- 1957 Primer pase público de “The jailhouse rock” Fue sin duda la película de Elvis. Era la primera que rodaba para MGM, y la “Metro” supo poner lo mejor de lo mejor a disposición de la estrella de Memphis. Para escribir la historia contrataron a Niedrick Young, con un óscar en su haber. Para dirigir la película, a Richard Thorpe, y para escribir las canciones de la banda bonora a una pareja infalible: Jerry Lieber y Richard Stoller. De hecho, el mismo Stoller toca el piano en la alguna escena de la película. En “El rock de la cárcel” Elvis interpreta al joven Vincent Everett que cumple un año de condena en prisión. Allí, uno de sus compañeros que fue cantante de country, le anima a dedicarse a la canción. Cuando Vincent sale en libertad condicional, intenta ganarse la vida cantando y sólo lo consigue con la ayuda de “la guapa” de la película, en este caso es la actriz Judy Tyler. “El rock de la cárcel”, que tuvo su primer pase público en la premiere celebrada el 17 de octubre de 1957, en Memphis, proporcionó a Elvis Presley la oportunidad de mostrar al completo sus habilidades cantando y bailando y fue sin duda uno de los éxitos cinematográficos del año. Las canciones de la película fueron también éxitos de ventas, especialmente la que comparte título con la cinta. “El rock de la cárcel” que fue número uno en los Estados Unidos durante siete semanas, al igual que más tarde lo sería en Reino Unido. Del primer sencillo, que incluía además del rock de la cárcel el tema “Treat me nice”, se llegaron a vender más de dos millones de ejemplares. Las versiones que se grabaron de las canciones de “El rock de la cárcel” son innumerables. Algunas, realmente curiosas como ésta, grabada por Joni Mitchell en su álbum “Wild things run fast”.
- 2000 George Michael compra el piano con el que se compuso 'Imagine' Un día como hoy, el cantante británico y ex miembro de Wham!, adquirió el piano con el que el ex Beatle John Lennon había compuesto el emblamático tema Imagine. George Michael compró este caprichito en una subasta organizada por Mick Fleetwood, de Fleetwood Mac, que se celebró en el Hard Rock Café de Londres (Reino Unido). El precio que pagó por el preciado instrumento rondaba los 400 millones de pesetas. En la reñida puja, George Michael acabó ganando la partida a los hermanos Gallagher, los miembros de Oasis, que también se habían encaprichado del dichoso piano.
- 1968 Nace Ziggy Marley Nació en Kingston (Jamaica). Es el hijo mayor del desaparecido Bob Marley y su esposa Rita. Por eso, en cierto sentido y tras la muerte de su padre, él se perfilaba como el heredero natural del 'trono' del reaggae que dejó su progenitor. Y lo hizo junto a The Melody Makers, la banda que él lideraba y que siguió transmitiendo los positivos mensajes que Marley llevó por el mundo a través de míticos temas como Could you be loved? o No woman, no cry. El debú de The Melody Makers fue el LP Play the game right, pero la sombra de Bob pesaba demasiado. En 1986 publicó Hey world, un claro intento de acercarse al pop. Fue, finalmente, con el disco Conscious party y el single Tomorrow people, con el que alcanzaron éxito reseñable. Le siguió One bright day, que fue el trabajo más vendido de Ziggy Marley & The Melody Makers. Hasta el día de hoy el proyecto heredero de Bob Marley sigue adelante, publicando discos. La última entrega ha sido Ziggy Marley & the Melody Makers Live Vol.1, un álbum en directo.
- 1972 Nace Wyclef Jean (The Fugees) Nació en Haití. Junto a Pras Michel y Lauryn Hill fundó The Fugees, una formación que triunfó en la década de los 90 gracias a su particular fusion del jazz y el R&B. Su primer gran éxito les llegó en 1996 con The score, el segundo álbum de su discografía, en el que se incluían éxitos como Fu-Gee-La y Killin' me softly with his song, versión del clásico que popularizó Roberta Flack. El disco alcanzó ventas millonarias y además les valió al grupo dos Grammy. Dos años después, Wyclef Jean fue el primero de los miembros de The Fugees en lanzar un álbum en solitario. El resultado llevaba por nombre The carnival featuring the refugees allstars, donde el artista se demostró más ecléctico si cabe de lo que era en las filas de su grupo. Asimismo, en los últimos tiempos ha producido a artistas como Whitney Houston, Tom Jones o Destiny's Child, entre otros. Masquerade (2001), su tercer álbum en solitario llevó consigo la fusión de sonidos y la versión de algunos temas de Bob Dylan y Frankie Valli.
- 70 años cumple hoy Gary Puckett, músico norteamericano originario de San Diego (California), que con su grupo The Union Gap obtuvo algunos éxitos a finales de los sesenta tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Gary ya tocaba la guitarra desde muy joven cuando dejó los estudios universitarios para tocar en diversas bandas locales y, finalmente, unirse en 1966 a los Outcasts, un grupo de hard-rock que incluía al bajista Kerry Chater, el teclista Gary Withem, el saxo tenor Dwight Bement y el batería Paul Wheatbread. Al año siguiente, bajo la dirección de su manager Dick Badger, el grupo cambió de nombre. A partir de entonces se llamarían The Union Gap y como estrategia de marketing, decidieron aparecer ataviados con uniformes de la guerra civil americana. Grabaron una maqueta y se la presentaron a Jerry Fuller, compositor y productor de CBS Records, que, impresionado con la voz de barítono de Puckett, les firmó un contrato. Su primer single, 'Woman woman', escrito por Jim Glaser y Jimmy Payne se publicó en 1967. Fue su primer hit, alcanzando el puesto nº4 del Hot100 y recibieron por él, su primer disco de oro. Los dos años siguientes, continuaron publicando éxitos: 'Young girl' (nº2), 'Lady Willpower' (nº2), 'Over you' (nº7) y 'Don't give in to him' (nº15). Gary & the Union Gap fue el grupo que más discos vendió el año 1968 en suelo americano, incluso por encima de los Beatles, aunque no obtuvieron ningún nº1. Donde sí lo alcanzaron fue en las listas británicas con 'Young Girl', cuya letra, controvertida en su momento, fue tachada de estrafalaria y pedófila. Todos los temas fueron producidos por Fuller, que también era el compositor de las canciones. Cuando Jerry Fuller tenía todo preparado para la grabación de un nuevo tema que había escrito, para lo que había contratado una orquesta de 40 músicos, Puckett y su banda, que querían dejar de grabar las ampulosas power ballads de Fuller, para comenzar a publicar sus propias composiciones, se negaron a entrar en el estudio por lo que Jerry rompió su relación con ellos y nunca volvió a trabajar con Puckett. Con producción de Dick Glasser volvieron brevemente a las listas en 1969 con 'The girl is a woman now'. En 1971 el grupo se separó y Gary continuó un par de años en solitario para retirarse una temporada, hasta mediados los ochenta, momento en el que retornó a los escenarios, integrándose en el circuito de 'oldies'. Actualmente sigue actuando al frente de una nueva versión de Gary Puckett & the Union Gap.
- Hoy cumple 71 años el músico norteamericano nacido en Sidney (Texas) Jim Seals, que junto a Dash Crofts formó en 1969 el dúo de folk rock Seals & Crofts. Publicaron una decena de álbumes a los largo de los años setenta con varios temas de éxito, entre los que destacó 'Summer Breeze' (1972) Diez años antes habían formado parte entre 1958 y 1963 de los californianos The Champs, grupo que tuvo como gran éxito -poco antes de llegar ellos a la formación-, el instrumental 'Tequila!'. En 1963 Jim y Dash dejaron The Champs junto con Glen Campbell y Jerry Cole y formaron nuevo grupo llamado Glenn Campbell and the GCs, para tocar en el Crossbow de Van Nuys, en California. Esta formación duró dos años y, a continuación cada uno tomó su propio camino. Crofts regresó a Texas y Jim Seals se unió a The Dawnbreakers (una referencia a un libro que relata los comienzos del bahaísmo, religión que Seals y Crofts profesan desde 1969 con devoción). El grupo no resultó y Seals decidió seguir con Dash Crofts como dúo. Firmaron un contrato con la división discográfica de Talent Associates y grabaron dos álbumes sin repercusión. Firman un nuevo contrato en 1971, ésta vez con Warner Bros. Records. El primer álbum con el nuevo sello, 'Year of Sunday', que contenía 'Sudan Village', un tema con influencias africanas, grabado quince años antes que el célebre 'Graceland' de Paul Simon, tampoco logra ser conocido, pero el siguiente 'Summer Breeze' (1972) alcanza el Top10 de álbumes en EE.UU. Ese mismo año se les concedió el disco de oro por el disco, que contenía el hit que daba título al álbum, 'Summer Breeze' y 'Hummingbird'. Siguieron más álbumes con temas como 'Diamond Girl', 'We may never pass this way again', 'Ruby Jean and Billie Lee' (1973), 'Unborn child' (tema muy controvertido en su momento en EE.UU., boicoteado por las asociaciones que defendían el derecho al aborto), 'The king of nothing' (1974), 'I'll play for you', 'Castles in the sand' (1975), 'Get closer', 'Baby I'll give it to you' (1976) y 'You're the love' (1978). Firmes creyentes de la doctrina bahaísta, en sus conciertos, Seals y Crofts permanecían numerosas veces tras los shows sobre el escenario para hacer apostolado de su fe y ofrecer lecturas relacionadas con ella. En 1980 acabaron contrato con Warner Records y Jim abandonó la actividad musical trasladándose a Costa Rica, donde pasó varios años con una plantación de café, alternando su residencia con Nashville. Actualmente reside en un rancho en Texas. En 2004, Jim y Dash se volvieron a reunir para grabar su último trabajo, 'Traces'. El año 2011 debutó un nuevo dúo vocal con el nombre Seals & Crofts. Se trata de las hijas de ambos, Juliet Seals y Amelia Crofts.
- El 17 de octubre de 1933 nació en Bruselas (Bélgica) la hermana Jeanine Deckers (Soeur Sourire), religiosa de un convento de la orden Dominicana, cuya superiora, viendo las aptitudes musicales de Jeanine le permitió grabar un disco negociando un contrato con el sello Philips. Ni su nombre, ni su imagen podrían aparecer en las portadas. Una de las canciones del disco, 'Dominique' (1963), dedicada a su orden y que Jeanine publicó bajo el seudónimo de 'Soeur Sourire' (Sor sonrisa) se hizo tremendamente popular en Europa y más tarde en todo el mundo. En Estados Unidos acababa de ser asesinado John F. Kennedy y las emisoras de radio radiaron el tema hasta la saciedad como tributo al presidente desaparecido. Fue nº1 durante cuatro semanas, desbancando del puesto de honor al mismísimo Elvis. Esto llevó a que el famoso presentador de TV Ed Sullivan se trasladara al convento en Bélgica para dar a conocer el fenómeno y la inmensaa popularidad que adquirió 'Dominique' en todo el planeta hizo que se grabaran versiones en los idiomas más inimaginables. Incluso Hollywood se sumó al acontecimeinto, estrenando en 1966 'The singing Nun', con Debbie Reynolds en el papel de la religiosa y cuyo argumento, aunque ligeramente basado en la vida de Jeanine, era pura ficción. Ese mismo año, Jeanine sufrió una crisis de fe y tras muchos tiras y aflojas con las directoras del convento, en los que estaban por medio la fama y el dinero, abandona el convento para continuar su carrera como cantante. Tuvo que comprometerse a no usar el nombre Soeur Sourire, ni traducido a otro idioma. Jeanine, contenta por poder marcharse a vivir su vida, firmó un documento de renuncia, y a partir de entonces Volvió a grabar discos, ésta vez bajo el nombre Luc Dominique. Su primer disco fue 'Soeur Sourire', en el que proclamaba que "Sor Sonrisas ha muerto". Annie Pescher y Jeanine. Jeanine empezó a escribir canciones muy controvertidas. En ellas ponía en cuestión a las madres, a los hombres -a los que consideraba violentos y dominadores- y a la propia Iglesia católica, a la que además escandalizaba con su vida privada, ya que vivía con su pareja Annie Pescher. En 1967 grabó 'La Pilule d'or', una oda a la píldora y al control de natalidad. Se apasionó por las nuevas concepciones de la Teología (entre el Concilio Vaticano II y los sucesos de mayo del 68) y buscó, para ella misma y para su compañera, una nueva vía religiosa, situada entre la vida regular y la vida seglar. Llegó a secundar la afirmación de John Lennon en el sentido de sus declaraciones sobre la popularidad de Jesús de Nazareth. Sin embargo, su nivel de vida fue muy irregular, encontró su sustento diario a través de sus escritos, sus discos, cursos de guitarra y sobre todo a través de su trabajo con niños autistas. En 1976 intentó un retorno a los Estados Unidos, pero nadie se interesó por ella. Los servicios fiscales de Bélgica reclamaron entonces las fortunas que debía haber ganado como Sor Sonrisa y permanecieron sordos a sus protestas en las que manifestaba haber entregado -cuando renunció-, todos los derechos al convento. Requirió entonces la ayuda de su antiguo convento y de la casa Philips. Las hermanas le dieron lo que consideraban que debía ser su parte pero la casa Philips, cuyos dividendos eran el 95% del total (el resto era para el convento) no quiso ayudarla. Las autoridades religiosas fueron generosas y le ayudaron a adquirir su vivienda en Wavre, siempre que dejara de denigrar a la congregación y firmara un documento como que ya no le debían nada, cosa que hizo. Poder recuperar su nombre de Sor Sonrisa y un nuevo intento con una versión disco de 'Dominique', no le sirvió de mucho. Frente a la situación kafkiana de la deuda, montruosa al fin (con intereses acumulados) Jeannine y su pareja Annie, se sumieron en una profunda depresión, que el alcohol y los medicamentos agravaron, y juntas, se suicidaron el 29 de marzo de 1985. Por una ironía del destino, el día de su suicidio, y sin que ellas lo supieran, la SABAM (Sociedad Belga de Autores, Compositores y Editores) había recogido en una colecta para Jeanine, 571.658 francos belgas, mucho más que su deuda con el fisco de 99.000 francos belgas.
- El 17 de octubre de 1923 nació en Muskogee (Oklahoma) el guitarrista de jazz norteamericano Barney Kessell. Con 12 años compró su primera guitarra en una casa de empeños. En un cursillo de verano aprendió los fundamentos del instrumento. Todo lo demás lo fue aprendiendo solo, inspirándose en Charlie Christian, de quien se sentía discípulo confeso. En 1941 se traslada a Los Ángeles donde entra en 1943 en la banda de Chico Marx y se establece como músico de estudio. En 1944 tocó junto a uno de sus ídolos, Lester Young en el legendario corto 'Jammin' the Blues'. En el film, que mostraba a más de una docena de músicos de jazz, Barney era el único músico blanco de la sesión y, para que no desentonara, se le mostró siempre entre sombras. Para los primeros planos, a sus manos se les aplicó un tinte de zumo de cerezas. Fue un músico muy solicitado para las big-bands que andaban de gira y trabajó durante un tiempo con Charlie Barnet así como con Artie Shaw (1945), con el que registró sus primeras grabaciones. En 1947 actuó por primera vez en Jazz at the Philarmonic y allí conoció a Charlie Parker, a quien acompañó, entre otros, en 'Relaxin' at Camarillo'. Participó en grabaciones de Ella Fitzgerald, Sonny Rollins y Billie Holiday. Entre 1952 y 1954 perteneció al trío de Oscar Peterson, hasta que dejó el puesto a Herb Ellis, para formar su propia banda. Barney Kessel con The Wrecking Crew Grabó con su nombre cerca de una decena de discos para los sellos, Verve y Contemporary entre los años 1953 y 1961, como 'Easy like, Vol 1' (1953) 'To swing or not to swing' (1955) y 'Some like it hot' (1959). En la década de los sesenta fue uno de los guitarristas de sesión más solicitados. Para muchos 'la primera opción', Kessell fue uno de los músicos clave de The Wrecking Crew, banda formada por grandes músicos de sesión que se puede oír en numerosas grabaciones pop de Phil Spector, Beach Boys y The Monkees, entre muchos otros. En 1968 viaja a Europa de gira con el grupo del pianista George Wein y en Londres graba varios discos en directo liderando sus propias formaciones. entre ellos un homenaje a Django Reinhardt junto con Stephane Grapelli. En 1973, de vuelta en los EE.UU, participa en el concierto de los 'All Stars' y en el encuentro de 'Great Guitars' junto a Charlie Byrd y Herb Ellis. Con Ellis seguiría actuando unos años como dúo. Una enfermedad le apartó de los escenarios a primeros de los años noventa, cuando ya estaba consolidado como uno de los grandes guitarristas de la segunda mitad del siglo XX, a la altura de otros guitarrista coetáneos como, Joe Pass o Jim Hall. Un tumor cerebral acabó con su vida el 4 de mayo de 2004.
- El 17 de octubre de 1922 nació en Rio de Janeiro el guitarrista y compositor brasileño Luiz Bonfá, conocido sobre todo, por las canciones que escribió para la película 'Orfeo negro' Desde muy pequeño, Bonfá aprendió solo a tocar la guitarra. Con doce años recibió clases del maestro uruguayo de la guitarra clásica Isaías Savio, clases que le obligaban a realizar largos y tediosos viajes en tren y caminando desde su hogar en los suburbios de Rio de Janeiro hasta la residencia del uruguayo, en los montes de Santa Teresa. Savio, viendo el increíble talento y dedicación del muchacho, decidió seguir enseñándole, aún cuando Luiz ya no estaba en condiciones de pagar las lecciones. Jobim y Bonfá Su estreno profesional fue el año 1947 en la Radio Nacional de Rio, entonces una importante plataforma para los nuevos valores de la música brasileña. Algunas de sus composiciones fueron grabadas algo más tarde por el crooner nacional Dick Farney, quien puso en contacto a Luiz con Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, el tándem de compositores estrella del país. Colaboró con ellos y con otros músicos de la vanguardia brasileña en la obra 'Orfeu da Conceiçao', que años después daría lugar al legendario film de Marcel Camus, 'Orfeu negro'. En la floreciente escena jazz de Rio de Janeiro era habitual que músicos, artistas y dramaturgos colaboraran entre sí. Bonfá compuso parte de la música original que se mostró en 'Orfeu negro', incluidos los temas 'Samba de Orfeu' y su composición más famosa, 'Manha de Carnaval' (publicada en inglés como 'A day in the life of a fool'), que según el libro de récords Guinness es una de las diez canciones más interpretadas del mundo. Como intérprete y compositor, Bonfá fue un sincero exponente del estilo samba-cançao lírico, atrevido y con arreglos exuberantes, que precedió la llegada de Joao Gilberto y su más refinada y tenue bossa-nova. Jobim, João Donato, Dorival Caymmi y otros contemporáneos también fueron músicos esencialmente practicantes de la samba-cançao, hasta que la repentina y masiva popularidad adquirida por el particular estilo a la guitarra de Joao Gilberto y su voz tenue transformaron la música del día en música del futuro. El impacto del film de Camus y las colaboraciones de Gilberto y Jobim con jazzmen norteamericanos como Stan Getz y Charlie Byrd, terminaron de dar el espaldarazo para que la bossa-nova fuera conocida en todo el mundo. En 1959 Luiz grabó el magnífico 'Solo in Rio' y Bonfá se convirtió en otro embajador más de la música brasileña en EEUU, comenzando con el famoso concierto de 1962 en el Carnegie Hall de Nueva York. Luiz trabajó asímismo con numerosos músicos norteamericanos como Quincy Jones, George Benson, Stanley Clarke, Stan Getz y Frank Sinatra, grabando varios álbumes en EEUU, como 'The New Face of Bonfá' (1970), 'Introspection' (1972), 'Jacaranda' (1973), 'Non Stop to Brazil' (1989) y 'The Bonfá Magic' (1992). Elvis cantó una composición suya, 'Almost in love' en la película 'Live a little, love a little' de 1968. Otros temas conocidos de Bonfá incluyen 'De Cigarro em Cigarro', 'Correnteza' (con Tom Jobim), 'The Gentle Rain', 'Menina Flor', 'Mania de Maria' y 'Sem Esse Céu'. Bonfá murió en enero de 2001 a los 78 años.
Acontecimientos del mundo de la música
Nacimientos
1688: Domenico Zipoli, compositor barroco italiano.
1922: Luiz Bonfá, músico brasileño.
1924: Rolando Panerai, barítono italiano.
1928: Santiago Stevenson, cantante y compositor panameño.
1933: Jeannine Deckers, monja y cantante belga.
1946: Michael Hossack, músico estadounidense (The Doobie Brothers).
1951: Roger Pontare, cantante sueco.
1967: René Dif, músico danés (Aqua).
1968: Ziggy Marley, músico de reggae jamaicano.
1971: Chris Kirkpatrick, cantante estadounidense (‘N Sync).
1972: Eminem, rapero y actor de cine estadounidense.
1972: Wyclef Jean, rapero y productor haitiano-estadounidense.
1972: Tarkan, músico turco de origen alemán.
1973: Quique González, compositor, cantante y músico de rock español.
1975: Viña Morales, actriz y cantante filipina.
1979: Marcela Bovio, cantante, violinista mexicana (Stream of Passion).
1991: Brenda Asnicar, actriz y cantante argentina.
Fallecimientos
1744: Giuseppe Guarneri, violero italiano.
1837: Johann Nepomuk Hummel, compositor y pianista austriaco (n. 1778).
1849: Frédéric Chopin, compositor polaco.
1984: Georges Thill, tenor francés (n. 1897).
1993: Criss Oliva, músico estadounidense (Savatage).
1998: Antonio Agri, violinista, compositor y director de orquesta argentino.
2001: Jay Livingston, compositor estadounidense.
2004: Celio González, cantante cubano (La Sonora Matancera) (n. 1924).
Celebraciones y conmemoraciones en general
Día Internacional para la Erradicación de la Pobreza.
Argentina: Día de la Lealtad peronista.
El Salvador: Día del Arquitecto Salvadoreño.
FUENTE:
http://www.m80radio.com
http://efemeridesdelamusica.blogspot.com.ar/
http://www.ideasnopalabras.com
http://es.wikipedia.org
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