the river' o 'Southern Man'. Joni Mitchell no asistió al Festival de Woodstock porque su mánager le recomendó acudir en su lugar a un especial de TV de Dick Cavett. Cuando Nash volvió de su legendaria actuación en el evento, le contó su experiencia a su entonces compañera sentimental. Con el relato de Nash e imágenes en directo que vio por TV en su hotel, Joni compuso el tema 'Woodstock', que según Crosby: "capturó el sentido y la importancia del Festival mejor que cualquiera de los que estuvimos allí". Joni publicó su versión ese mismo mes en su tercer álbum 'Ladies of the Canyon'. Cierra el álbum 'Everybody I love you' otro himno hippie, compuesto por Stills y Young y que suponía un regalo para todos los fans de Buffalo Springfield. 'Deja Vu' fue indiscutiblemente el mejor trabajo del cuarteto. Recibió títulos como 'la banda sonora de la generación Woodstock' o 'hito de la música popular'. Poco después de publicarse, CSN&Y grabaron el single 'Ohio', compuesto por Young en respuesta a la masacre de la Universidad Estatal de Kent, sucedida en mayo de 1970, en la que cuatro estudiantes fueron asesinados por la Guardia Nacional durante una protesta pacífica. En la cara B se publicó 'Find the cost of freedom', un tema de Stills, que también se convirtió en un himno de protesta contra la guerra de Vietnam. Los cuatro músicos aprovecharon el gran éxito obtenido por 'Déjà Vu' realizando una exitosa gira recogida en el doble álbum 'Four Way Street' y grabando sus respectivos trabajos en solitario, todos ellos con una gran aceptación.

• El 11 de marzo de 1903 nació en Strasburg (Dakota del Norte) el acordeonista y director de big band Lawrence Welk, que, tras recorrer el país con su banda de baile, se instaló en 1945 en Los Angeles, desde donde emitía su propio show de TV que se mantuvo en antena entre 1956 y 1971. En los sesenta grabó decenas de discos, muchos de los cuales acabaron en el top10 de las listas. Muy parodiado por su marcado acento alemán,que no perdió nunca (sus padres eran emigrantes alemanes), practicó un estilo musical que fue bautizado por sus fans (también por sus numerosos críticos) 'champagne music'. Su mayor éxito lo obtuvo con 'Calcuta' (1961), versión instrumental de un hit alemán de la época, que alcanzó el nº1 y fue disco de oro. Welk murió en mayo de 1992 a los 89 años. Publicado por Efemérides Musicales en 00:28 

Acontecimientos del mundo de la música
1867: en París se estrena la ópera Don Carlos deGiuseppe Verdi.

Nacimientos
1846: Constance Bache, pianista, compositora y escritora inglesa (f. 1903).1876: Carl Ruggles, compositor estadounidense (f. 1971).
1897: Henry Cowell, compositor estadounidense (f. 1965).
1903: Lawrence Welk, compositor estadounidense (f. 1992).
1907: José María Peñaranda, compositor colombiano.
1921: Astor Piazzolla, compositor argentino (f. 1992).
1932: Leroy Jenkins, violinista de jazz estadounidense.
1939: Leonardo Flaco Jiménez, músico estadounidense.
1940: Alberto Cortez, compositor y cantante argentino.
1945: Harvey Mandel, músico estadounidense.
1945: José Mari Chan, cantante filipino.
1947: Tristan Murail, compositor francés.
1950: Bobby McFerrin, cantante estadounidense.
1955: Nina Hagen, cantante alemana.
1956: Rob Paulsen, actor de voz estadounidense.
1957: Cheryl Lynn, cantante estadounidense.
1964: Vinnie Paul, músico estadounidense (Pantera).
1966: Shurik’N, rapero francés.
1968: Lisa Loeb, cantante estadounidense.
1969: Soraya, cantante estadounidense de origen colombiano (f. 2006).
1972: Benjamin Diamond, cantante francés.
1977: Andre Nickatina, rapero estadounidense.
1979: Benji Madden, guitarrista estadounidense (Good Charlotte).
1979: Joel Madden, cantante estadounidense (Good Charlotte).
1981: Russell Lissack, músico inglés (Bloc Party).
1981: LeToya Luckett, cantante estadounidense (Destiny’s Child).
1981: Paul Wall, rapero y DJ estadounidense.
1984: Anna Tsuchiya, modelo, actriz y cantante japonesa.
1986: Juan Ovejero, escritor y músico español.
1991: Qian Lin, cantante e idol japonesa de Morning Musume.

Fallecimientos
1602: Emilio de’Cavalieri, compositor italiano.
1607: Giovanni Maria Nanino, compositor italiano.
1898: Dikran Tchouhadjian, compositor armenio (n. 1837).
1967: Geraldine Farrar, cantante y actriz estadounidense.
1978: Claude François, cantante francés.
1986: Sonny Terry, músico de blues estadounidense (n. 1911).
2011: Rita Guerrero, cantante y actriz mexicana (n. 1964).
2012: Oscar Enrique Oropeza Silva, venezolano director de la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de Anzoátegui.
2012: Adriana Cecilia Acosta, cellista venezolana.